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Kingdom of Spiders y Empire of the ants de 1977

Dos películas de 1977 que tratan sobre insectos que atacan a los humanos.

Al parecer a finales de los setenta a Hollywood se le ocurrió que todo tipo de bichos se volcaran contra el hombre, recreándo verdaderas hecatombes seudo ecológicas, supongo que a raíz del éxito de Tiburón; todas estas películas las ví de niño en televisión, ya en los ochenta, enfrentándo en la pantalla el repelente ataque de arañas, tarantulas, abejas africanas y quién sabe cuántos bichos más.

De Kingdom of spiders lo único qué puedo decir es "¿en qué estaba pensándo cuándo decidí ver esta película?????" Uno esperaría que William Shatner, un tipo que ya para el 77 acumulaba muchas horas de rodaje, tuviera un poco más de histrionismo a estas alturas, pero no, la actuación de Shatner es totalmente plana, sin matices, su personaje carece de motivaciones y se dedica a sobrevivir a las patadas a una migración de tarantulas, organizadas por física hambre, debido a que el ser humano ha cambiado por completo su entorno. Los ataques de las arañas no resultan tan aterradores como los productores de la cinta imaginaron, pero no dejan de ser repulsivos, y aunque el guión es muy malo el final abierto presenta un giro tan extraño que uno esperaría una continuación que, gracias a Dios, nunca llegó.

 

 

 

Empire of the ants: Según parece, en los setenta era muy común arrojar los residuos radiactivos en el mar. Que dichos residuos fuesen a parar a la playa y conviertieran una colonia de hormigas en monstruos gigantes que esclavizaran, a base de feromonas, a toda una población perdida en la Florida, era puro folclor.

La película se dice basada en un cuento de HG Wells, pero según leo en reseñas, el guión no tiene nada en común con el citado cuento, así que nos encontramos con una película de serie b, que utiliza imágenes ampliadas de las hormigas reales mezclándolas con los fondos en los que transcurre la historia, y muñecos surreales en los "ataques" a los personajes.

Una de las cosas más molestas de esta película es precisamente los ataques de las hormigas, para generar "suspenso" cada que los bichos van a atacar se escucha un zumbido que termina haciéndose tedioso, y para que no se note demasiado que las hormigas atacantes son el realidad muñecos mal hechos, la camara entra en un frenético movimiento que se supone genera angustia pero que lo único que logra es un dolor de cabeza a base de aburrimiento.

Aunque las actuaciones resultan más convincentes que en el film que comentaba antes, el intento de darle profundidad psicológica a los personajes queda en pura chachara en una película cuyo único foco de atención es la superviviencia de los protagonistas al ataque de los insectos.

Lo más relevante de esta cinta es el supuesto control sobre la población humana que la reina hormiga logra a través de una sesión de feromonas, por lo demás una película más entre las muchas de ataques de animales que el cine estadounidense realizó durante esas fechas.

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Películas vistas en el 2016

 

Battle royale: aparte de la aparición de Takeshi Kitano, siempre distante, siempre inexpresivo, pero en esta ocasión teñido de violencia, no acabo de entender qué tiene esta película para ser considerada de culto, es una historia demasiado vista: adolescentes sobreviviendo a un juego macabro en el que tienen que matarse entre ellos, nada del otro mundo.

Legendary weapons of china: Las películas de artes marciales de los Shaw Brothers tiene para mí un encanto especial, la ambientación, las coreografías, las motivaciones de los personajes casi siempre en busca de justicia a través de las artes marciales, ética de forajidos muy al estilo de los westerns clásicos, y por supuesto ese toque místico en el manejo de las técnicas y las armas, hacen que sea un cine muy apreciado en lo personal y esta película participa de todas esas características, sin llegar a descollar demasiado.


Crazy heart:  Jeff Bridges ha crecido mucho desde que en mi adolescencia lo ví enfrentarse a unos audífonos explosivos que le colocó Tommy Lee Jones en Marea de Fuego (Blown Away) y luego, en la tele, en el clásico de Carpenter Starman. En Crazy Heart interpreta a un cantante de country bastante mayor que inicia una idilica relación con una joven que, como en una vieja canción, termina en separación; el argumento no es nada del otro mundo, pero la interpretación de Bridges es la de un actor consumado, exacto en la emoción, comedido de manera que el espectador puede identificarse con el personaje y sus motivaciones y vivienciar una historia que bien podría sucedernos a cualquiera de nosotros.

Phantasm I y II: Un extraño sepulturero de un pueblo en medio de la nada, transforma cadáveres en enanos mutantes, para utilizarlos como esclavos en una dimensión desértica. Además de ser casi indestructible, utiliza un arma arrojadiza en forma de esfera sumamente letal, sólo comparable a los discos cortacabezas de El Angel Negro (1990). Aunque el argumento tiene su gracia, y la película por momentos logra aterrorizar, no es de mis favoritas entre el cine de terror de los ochenta y la segunda parte es innecesaria, muy de aquella decáda estar excediéndose en las secuelas aunque no aportaran nada a la historia original, o la enredaran con argumentos rebuscados, como el origen de Freddy Krueger en Pesadilla en la Calle Elm.

birth (anime)

Synchronicity 2015

The Time Machine clásica

Crouching.Tiger.Hidden.Dragon.Sword.of.Destiny.2016.

The Reptile1966

dark angel

justice league vs teen titans

bronson 2008

crimson peak

ip man 3

10000.Saints.2015

anomalisa

Batman v Superman Dawn of Justice

Shôrinji kenpô (Killing Machine)

Dust.Devil.The.Final.Cut.1992.

el monje bajo de la montañathe

zohar secret

The.Adventures.of.Buckaroo.Banzai.Across.the.8th.Dimension.1984

Dune miniserie

The.Indian.In.The.Cupboard.

you´re next

The Monolith Monsters (1957)

The monster that challenged the world

Captain Fantastic (2016)

the young sherlock holmes

Quatermass and the Pit - 1967

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Series vistas en el 2016

Mr Robot temporada 1: Las historias de hackers siempre resultan fascinantes, de la misma manera que antes lo eran las historias de espías de la Guerra Fría, sólo que hoy el enemigo son los bancos, las megacorporaciones, los gobiernos-empresas privadas que utilizan nuestros datos para manipularnos, y llega el hacker como el último paladín de la libertad a usurparles aquello que, desgraciadamente, no ha sido robado sino que nosotros mismos hemos entregado, por ignorancia o por desidia, o quizás por la desesperación de sentirnos "conectados" que sólo nos induce a más depresión y resaca.

La trama de Mr Robot no es nueva, pero los personajes son frescos, sobre todos los personajes femeninos, y siempre resulta reconfortante recuperar a esos actores que te acompañaron en la juventud, caso de Christian Slater, aunque desde el principio se intuye que su personaje no es del todo real.

 

The Shield Temporadas 1 a la 7. Revisar las 7 temporadas de The Shield fue todo un descenso en picada emocional, desde las primeras temporadas brutales hasta las últimas, repetitivas y en ocasiones aburridas.

El trancurrir de una comisaria en un conflictivo barrio de Los Angeles, contaba con personajes poderosos: Vic Mackey y su equipo de asalto, con cuya corrupción el espectador es capaz de  identificarse, y los efectivos detectives Dutch y Claudette que no sólo resultaban interesantes por los casos que resolvían sino también por la interacción entre ellos. Pero a medida que avanzan las temporadas, las situaciones de Vic y los demás se tornan repetitivas, mientras que la separación de Dutch y Claudette, además de lo aburrido de los casos que ahora resuelven, conllevan a que la serie pierda atractivo, hasta desembocar en un final bastante decepcionante.

 

Rose Red: Miniserie de 2002 basada en una historia de Stephen King. Creo que lo único bueno de esta miniserie fue ver de nuevo a Julian Sands, quien me aterrorizó en la infancia con su interpretación en Warlock, 1989. Del resto, no me gustó nada, ni las interpretaciones ni la historia, tal vez la ambientación de la vieja casa embrujada, fuera de eso la trama no cautiva, no causa suspenso y mucho menos miedo y el final abierto es de lo más aburrido.

 

Game of Thrones Temporada 6: teniendo en cuenta el material original escaso en sucesos de los últimos libros de Canción de Hielo y fuego, es impresionante lo que los productores de esta serie han conseguido hacer en las últimas temporadas.

Sin embargo, Game of Thrones empieza a dar señales de desfallecimiento. El periplo de Daenerys para consolidar su ejército y regresar a los siete reinos ha durado demasiado, y  conseguir liderar a los dothraki después de seis temporadas ya no resulta tan sorprendente.

En cuanto a la revelación más esperada, el origen de Jon Nieve, era una teoría ya muy difundida en internet y no quedó muy clara en las visiones del Cuervo, de quien no se sabe todavía qué papel exacto cumple en la trama total de la historia y cuyo aprendizaje ha sido de lo más aburrido.

Ver a Tyrion otra vez como un cortesano experto en triquiñuelas diplomáticas, no me entusiasma, prefiero el Tyrion errante que va sobreviviendo a punta de ingenio.

El personaje que más me sorprendió fue Arya, que ha pasado de niña problemática a dolor de cabeza de todos los enemigos de los Stark.

Si la temporada 7 es la última, espero que no se den prisas en atar los cabos sueltos de cualquier manera, sino que todo encaje a la perfección, teniendo en cuenta la gran cantidad de personajes y subtramas que involucra esta serie.

 

 

Daredevil Temporada 2: Historias de superhéroes hoy en día hay demasiadas y teniendo en cuenta lo que han hecho en los últimos años, las últimas películas de los X Men y Spiderm     | .

an, por ejemplo, Marvel ha dejado de ser para mí la punta de lanza en cuanto a calidad se refiere; prefiero el universo animado de DC, puesto que Btaman Vs Superman tampoco me pareció gran cosa, larga y pretenciosa cinta que busca unir a todos los personajes de DC con una historia "adulta" totalmente hueca. Y odio a Ben Affleck desde que destruyó con su "actuación" a Daredevil en la película homónima de 2003.

Así que me acerqué a esta serie más por el hecho de ser de Netflix que por otra cosa, y me llevé la sorpresa con una primera temporada intensa, centrada en el inmenso Vincent D´Onofrio como el Kingpin, para ratificar en calidad en esta segunda temporada con la entrada en escena de un devastador Punisher, otro personaje maltratado por Hollywood.

No sé si por tratarse de una serie, pero los personajes son mejor desarrollados que en sus versiones cinematográficas y eso, como espectador, se agradece demasiado, mejores personajes, buenas coreografías, tramas más intensas y menos gasto en efectos especiales "espectaculares".

 

The Wire, Temporadas 1 y 2:Había escuchado que esta serie era una de las mejores de género negro y una de las primeras en imprimirle ese aspecto de calidad a las producciones de HBO, y me dejé llevar por la curiosidad, descubriendo una de las series mejor logradas, en cuanto a personajes y trama, del subgenero policíaco que haya visto en muchos años. La idea de reunir un montón de policías fracasados, que resultan ser mejores de lo que se suponía, más la dura intriga de lo que se teje en los barrios bajos, me pareció genial, los personajes son construidos con cuidado, incluso los secundarios resultan poderosos: el detective Lester, interpretado por Clarke Peters, al principio distante y entregado a su hobby que termina por ser un detective pulcro y concienzudo, y el personaje de Omar interpretado por Michael K Williams, que termina robándose todo el interés con su extraña cruzada.

Entre los personajes principales, descolla para mí Idris Elba en el papel de Stringer Bell y Dominic West como Jimmy McNulty.

 

La segunda temporada ya no me gustó tanto, repitió el mismo esquema con resultados más flojos, pero igual tuvo excelentes momentos como el de McNulty en el prostíbulo.

 

Luther Temporadas 1 y 2: Una vez vista The Wire, leí en internet que Idris Elba había realizado esta serie en su Inglaterra natal, así que me volqué a verla, obteniendo una vez más la satisfacción de encontrar una serie bien realizada, sin grandes alardes, pero con mucha calidad, con actores entregados a su trabajo y argumentos densos,  que ahondan en la sicología de personajes torturados y no me refiero sólo a los asesinos a los que se enfrenta el protagonista.

Luego, en la segunda temporada, la serie decae, tal vez por lo largo de los capítulos, mientras en la primera temporada se resolvía un caso por capítulo, en esta cada caso dura dos capítulos, perdiendose muchas veces el hilo y el interés entre un capítulo y otro.

La gran sorpresa, Ruth Wilson, actriz a quien no conocía y que se lleva, de mi parte, todos los aplausos en esta serie.

 

Terriers: Un expolicía y un exconvicto resuelven casos en las soleadas calles californianas. La premisa de la que parte esta serie es bastante conocida, pero son las actuaciones, más que los argumentos, los que hacen que esta serie sorprenda y enganche, lástima que no tuvo continuidad.

 

Aftermath: pequeña gran sorpresa de este año, el fin del mundo se acerca y una familia debe sobrevivir a toda clase de catástrofes y monstruos sobrenaturales; nada sobresaliente, ni en los guiones ni en las interpretaciones, pero aún así, es una serie entretenida.

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The Andromeda Strain y Riverwold

Desconozco el material literario en que esta basada la serie Riverworld, de manera que no puedo opinar que tan fiel o no ha sido esta adaptación a la saga original, viendome obligado a juzgar sólo el material filmado; lo primero que me llamó la atención de esta serie fue su condición de historia trunca, revisando en internet me entero que se trataba del piloto creado para SyFy, cuya continuidad dependía del rating, pero me pregunto cómo pretendian convertir en serie una historia tan plana y por momentos aburrida como esta, con un guión que no engancha, que no crea suspenso, y unos personajes silueteados de la manera más burda; ni siquiera el supuesto planeta río crea la menor inquietud en el espectador y por supuesto las premisas sobre las que se construye la historia, no sólo no son resueltas sino que además resultan muy endebles: la tierra ha sido destruida y una raza superior resucita seres humanos en otro planeta.

Si debiera basarme en esta miniserie para lanzar un juicio sobre los libros de Philip J Farmer, no me acercaría a esta saga ni aburrido.

Por el contrario, sí he leído el tecno thriller sobre el cual se basa la miniserie The Andromeda Strain y puedo decir que es una historia entretenida y correctamente narrada, que el film clásico de 1971 respeta casi en su totalidad, no así esta nueva adaptación que busca imprimirle más suspenso a base de crear más preguntas acerca del virus, su origen y las consecuencias de su exposición, en medio de un ambiente de conspiraciones gubernamentales, que lo único que logra es que el espectador se pierda por momentos entre tantas ramificaciones de la historia central, la cual se enfoca en un grupo de científicos, cada cual con sus problemas que a mí como espectador no me parecieron nada interesantes, enfrentados a un virus de origen desconocido pero de efectiva mortalidad que ha llamado la atención de la milicia, la prensa y oscuros intereses dentro de la Casa Blanca... como digo, complicaron demasiado el guión original para nada, porque los personajes no crean ligazón con el televidente, el trhiller no supera en nada otras películas de conspiraciones científicas con posible fin del mundo que hayamos visto antes, el suspenso se esparce como el virus pero no inocula y el final abierto, en espera que el rating hiciera redituable una continuación, no permiten crear un clímax a la historia.

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Novelas adaptadas al cine

Como fanático de la literatura y el cine, quisiera que existiera una especie de hermandad, de transposición, entre las historias escritas y su representación en la pantalla; pero conciente de que esto es imposible, al tratarse de dos medios de expresión totalmente diferentes, uno espera que por lo menos la película haga honor al libro y a los personajes, y no se quede sólo con la premisa básica del argumento, como sucede la mayoría de las veces, y se me viene a la mente La insoportable levedad del ser de Philip Kaufman en la que, ni por casualidad, aparecen las reflexiones de los personajes que le dan la razón de ser, e incluso el título, a la novela, quedándose en una mera historia de amor que sólo ví hasta el final por Juliette Binoche.

Mucho se ha hablado de los cambios en el guión de la serie Game of Thrones, pero teniendo en cuenta que los últimos tomos de la saga han sido bastante aburridos (y me considero super fan,  no detractor), creo que lo que hicieron los escritores de la serie estuvo muy bien, no se adhirieron a lo escrito, sino que jugaron con los personajes, los profundizaron de otra manera a la propuesta por el autor e hicieron suya la historia, incluso cambiandola; algo que debió tener en cuenta Peter Jackson en su adaptación-trilogía innecesaria de El Hobbit.

 

Y es que lo que fue un acierto en El Señor de los Anillos, la creación de los personajes, el enganche que sentimos, la épica, los paisajes, el guión, trasladado a esta nueva trilogía se pierde en una historia plana, llena de tantos personajes que uno no acaba de conectar con ninguno, la búsqueda parece un plan sin sentido, incluso las peleas de orcos y elfos se notan tan falsas y vacías de vitalidad en su derroche de efectos, que yo personalmente sólo ví la primera en cine, la segunda en casa y la tercera no me dan ganas.

Y es que el director no debería sentir remordimiento alguno en irrespetar la historia si nos va a presentar un nuevo mundo a partir de algo ya conocido, y así quedó demostrado en El Resplandor de Kubrick, en la que la película es narrada desde la óptica del hotel, mientras en la novela era mostrada desde el punto de vista del niño,  o siguiendo con Stephen King, cómo Frank Darabont convierte un cuento largo ( o novela corta, como sea, y ni siquiera una de las más conocidas del autor), en una gran película en Sueños de Libertad, al propinarle mayor profundidad a los personajes, tomándose su tiempo para construirlos, creándo un universo particular para esa historia, dónde todos esos elementos encajan unos con otros, hasta condensarse en ese pedazo de paraíso nombrado Zihuatanejo.

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Time bandits

Cuando era niño, ví una secuencia en una película que caló profundo en mi imaginario personal: unos viajeros atrapados en el laberinto rectilíneo del desierto; uno de ellos lanza algo contra el horizonte inalcanzable y el paisaje se rompe como un cristal reflectante, detrás del cual el camino sigue para los viajeros.

Esta idea de la realidad como límite, detrás de la cual hay algo más, el sueño, la locura, me acompañó desde entonces, sin que pudiera recordar el nombre de la película.

Más de veinte años después, revisando la filmografía de Terry Gilliam me encuentro con que la mítica cinta es Los Bandidos del tiempo (Time bandits) de 1981.

Lo primero que me encandiló de esta cinta es que está protagonizada por David Rappaport, el recordado inventor de juguetes y detective de la serie El Hechicero, además de la dirección de Gilliam, quien figura en mi panteón personal por otra cinta de mi niñez como es Las aventuras del Barón de Munchausen, desmesurada en su fantasía al punto que durante mucho tiempo soñé con escribir historias como esa, desbordantes, ilímites; después, en mi adolescencia, El rey pescador,  ese Don Quijote suburbano a cargo de Robin Williams me hizo pensar que la ciudad y el género fantástico no se encontraban distanciados; pero fue hace unos años, con la demencial Brazil que aluciné con el inmenso talento del director.

En Los bandidos del tiempo se notan los titubeos del director que busca su propio universo, una cierta indecisión en la escritura del guión, como si las aventuras se atropellaran las unas a las otras hasta la conclusión final, para mí menos espectacular que el resto del film, pero aún así una película muy personal que refleja la fantasía ochentera que tantos buenos ratos nos brindó.

En youtube se puede apreciar en español "gallego".

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The Lone Gunmen

En la llamada Tierra de la libertad, mantener la libertad es una frikada.

Esa pareciera ser la premisa en que se basa esta serie, que todos saben (o deberían saberlo), es un spin off de Archivos X.

 

 

El trío protagonista apareció en Archivos X como unos aliados incondicionales del agente Mulder, periodistas investigadores capaces de penetrar el maremagnum de información-entretenimiento que los poderes dominantes colocan al alcance del público para mantenerlo aborregado, encontrando los motivos oscultos, otorgando sentido a los datos, contextualizando las cifras para que no fueran estadísticas hueras con las que probar cualquier cosa, desfaziendo entuertos y hackeando como los grandes.

 

 

No sé si porque contextualizo con mi adolescencia, pero estos personajes me parecían excelentes, su humor de tres chiflados contrapesaba los guiones densos de Archivos X, el pensamiento lateral de Frohike, Langley y Byers unidos aderezaba la paranoia de Mulder y el escepticismo científico de Scully.

Sin embargo, ahora que he conseguido la serie completa, no sé si debido al paso del tiempo o a que la serie desde el principio estuvo mal diseñada, el humor de los protagonistas me parece hueco y predecible, gags típicos de comedia gringa, argumentos vanales con final feliz, nada de conspiraciones, nada de tramas enrevesadas y personajes poco profundos, de tal manera que hasta ahora no he podido pasar de unos cuantos capítulos.

Debo reconocer sin embargo, que el primer capítulo es genial, y según las leyendas urbanointernautas, premonitorio, al tratar del posible ataque contra las torres gemelas de New York utilizando un avión. Se pregunta uno si esta información no estaría dando vueltas por ahí desde mucho tiempo antes, y si toda la "tragedia" en torno al 11 de septiembre no fue más que un montaje de los gringos.

Creo que The Lone Gunmen es una serie entretenida pero nada más, y ni siquera de las más entretenidas que me haya visto en mucho tiempo.

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Kiss of the damned

Desde que Bram Stoker hizo de su vampiro un Conde,  condenó a los hematofagos a estar asociados con la nobleza.

Supongo que por un resentimiento de clase, se pensó que la nobleza se alimentaba de los más pobres, devorándolos, consumiendolos, sin devolver nada a cambio.

En un giro, tal vez marxista, terminó pensandose  el vampiro de rancio abolengo como un ser en absoluta decadencia, anquilosado en el tiempo y siempre valiendose de los demás para su subsistencia.

Los vampiros humanos de Anne Rice a pesar de tener alma, siguen siendo ricos, jóvenes, hermosos, atributos que no les restan heroicismo y tragedia.

Pero los vampiros hipsters de Kiss of the damned se pasan; no toman sangre humana, sino plasma sintético, no se esparcen como una plaga, sino que se mantiene aislados como una subcultura de personas ricas y educadas, que disfrutan de excelentes cenas en mansiones fastuosas y, sólo cuando se rebelan, se dejan llevar por sus bajos instintos de predadores nocturnos. Por supuesto, tienen romances bastante insípidos con los que llenar la eternidad.

Visualmente, la película es impecable; las actores intentan darle vida a unos personajes muertos por un guión bastante plano y la historia en general no me pareció nada del otro mundo. Crepúsculo pero con mejores escenas de sexo. Crepúsculo para espectadores un poco mayores que buscan más intensidad y drama, aunque con iguales resultados.

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The day after

Una vez vista la película The day after, la primera sensación que se advierte es la de alivio porque los sucesos narrados en el filme no se produjeron en la vida real, y porque el régimen de terror de la Guerra Fría entre Estados Unidos y Rusia llegó a su final.

Pero enseguida, me embargó la incertidumbre de cómo aquello que se narra me pareció trágico y sentimental por estar presentado en parametros de cine occidental, es decir en condiciones en las que yo como espetador me sentí identificado, y de cómo si aquello se hubiese narrado de una forma diferente no me hubiera parecido tan devastador, hablo por ejemplo de lo que puedo recordar de Hiroshima, mi amor, en la que la parte de la guerra es narrada de esa manera vanguardista y portmoderna que conlleva a la confusión, no pareciendome tan inhumana al final.

Si es melodrama al estilo hollywoodense, cala profundo; si es una peli francesa, intelectual y de culto, pierde emoción... Cosas del cine.

Sin embargo, lo que más me deja pensando es cómo pueden los gringos moralizar sobre algo que ellos hicieron. Las bombas reales sobre Hiroshima y Nagasaki debieron causar la misma, o quizás más, devastación que las ficiticas arrojadas sobre Lawrence y Kansas City, pero nunca los he visto rasgarse las vestiduras ni pedir perdón por lo ocurrido.

Y es aquí donde me pregunto por el fin de la historia predicado por Fukuyama. Los gringos decidieron finalizar la historia para no tener que responder por nada de lo que han hecho, ni por Japón, ni por Vietnam, ni por ninguna de las cochinadas que han hecho en America Latina; al no haber historia, no hay responsables, nadie tiene por qué excusarse de los derroches y las matanzas.

Al no existir historia, el pasado queda anulado. La pelea del siglo, la mejor película de la historia, son frases que he estado escuchando mucho últimamente; y en términos de boxeo, la gente no quedó muy satisfecha, y falta ver si el nuevo Mad Max resiste el paso del tiempo con la misma entereza que el anterior. Todo lo nuevo es mejor que lo anterior, así nadie tiene qe gastarse los sesos haciendo una revisión crítica de lo acaecido, enceguecidos por el nuevo espectáculo a proyectarse.

El fin de la historia no es más que la cesación, absoluta, del sentido crítico, bajo la homogeneización, total y fascista, de los gustos por la maquinaria del progreso neoliberal de occidente.

Así que, para qué hacer una crítica sobre la película de Nicholas Myer de 1983, si tarde que temprano harán un reboot más espectacular y más costoso, que me hará olvidar de aquella vieja versión que suscitó una inquietud y esta deslavazada reflexión.

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Mr Nobody

Las aburridas vidas de Mr Nobody.

 

En su relato El jardín de los senderos que se bifurcan, Borges nos plantea las vicisitudes de un novelista que sueña con presentar todas las líneas temporales de su personaje, obviando las decisiones que como creador de ficción debe escoger. Al final, su obra es un laberinto en la cual se extravían, no sólo el lector, sino la memoria misma del creador.

Por supuesto, Borges no necesitó de dos horas para contarnos tanto.

La película Mr Nobody parte de la premisa que su personaje principal, Nemo (un nombre revelador, tanto por el capitán de Verne como por el soñador de Winsor McCay), no se deja arrastrar por el sino humano de hacer elecciones que cambian nuestras vidas, sino que, un poco según la teoría del caos, decide afrontar todas las posibles elecciones de su vida, bifurcándo su tanscurrir en procura de minimizar el dolor, la pérdida y la ruptura, acompañantes insoslayables de dichas escogencias dentro de la trama de una vida humana.

El problema con esta película es que el guión se queda corto al momento de describir tal epopeya,  conviertiéndose en un palimsesto entre Los amantes del círculo polar y 2001 Odisea en el espacio, eso sí, como conviene a estas nuevas películas "trascendentales" con muchos efectos especiales, y pienso en dos muy parecidas: Love de William Eubank y Cloud Atlas.

Creo que lo mejor de la película es su reparto, el inefable Rhys Ifans en un secundario, Jared Leto intepretando personajes díficiles algo idos de la mente (Réquiem por un sueño), la solvente y encantadora Juno Temple; y algunas escenas "surrealistas" con algo de carga poética como los helicópteros depositando cuadrados de mar como si se tratara de cuadros de césped. Del resto, puedo decir que me pareció una cinta muy aburrida y con un metraje demasiado largo.

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El cinéfilo ignorante

01/07/2013 

El cinéfilo ignorante Gustavo García 

Paradojas de la hipermodernidad, como describió Giles Lipovetsky a la actualidad: el cinéfilo, ese elemental enamorado del cine que alimentaba con libros, revistas, música referencial el entusiasmo que le despertaban no sólo sus películas favoritas, que podían variar sobre la lista oficial de Obras Maestras, sino hasta sus “placeres culpables”, pero sólo después de haberse enfrentado lo mismo a lo Bueno que a lo Malo y a lo Feo, enfrenta una crisis de formación, deformación y disolución con la explosión cinematográfica actual. Hasta hace apenas unos 15 años, los cinéfilos eran legiones que lo mismo se encontraban en el megaestreno veraniego que en las soledades de la película iraní colada milagrosamente en la cartelera, reforzaba sus entusiasmos con algún hallazgo en la televisión y, en un éxtasis íntimo, armaba su filmoteca particular con algunos DVD (la respuesta de Dios a los cinéfilos); solía dedicarse a los varios oficios del cine, de la dirección y la producción a la academia y la crítica, o no, tener su cinefilia como una diletancia, una luz interior. Y cuando se reunían los cinéfilos, eran encuentros de referencias, citas, títulos comunes en una lengua franca que iba por encima de clases y nacionalidades. Eso se acabó. 


Hace unos 15 años se venía gestando el fin de una era del consumo y el gusto fílmicos: los festivales, los DVD, los canales de cable dedicados exclusivamente a presentar películas, y luego la internet, abrieron la caja de Pandora de la sobreinformación. Antes convivían en armonía el cinéfilo básico que buscaba cubrir la lista de John Kobal de Las 100 mejores películas con el erudito que abarcaba el cine mainstream junto con los marginales disponibles y el freak obsesionado con el cine de desecho, en espera de que se volviera “cine de culto”. De repente, esos marginales hicieron explosión y se borraron los contornos; de repente, circulaban cineastas filipinos, tailandeses, húngaros rabiosos, norteamericanos más allá del off off off; es la ola donde se incorporaron los mexicanos reflexivos y trascendentes que tanto furor provocan en los festivales europeos. Y si se cae en la tentación, hay el riesgo de no volver al camino viejo: quien se abisma en el universo del nuevo documental norteamericano, los surrealistas checos, los gore-splater serbios, el terror latinoamericano, los poéticos de Kazajistán, tienen para un buen rato de producciones que se renuevan y ramifican, pero que les alejan de la vieja comunidad cinéfila y les llevan a grupos cerrados que, sin embargo, las redes sociales amplían y universalizan. Adiós a la tertulia de café o en torno a unos vinos entre periodistas, un cineasta y profesionistas varios durante horas; bienvenidos al chat con “likes” y vínculos a escenas específicas en YouTube. 
Hay dos categorías en la nueva cine-filia: la de los tradicionales, los formados en los clásicos convencionales y en la curiosidad planetaria que empezó con las Nuevas Olas de los sesenta, pero a quienes la curiosidad llevó a ese nuevo océano informativo y se dejó devorar con entusiasmo y sin nostalgia. Suele proclamar la buena nueva de sus descubrimientos de cine saudí o montenegrino como si su presencia excepcional bastara para desplazar a todo el cine previo; la otra categoría es la de los de verdad nuevos, los que nacieron al cine por recomendación de Facebook, nutren su marco teórico en portales especializados en subgéneros específicos y de los cineastas y las películas más insólitos derivan exégesis intensas; no existe otro cine que ése y no necesitan más: les llegarán más ejemplos de todo el mundo sin necesidad de ver hacia atrás: ¿qué necesidad tiene de asomarse a John Ford, Fernando de Fuentes, David Lean o Jean Renoir? El cine del pasado sólo existirá si el cineasta lo menciona y así buscarán El gabinete del doctor Caligary (que no el resto del expresionismo) o a Hitchcock incompleto. 
El nuevo mundo cinéfilo es un archipiélago de soledades y tiene que ver con cómo el cine está revisándose a sí mismo; las nuevas generaciones consumen con mayor comodidad un cine minúsculo, en presupuesto o en ambiciones, pensado para no perder mucho en su paso a las pantallas de las laptops o incluso los iPhone; impensable que soporten la solemne majestuosidad visual de Lawrence de Arabia, Cleopatra o Ben-Hur, pero tampoco las sutilezas éticas de un Eric Rohmer, un Alain Resnais o un Pasolini. No los repelen, pero tampoco los buscan ni los sienten necesarios; les bastan los nuevos universos cinematográficos, que escapan a la Historia o crean la suya propia, a veces efímera, mutante. Un síntoma fue la serie de televisión del historiador Mark Cousins La historia del cine: una odisea (2011) que sembró la natural confusión en los espectadores ante la apabullante cantidad de referencias duras, comparación de escenas de cineastas diversos y una visión desesperadamente globalizadora para hacer una crónica personal y llena de afirmaciones sin sustento: así, una película de Ozu era la mejor jamás filmada (para estar en la moda del cine trascendente), un actor hindú era el más famoso del mundo (o sea, en la India) y el reflejo en la huella de un vaso en Larga es la noche (1948, Carol Reed) extendía su influencia hasta Godard (quien nunca mostró el menor afecto por el cineasta británico), pero en el camino se veían espléndidas imágenes de cintas chinas de la era de Mao o brasileñas de los años treinta que habían escapado a los historiadores. Su voluntad antiHollywood, como si el cine norteamericano hubiera pervertido toda la lectura del cine, coincide espiritualmente con la nueva cinefilia: no importa compartir los gustos cinematográficos, sino demostrar que al otro le falta ver las películas, las que cambian el panorama por completo. No faltará quien lo crea y se aterre, y otro que simplemente vuelva a ver a Rita Hayworth en Gilda y deje de sufrir. n 


Gustavo García. Investigador y crítico de cine. Es académico de la UAM-Xochimilco y autor de Al son de la marimba. Chiapas en el cine.

 

 

http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/16930406/El-cinefilo-ignorante.html

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Películas vistas en el 2012

Alien: Empecé el año revisionando este clásico, claustrofóbica recreación del laberinto del Minotauro, pero con un Teseo hambriento e implacable.

Society: Escatológica visión de la alta sociedad ochentera, con el protagonista de los primeros  Guardianes de la Bahía, Billy Warlock y una morbosa Devin DeVasquez; excelente la escena de la transformación en cara del trasero del padre e inolvidable la orgía-porfía en la sala de la casa, esa cantidad intelegible de tejido acuoso entrmezclado en un orgasmo fluctuante.

Some kind of monster: Metallica por dentro, James se marcha dando un portazo, Lars le grita en su cara que está harto de él: ¡Fuck!!!!!!!.

Pink Flamingos: ¿comedia? Las ultra escatológicas aventuras de Divine y demás personajes de esta terrible película me parecen más dramáticas que cómicas, un retrato crudo de la tan cacareada "naturaleza humana" con mierda de perro incluida

Apocalipsis now: Nunca he podido entender del todo "El horror...el horror" de esta profunda película, que tuve la oportunidad de ver en pantalla gigante en los 90, durante su "Redux"; "Aspira fuerte el napalm", Bunbury dixit.

Easy rider: para ser un outsider debes tener dinero guardado en el tanque de la gasolina de tu moto Harley Davidson; marihuana, carretera, Jack Nicholson y una muerte sin sentido.

2001, odisea en el espacio: Más que una odisea (viaje hacia afuera), siempre he visto esta historia como un viaje de reconocimiento, hacia adentro, de regreso, con toda la grandeza épica que le confirió Kubrick.

Iron Monkey 2: a raíz de Ip man, "descubrí"  a Donnie Yen, en esta película exhibe su pericia pero lahistoria resulta bastante convencional.

Anonymous: ¡Excelente! Rhys Ifans se engrandece a alturas estratosféricas de calidad actoral, amparado en un guión sólido y una puesta en escena impecable.

The dangerous method: Uno de los Cronemberg más flojos que me haya visto, la aparición de Viggo Mortessen es casi un cameo.

Taxi Driver: ¿Me hablas a mí? cuando de Niro actuaba y no se repetía a sí mismo en muecas cada vez más arrugadas.

Love: Una bostezante recreación de 2001 con efectos digitales más actuales.

The adventures of Tintin: Tintín es un personaje amado, y gracias a Dios Spielberg no lo convirtió en carne de taquilla, ofreciendonos unaa aventuras a la altura de los cómics y la serie animada.

The war of the arrows: Epica coreana para vender entradas y crispetas, lo que no implica que no sea una buena película, entretenida y grandielocuente.

Ronald el barbaro: risible a más no poder, una aventura heavy con todos los ingredientes de las grandes sagas pero con mucho humor.

Perfume de mujer

Flowers of war

Les triplettes de belleville

Snow flower and the secret fan

The beyond Lucio Fulci

Sin city

Mothers day

Chucky 1

Batman el regreso del guasòn

Batman el misterio de batichica

Beautiful losers

Salem`s lot

13 assasins

Red dragon fist-Donnie yen

Ssssss

Documental 2001

Batman Superman

Batman vs Dracula

La masacre de Texas

Suck

la tumba de las luciernagas

dark city

rumble fish

v de vendetta

shinjuku triad society takeshi miike

ichi the killer

turk fruits

the brood cronemberg

conan the barbarian 2011

nocturna

Asylum

The flying swords of dragons gate

Vampire hunter D 2 Bloodlust

steamboy

millers crossing

terciopelo azul

caballeros del zodiaco overtura del cielo

ichi the killer ova animado

scum alan clarke

brazil

mad max

mad max 2

mad max 3

entrevista con el vampiro

el vengador toxico

Silip

la reina de los condenados

superman vs la elite

los intocables

rockstar

toro salvaje

the doors

Thor tales of asgard

lock out ms one

La pianista-Haneke

appleseed

los colores de la montaña

the men with the x ray eyes-roger corman

cujo

Kite OVA 1& 2

Heavy traffic

The mindscape of Alan Moore

tenacious d

halloween 2

runaway train

monella

twixt

the crow

the crow 2

the crow 3

wu xia

el exorcista

the thing

the dead zone

frankenstein 1931

the wolfman 1932

making of youthanasia

el planeta fantástico 1973

cruising william friedkin

criss cross

los hombres que no amaban a las mujeres

Pigen der legede med ilden

millenium actress

Delta de Venus

Bloody birthday

Heart in Atlantis

Pearl Jam 20

Distrito 9                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                      

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In Time de Andrew Niccol

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Creo que la premisa en la que se basa In time es que la libertad sólo se compra con dinero; si no tienes tiempo (en este caso, el tiempo equivale a dinero), no tienes libertad; si consigues mucho dinero, puedes irte a un lugar donde serás 
absolutamente libre; si quieres que los demás sean igual de libres que tú, no los ayudes a cambiar su mentalidad y por lo tanto a cambiar el sistema, simplemente dales más dinero.Algo parecido ya se había visto, de forma mejor traducida a lenguaje cinematográfico y con mejores actuaciones en Easy Rider.Andrew Niccols sorprendió con esa distopía lenta y manierista que fue Gattaca, divirtió con las peripecias del siempre 
solvente Al Pacino en Simone, logró que los mismos gestos de siempre de Nicholas Cage se pusieran al servicio de la historia narrada en El señor de la Guerra; pero definitivamente en In time parece haber perdido el rumbo, pese a encontrarse el mismo manierismo en los escenarios  grandielocuentes que en Gattaca.Si en anteriores películas, los finales abiertos dejaban ganas de más, ¿regresará Vincent del espacio?,¿como va a continuar 
Yuri si ha perdido a toda su familia?, en esta lo mejor que le hubiese pasado a los protagonistas, en aras de aumentar el dramatismo, hubiese sido que uno de los dos muriera ( o ambos, dada las actuaciones tan planas de los protagonistas).

Otra revolución hollywoodense que no busca cambiar nada, más que nuestros hábitos de consumo.

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Basquiat: The radiant child

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De Basquiat siempre me han gustado los graffitis de su época como Samo, más que el resto de su obra, aunque ese primitivismo que luce su trabajo no me deja indiferente.

Hace años ví una película titulada Basquiat, firmada por Julian Schnabel, de quien ya había visto el biopic de Reynaldo Arenas, cuya parte más interesante me resultó la actuación de Johnny Deep, una película en la que Basquiat se me antoja huidizo, asi que no volvía a ahondar en la figura de este artista, hasta que dí con un fragmento de este documental en youtube y decidí descargarlo para mirarlo con más detenimiento.

Aquí enlaces para descarga directa y acá para descargar con torrent, subtitulado.

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El amante

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La película de Jean Jacques Annaud, basada en la novela de Margueritte Duras, clásico de mi primera juventud, cómo suspiré por la flaquita de Jane March!!!

En la Bahía pirata para compartir por torrent.

Los subs aquí.

 

PD. 11-08-2012 :A raìz de El Amante, recordè otra pelìcula de Annaud que me gustò mucho como fue La Guerra del Fuego, que pude ver hace años gracias a la gente del Cineclub Vlad de Cartagena de Indias, y que en sùplica muda a san googlito se me revelò aquì, junto a toda la filmografìa de Annaud, de quien ademàs he podido ver El nombre de la rosa y Enemigo al acecho.

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A Serbian Film

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Que el arte sea moral o inmoral, es una cuestión que se viene debatiendo desde que el hombre empezó a crear cultura y dentro de ella, eso inasible llamado arte.

Yo personalmente, no creo que exista algo llamdo arte moral o inmoral, sino búsquedas plásticas unas más logradas que otras.

Por supuesto, el arte tiene la obligación de indagar en todas las capas de la experiencia humana, en su interior, su psique, su alma, o como se prefiera llamarlo.

El quid del asunto está en la manera cómo dichos temas se tratan.En A Serbian Film se tocan puntos de la mencionada  experiencia humana que siempre han estado rodeados de controversia: la liason dangereuse entre el sexo, el dolor, la humillación, la dominación y el vouyerismo, los deseos incestuosos, el dinero, la violencia, los límites hasta los cuales somos capaces de llegar.Sin embargo, el afán de epatar, de sorprender, conlleva a que todos estos temas de gran importancia queden relegados  en aras de imágenes y situaciones cada vez más espectaculares, sin que por ello, en este ascenso, el dramatismo suba al mismo tiempo; simplemente asistimos a cuadros inconexos de degradación, filmados en el estilo entrecortado del videoclip, para acabar con una historia pensada desde el principio para escandalizar, ya que hoy día, la controversia, la censura, generan público.

Queda el tramo en que Milos entra en la habitación donde yacen en una cama los cuerpos desnudos de cintura para abajo de dos personas, una de ellas un niño; no existe suspenso en esta escena porque de una vez el espectador intuye que se trata de la familia del drogado actor porno; que Milos viole a su propio hijo y la escena se recree con crudeza, habla más de la psicología del realizador, que quiere shockearnos a toda costa, que la del plano personaje que pretende relatar; sólo después de violar a su propio hijo y ver cómo su hermano viola a su esposa, Milos reacciona y, por supuesto, su respuesta es sumamente violenta.

El final abierto sólo augura que, si con la esperada controversia generada por el film se consigue financiación, se realizaría una siguiente película.

A mí personalmente, A Serbian Film no me gustó, más que por lo que muestra, por la manera cómo lo muestra; el prólogo soporífero, el pretendido suspense pseudo intelectual que rodea la filmación de la película porno que siento que no cuaja, y luego esa precipitación en impactar con secuencias de violación y violencia, siento que hacen del film una película irregular, sin una indagación psicológica profunda acerca de los límites que somos o no capaces de cruzar.

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Pelìculas de serie B

En B movies, pelis de serie b, para mirar on line.

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Dos de Tobe Hooper

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El misterio de Salem´s Lot.

La matanza de Texas.

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Suck

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Suck, dirigida por Rob Stefaniuk.

La musica rock, al igual que la cultura popular en general, si bien se alimenta de rupturas y vanguardias, pronto las asimila y las domestica hasta convertirlas en digeribles para todos.
Supongo que este proceso no està mal.
La decadencia se concentra tanto en sì misma que pronto implosiona, creando campos infinitos de partìculas que pueden -o deberìa hacerlo-, dar paso a nuevos estados.
Sin embargo existen determinados momentos en que la decadencia se solaza tanto en sì misma que se mira sin ironìa, llegando a colmos tan exasperantes de parodiarse a sì misma pero sin la màs mìnima pizca de humor, como si se justificara a sì misma como el ùnico estado existente, màs allà del cual ya nada queda por inventar.
En Suck se nos muestra la parodia sin ironìa de una banda de rock de garage, independiente y underground (cuantos clichès rocanroleros logrè reunir en una sola frase), que en busca del èxito vende su alma a un vampiro caricaturesco, al que un descendiente de Van Helsing persigue hasta matarlo y conseguir "curar" a todos aquello inocentes que han caìdo bajo su influjo (cuàntos clichès vampirescos reunidos en la siguiente frase).
Como pelìcula de vapiros es muy mala; como pelìcula sobre la escena de rocanrol es muy mala, como excusa para mostrar leyendas vivientes, tanto del rock como Alice Cooper o Iggy Pop, como del cine, caso de Malcolm McDowell, repitiendose a sì mismo en los mismos tics de siempre, no està mal.
Unos cuantos guiños para iniciados, cuatro mùsicos cruzando la cebra de una calle, un baño de paredes amarillas con el nombre de la banda escrito en las paredes, se agradecen, màs por memorabilia que por impresionantes.
A rescatar, el rejuvenecimiento de McDowell a su època Naranja Mecànica, no sè si vìa efectos digitales o de fotografìa, pero en general una pelìcula de entretenimiento rampante y humor bastante simple.


 

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Love de William Eubank

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Love. Escrita y dirigida por William Eubank.
Love es una pelìcula de ciencia ficciòn que narra la peripecia de un astronauta, Lee Miller,  que pierde todo contacto con la Tierra, para embarcarse en un viaje de autodescubrimiento y reconocimiento interior.
Bebe de la tradiciòn de 2001, odisea en el espacio, no sòlo en su tono ralentizado y existencialista, sino incluso en su puesta en escena: los paneles que Lee desmonta recuerdan cuando Bowman desconecta a Hal, los pasillos de hotel por los que se mueve Lee tienen un aire a la gran habitaciòn en la que Bowman pasa sus ultimos años, y finalmente si Dave Bowman acaba convertido en un  inmenso feto sideral frente a la tierra, Lee Miller acaba "fecundado" por un gran destello de luz que lo envuelve en una estructura redonda muy similar a un òvulo.
No obstante, la narraciòn fragmentada en 2001 permitìa elipsis y saltos temporales que enriquecìan la narraciòn, mientras que en Love la fragmentaciòn, la confusiòn de un guiòn que no està muy claro hacia donde se dirige, juega en contra de la pelìcula al hacerla soporifera por instantes.
Porque uno de los màs grandes defectos de esta pelìcula es su extensiòn; de un planteamiento inicial interesante, deviene en demasiados tiempos muertos que lo que logran es desviar la atenciòn de espectador.
Visualmente es impecable, a ratos poetica e imaginativa, pero en general, lo que la pelìcula pretende transmitir ya lo dijeron Los Beatles en menos tempo y sin tantos efectos especiales: "All you need is love!"

PD: Luego me entero de que està pelìcula "establece vìnculos" (para utilizar la terminologìa de la misma cinta), con un album de la banda Angels & Airwaves, un album homònimo o algo por el estilo.
Pues si hay que escuchar el album para darle sentido a la pelìcula, peor todavìa, aùn si se tratara de un proyecto multimedia màs amplio, la pelìcula deberìa ser capaz de sostenerse por sì sola.


Un Metodo Peligroso de David Cronemberg

20120217211103-a-dangerous-method-poster.jpgUn Metodo Peligroso, la nueva película de David Cronemberg es una cinta técnicamente impecable, la fotografía, los escenarios, el diseño de vestuario; incluso, las interpretaciones de los actores están realizadas de forma pertinente, pero sin querer ir más allá: Vigo Mortensen da la impresión de sentirse cómodo en su rol y se limita a recitar sus dialógos sin mayor implicación.
Y es sobre dialógos (en ocasiones demasiados) que se construye el argumento de la película, como si lo que en películas anteriores de Cronemberg fuera el shock visual ahora se equipare al desgarramiento conceptual al recrear cómo dos pensadores de la talla de Freud y Jung construyen sus respectivos aproximamientos a un terreno tan resbaladizo y oscuro como la psique humana.
Si lo que en films anteriores venía dado por la Carne, la Nueva Carne cortada, amputada, intervenida, mediada y mediatizada, y los cambios que dichas mutaciones tenían en quienes las sufrían, ahora se traslade al interior: si consigues domeñar el alma traspasada de conflictos, culpas, traumas y demás, tal vez entonces el cuerpo se torne más funcional, más accesible y, por qué no, más ameno, menos ese enemigo indomable y más reflejo de la propia identidad.
Sin embargo esta película , a pesar de estar filmada con el mismo enfoque "realista", "naturalista" de A History of Violence y Eastern Promises, para mí no alcanza las mismas cotas de dramatismo e implicación de ellas, dedicándose a ser una buena película con un planteamiento inteligente, pero que no logró suscitar en mí esa inquietud visceral de otras cintas del mismo director.
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Cinema underground

Creo que cine underground no es lo mismo que cine friki o bizarro o de serie B, pero bueno, en èste blog sì lo es y no me voy a poner a discutir; reseñas  de frikismo cinemàtico en Cinema Underground.

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Películas de culto

Lleguè a Sunset Boulevard buscàndo algo de Batman, pero veo que hay mucho màs. 

Ademàs desde allì fui a dar de bruces con un montòn de Pelìculas de culto.

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Día de mudanza

Un excelente cortometraje titulado Moving day!!!!

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Cine porno retro

El cine porno es tan antiguo como el cine mismo, para la muestra un botón!!!

PD: Actualización 14-01-12:

Porno vintage para descarga en Retro Erotica.

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Miedo y asco en Las Vegas

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La escatològica recreaciòn de los sìntomas y la cruda visiòn de las paranoias  de la droga, con los oropeles de Las Vegas como telòn de fondo...

La primera vez que intentè ver esta pelìcula, el aire de comedia que destilan sus primeros minutos me hizo desistir; màs tarde empecè a leer sobre ella, pero ya se me hacìa dificil  conseguirla.

Pasado cierto tiempo (un par de años màs bien), he podido verla completa y aunque no creo que vaya a convertirse en uno de mis filmes de culto, debo reconocer que lo que comienza como una comedia extravagante se convierte en una tragicomedia negra, bufa e irracional, donde el mayor atractivo es la interpretaciòn erràtica y caricaturesca de Deep y del Toro, antes que las situaciones o la representación de la irrealidad psicodélica (nada nuevo bajo el sol a la hora de escenificar un trip alucinògeno, quizàs exceptuando el delirio de la empleada de recepción y el de los reptiles antropomorficos).

Por supuesto el trabajo de puesta en escena es impresionante, la recreación del circo casino y un escenario que me pareció inquietante: el personaje de Duke en una cabina telefónica en medio del desierto, rodeado de chatarra de carros, algunas de las cuales aún están echando humo...

Como curiosidad, algo de Hunter S Thompson para leer en medio de una contingencia nihilista.

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The warrior and the sorceress

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La fantasìa èpica, sobre todo el genero de espada y brujerìa, ha generado en mì una adhesiòn inexplicable desde que era niño, supongo que debido a esa mezcla fàlica de espada bañada en sangre y doncella hermosa semidesnuda y en peligro...

Independientemente de las motivaciones freudianas que puedan subyacer en mi gusto por ellas, debo reconocer que algunas de dichas cintas las he visto màs por afàn de cinefilia friki que por calidad cinematogràfica.

Aparte de films como los dos de Conan y  Willow, que por verlas en mi niñez llevan la carga emotiva de pelìculas de culto, las que me he visto ùltimamente dejan mucho que desear; me refiero a The Beastmaster, dirigida por Don Coscarelli y protagonizada por Marc Singer y Tanya Roberts, la semidesnuda doncella de turno, que creo que alcancè a ver de niño pero olvidè por completo, cinta que tiene el encanto, por lo menos para mì, de involucrar animales en ella haciendola digestible; y la que dà tìtulo a este post, The Warrior and the Sorceress, protagonizada por el señor David Carradine y la argentina y morbosa Marìa Socos, producto de un cruce entre el mìtico Roger Corman y una productora argentina.

Lo màximo que puedo decir de èsta pelìcula es que es sonrojante, verguenza ajena me dan las escenas de batalla, Carradine le pone tanto empeño a las patadas que parecen estar filmadas en càmara lenta y exhibe un consabido repertorio de gestos que hace recordar al peor Keanu Reeves, sòlo que màs estreñido.

Creo que lo ùnico medio bueno de este film es uno que otro detalle de utilerìa (las espadas por ejemplo) y la puesta en escena (dos soles, que nos hacen pensar en un mundo paralelo o en un planeta distante), y por supuesto las mujeres que se pasean semidesnudas por todas partes; nada màs que agregar, me imagino que habrà quien la considere de culto, yo no sè si la vuelva a ver algùn dìa, si la dejo por ahì grabada serà como mera curiosidad...

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El amor en los tiempos de la imagen digital.

El videoclip de la canción All is full of love de Bjork a cargo de Chris Cunningham.

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Dios nunca estará de mi lado

Dice Lemmy que Dios nunca estará de mi lado...

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Degustar la bazofia

Notas para cinéfagos despreocupados


Theodor Adorno criticando el cine nos dice que sólo son adecuadas las películas que accionan nuestra capacidad crítica, todo los demás es evasión estéril, es estrategia que busca mantener en el limbo del anonadamiento al potencial emancipador que guarda todo cerebro sano. Bertolt Brecht comparsa teórico de Adorno, por su lado insiste en la necesidad de activar la crítica del auditorio, manteniendo a raya los lloriqueos y el sentimentalismo, que con sus nudos en la garganta y sus párpados temblorosos, no dejan concentrar el intelecto en el esfuerzo por cuestionar el orden de cosas.


            Para Brecht, aquella catarsis de la que habla Aristóteles en su Poética, cuya función homeopática, lleva al espectador a que desahogue sus emociones agolpadas, no hace más que distraer el buen funcionamiento crítico, que abochornado por las pasiones desbocadas, no tiene tiempo de pensar sobre la injusticia y las contradicciones sociales, vía de acceso a la transformación política y al cuestionamiento de los poderes sedimentados.
            No siempre somos tan críticos ni hace falta, pensar que constantemente tenemos que permanecer en guardia intelectual, nos dejaría exhaustos. No convirtamos en un pecado secular a los escapismos improductivos y autocomplacientes. Conmoverse de vez en cuando ante un cliché romántico, a veces lo único que muestra es que estamos al tono con la sensibilidad general, que no implica que no podamos tomar distancia y opinar con cierta ecuanimidad razonable. Después de todo, siempre somos logopáticos, es decir, nos acercamos con mente y vísceras a flor de piel a todo lo que se nos ponga enfrente. A estas alturas pretender ser una especie de robot lógico es una impostura, y en todo caso aparenta ser más una patología que a una cualidad.

(...)


Una película de argumentos sutiles, con significados polisémicos, visualmente poética, argumentalmente redonda y con desenlace causal y significativo, es un regalo para gourmets, siempre es de apreciar y agradecer. Pero no siempre el inventario cuenta con obras de arte. Que haya calidades de diverso calibre, no es tanto producto de la degradación cultural, como efecto de la multiplicación y la cantidad, que algo tienen que ver pero no es una equivalencia simple. Tenemos que ser muy aristócratas intelectuales, para no aceptar que las expresiones culturales, propias de una democracia abierta, vienen en todos los sabores y colores. La democracia es inclusiva, exuberante, agridulce, ambigua, culturalmente desfondada, llena de aporías e infortunios, es decir, es el caldo de cultivo adecuado para las aventuras y desventuras del arte y el pensamiento. Sólo un conservadurismo exacerbado pretendería perfección únicamente en la cultura refinada. 
 
Tal vez degustar bazofia destruya el paladar, pero en cinematografía generalmente vale la pena zambullirse sin recato ni prudencia en lo que la cartelera nos pone enfrente. Lo peor que puede pasar es que nos pongamos de pie indignados o nos aburramos a muerte. A veces en las escenas más insoportablemente kitsch, encontramos joyas significativas, dignas de una reflexión sesuda. La industria del entretenimiento es por definición oropelesca, es efectista y busca alucinarnos; su intención calculada es seducirnos con la evasión y sacarnos del mundo lo más pronto posible. La curiosidad intelectual entusiasta, no verá en ello más que exuberancia, sólo tal vez, diversas cualidades, estilos multiformes, capacidades movibles, formatos no tan decorosos. 

Mauricio Ramos.

Revista Espiral.

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Jump

Un salto animado para salvar la vida!!!!

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The Bridge

Jajajajaja, animación animal a cargo de Ting!

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Howl

Una animación lupina a cargo de Natalie Bettelheim, muy buena!!!

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UbuWeb

Imàgenes y sonidos de vanguardia en Ubu.

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Highlanderclab

Buscando el tìtulo de una pelìcula de vampiros en la que sale Christopher Lambert, fuì a dar de bruces con este sitio, en el que se hace un repaso a muchas pelìculas ochenteras, de esas que sòlo se conseguìan en vhs, porque ni en cine las pasaban.

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Las mejores mil pelìculas jamàs hechas

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Segùn los crìticos del New York Times, aquì.

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Otro blog de Los Simpsons

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Pues este es el primer blog totalmente dedicado a la familia amarilla que yo veo, con muy buen material.

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Cyriak Harris

Un excelente video de este señor, aquí.

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Leslie Nielsen

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Durante parte de mi adolescencia estuve peleado con Leslie Nielsen, el humor de sus pelìculas me parecìa demasiado burdo.

Pero luego con el tiempo, al ver en lo que caía la comedia estadounidense, empecé a reconciliarme con el viejo de los cabellos blancos; me dí cuenta de que lo suyo era la ironía, la sátira de los tópicos del cine de género ,y quizás por eso me resultaba tan antipático al principio, porque cuando uno empieza a descubrir los géneros no quiere que nadie los desacralize y menos con esa mirada perdida que se conviertió en marca de la casa, ese gesto de total enajenación que podría considerarse un signo de los tiempos.

Pero definitivamente la reconciliación total con un actor como él vino cuando por fin pude ver el clásico Forbidden Planet, y me encontré con un joven Nielsen en el papel de capitán de una nave espacial perdida en lo más recondito de los temores subconscientes, en compañía de una turbadora Anne Francis, luchando contra los "monstruos del ello".

Larga vida a Frank Debrin y a todos sus extravagantes personajes!

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Cinediondo

Cine de serie z con muy mal olor, aquí.

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Machete

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Cuando yo era niño, en mi casa una fuente de lectura cotidiana se encontraba en los "paquitos", las novelas gràficas pulp que vendìan en los puestos de periòdicos; mi padre era muy asiduo a ellos y puedo recordar tìtulos de series  como Memìn, un melodrama sobre un niño de piel negra, con una temàtica  infantil bastante sentimental, y otros de tramas màs adultas como Kalimàn, Aguila solitaria, Rarotonga, Samurai, por citar sòlo los que màs se quedaron en mi mente.
Pero tambièn habìa una vertiente de novelas de un sòlo tomo, con un contenido màs adulto, de terror y eròtico, cuyos tìtulos no recuerdo, dada su variedad, muchas de las cuales no pude leer sino hasta mucho tiempo despuès y que, junto a las novelitas de vaqueros y espìas -firmadas con rimbombantes nombres anglosajones, aunque años despuè me enterè que en realidad eran hechas por españoles-, conformaban cierta literatura underground muy de esquinas de la calle, de leer y tirar.
Por los menos en Cartagena, este tipo de literatura popular ha desaparecido por completo.
Creo que el logro màs alto de la ùltima filmografìa de Robert Rodriguez, ha consistido en rescatar esa iconografìa  de revista pulp, esa imagen distorsionada, quemada, de pelicula en VHS,a diferencia del estilismo de la gran mayorìa de adaptaciones de còmics al cine; y me refiero a su participaciòn en Planet  Terror y a Machete, con sus tòpicos de siempre, aderezados por un gore sucio muy de Tom Savini  y un humor muy negro estilo Quentin Tarantino, bandas sonoras bastante peculiares y  apariciones de actores reconocidos -en Machete, destaca la simplicidad con que Robert de Niro interpreta su rol (nada que decir, por lo menos nada bueno, de Steven Seagal), aunque se reencuentra uno con tipos como Jeff Fahey, el recordado jardinero psicòtico del ciberespacio, de quien lo ùltimo  que  vì fue su  interpretaciòn de Lapidus en la serie Lost-, y por supuesto el eje de la pelìcula, el dueto formado por Danny Trejo y Cheech Marìn -Marìn cobrarà por rol o por pelìcula?, porque siempre hace dos o tres roles en la misma cinta-.
Visualmente estas pelìculas no dan para mucho, decapitaciones, mutilaciones, abundante derramamiento de sangre, mujeres lindas pero fuertes -en el caso de Machete, realza la presencia de Michelle Rodriguez, en plan pirata, top y pantalòn ceñido, y en Planet Terror la bobadita de colocarle una ametralladora a Rose McGowan como protèsis para una pierna perdida-, pero demuestran lo fagocitador que puede ser el cine de sì mismo, de otros medios y del inconciente colectivo que este mundo visual ha creado en nuestras mentes.

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El Inicio

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En anteriores pelìculas de Christopher Nolan que he visto, Batman inicia y El prestigio, ya se esbozaba la preferencia del director por contar historias dentro de la historia, abarcando un todo que disponìa de màs de una lectura y con truculencias argumentales que dejan con ganas de màs.
Si bien Batman es un material conocido para cualquier aficionado al cine, y no digamos ya a los còmics y a las series animadas, Nolan renovò el interès por el Hombre Murcièlago creando un inicio creìble, repaldado eso sì por la imponente presencia escènica de Christian Bale, quien repite en un doble papel en El Prestigio, pelìcula en la que la ilusiòn procede màs de las vidas dobles de sus dos protagonistas que de los trucos en sì, con el siempre eficaz Michael Caine en secundarios en ambos films y curiosidades como David Bowie en el ùltimo.
En El Origen el papel principal recae en Di Caprio, repitièndose en el rol de hombre de acciòn acosado por sus propios fantasmas, en este caso la muerte de su esposa y el alejamiento de sus hijos. No obstante Di Caprio ha madurado histrionicamente, lo que  le ha permitido codearse con grande de la direcciòn y la actuaciòn, sus tics actorales son conocidos, sus gestos, su entonaciòn, lo que no demerita la  enrevesada historia que nos cuenta Nolan, aunque a mì me parece que sobraron explosiones y tiros en algunas secuencias.
Lo acompañan en esta andadura la pequeña y hermosa Ellen Page y el siempre efectivo  Ken Watanabe, ademàs del ya mencionado Kane en un secundario.
La idea central da para mucho, Dom Cobb es uno de los mejores "extractores" del  mundo, ladrones profesionales que se infiltran en la mente de las personas mientras duermen para hacerse con secretos corporativos de alto nivel; los efectos especiales no tienen nada que envidiarle a los de Matrix, impresionante la pelea en el pasillo del hotel, con los personajes rodando por las paredes y el techo, y el de la ciudad doblàndose en dos, aunque da la impresiòn de que la pelìcula es màs fàcil de recordar por estos detalles aislados que por su totalidad.
De todas formas, en una ciudad en la que sòlo pasan cine comercial,-si me traguè Avatar, con toda su pretenciosa grandielocuencia, puedo con lo que venga en adelante-, El Inicio ha sido una de las mejores pelìculas que he visto ùltimamente en cine .

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Payasos asesinos del espacio exterior

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Los ochenta disfrutaron de la mejor ironía posmoderna, una ironía ajena a la pedantería de los noventa, durante los cuales al parecer el mundo se dividió entre indies "conocedores" y chusma mailstream.
En los ochenta como que había gente que hacía lo que le salía de los cojones, sin importarle mucho que su producción tuviera un mensaje o una afiliación estética o lo que sea, y lo mejor del cuento es que resultaban segundas lecturas bastante jugosas.
No estoy diciendo con esto que nos encontremos ante una película de autor, más bien cine de culto underground, de diversión fácil, personajes planos, efectos de serie b, pero  con una propuesta diferente: payasos alienígenas de un humor negro -o tal vez verde, dado el color de su sangre-, cuyos pasos dejan huellas de colores, que matan usando armas que disparan palomitas de maíz -que a su vez se convierten en monstruos-, que hibernan a los prisioneros en crisálidas de algodón de azúcar... en fin, todo un festín circense de frikiadas alienigenas.
Excelente la parte donde el policía facista y no creyente es convertido en una especie de muñeco de ventrílocuo muerto.
Para entretenerse un rato.

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La cima de la realidad

Buscando cosas interesantes que ver, llegué hasta aquí.

Entre otras cosa, me enteré de la muerte de Harvey Pekar, el ácido guionista del cómic American Splendor, que desgraciadamente aún no he podido leer, pero cuyas peripecias aprecié en la película homonima, protagonizada por el siempre efectivo Paul Giamatti.

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Oskar fischinger, precursor del video clip.

Oskar Fischinger fue un pintor y animador de vanguardia, de origen alemán, país en el que  nació en 1900.
A los 22 años ya era propietario de su propia empresa de animación, con la que buscaba fundir sus dos gandes pasiones, la música y las artes gráficas, para lo cual utilizó su formación como ingeniero, para experimentar con diseños de cámara y fotografía, que le permitieron crear "música visual", un claro antecedente del moderno video-clip.
Huyó de Europa hacia Estados Unidos cuando su arte fue considerado como "degenerado" por parte de los Nazis. En Estados Unidos trabajó en la película Fantasía de Disney , antes de  establecerse en Hollywood, donde se dedicó a pintar y realizar animación hasta su muerte acaecida en 1967.

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Innocent Blood-Sangre fresca.

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En la literatura vampiríca clásica, hasta donde he leído, aparte del trío atormentador que habita el castillo de Drácula y  Carmilla de Le Fanu, las vampiresas no abundan.
En el cine, por el contrario, las vampiresas sexys en ocasiones sobran, y se me vienen a la mente las tres vampiresas  de Drácula 2000, dirigida por Patrick Lussier y las tres novias de Drácula  en la olvidable Van Helsing de Stephen Sommers.
En la cultura popular el término Vamp se asocia a la mujer fatal, la que seduce y manipula, en contraposición con la ingenua heroína virginal.
Es por esto que me sorprende gratamente esta película  de John Landis; una comedia que no cae en lo grotesco, una película de vampiros que no peca de exceso de sangre y una vampiresa que si bien es fulminante, en la caracterización de esa actriz de culto que es Anne Parillaud, también puede ser frágil e ingenua, las cosas también le pueden salir mal como a cualquiera de nosotros, y  que exhuda una sensualidad que no por mortal puede ser soslayada.
Los efectos especiales son parcos, pero tratados con respeto hacia el espectador, como el de la vampiresa volando por encima del protagonista al interior de la iglesia, situación resuelta con una cámara subjetiva que da la sensación de vuelo sin gastar mucha plata, los ojos de la protagonista cambiando de color en la escena de cama, luchando con el tan erótico como atávico impulso de destrozar a la pareja con la que se copula, no sin antes haber demostrado una sumisión absoluta al dejarse esposar en una sugerente postura, para más adelante demostrar que dichas esposas no son suficientes para detenerla, es más, al día siguienta se desprende los aros inservibles de las muñecas con gesto pícaro.
No será la película más logada sobre el tema, pero Landis logra crear un buen producto, con un malo bien malo encarnado por Robert Loggia -aquél que fuera parodiado en Padre de Familia en el aeropuerto repitiendo sin cesar "Soy Robert Loggia"- y un final feliz de videoclip.

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Abierto del crepúsculo al amanecer.

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Dos atracadores de banco que huyen por la frontera entre México y Estados Unidos, caen en una especie de tierra de nadie más allá de la frontera en una bar de mala muerte, abierto desde el crepúsculo al amanecer.
Hasta ahí nada del otro mundo. La construcción de los personajes participantes parece haber corrido por cuenta de Quentin Tarantino, uno de los dos responsables de la película: Seth, el atracador pragmatico, con una especie de código que no requiere muchas explicaciones, en contraste  con su hermano Richie, un incontenible psicopata al que lo une el amor filial. En su larga huida al infierno, ambos hermanos secuestran a una familia que busca alejarse del dolor de la pérdida de uno de sus miembros, en una especie de peregrinación que le devuelva la fe perdida al padre, Jacob, interpretado por Harvey Keitel repitiendo el papel de "limpiador" de anteriores películas con Tarantino, quien viaja en una casa rodante en compañía de sus dos hijos, uno de los cuales es interpretado por una actriz de culto para mí como es Juliette Lewis. Hasta aquí, dialogos tarantinescos nos ponen en conocimiento del entorno de los personajes y de sus diferentes maneras de pensar y de interactuar entre sí.
Pero una vez traspasada la frontera y llegados al bar, anunciados por un bizarro discurso del portero, en el que la palabra "pussy" es repetida infinidad de veces -me imagino que habrá quien las contó, yo no me tomé la molestia-, la película cambia de sesgo y entra a ser una especie de comedia gore,al parecer a cargo de Robert Rodriguez, con mucha violencia y personajes no tan profundos, como el gigantón moreno cuyo nombre nunca he podido averiguar, del cual lo único que se sabe es que masacró un pelotón vietcong en la guerra, y el simpático Máquina del sexo interpretado por el mítico Tom Savini, y las siempre irreverentes interpretaciones de Cheech Marín y las monolíticas pero contundentes de Danny Trejo. Por supuesto, mención de honor para una lúbrica Salma Hayek como Satánico Pandemónium, la mujer más malvada de la tierra, quien atraída por el olor a sangre de una herida de Richie desata el infierno en la tierra, una verdadera orgía de sangre y vísceras que diezma a los personajes, convirtiendolos sin más en cazadores de vampiros tan letales y sin miramientos como sus presas, por ejemplo Kate, la chica interpretada por Lewis, quien tras una breve vacilación pasa de ser la hija de un predicador -fuerte imagen en el imaginario gringo, supongo, por aquello de la canción de Aretha Franklin -, quien cuestiona a su padre por su falta de fe, a una cazavampiros de una eficacia mortal.
La ambientación del bar es insuperable, paredes de piedra que le dan el aspecto de una húmeda cripta, rematado por la imagen final que revela un origen mucho más oscuro; a resaltar las canciones interpretadas por los músicos y esa enferma idea de que los instrumentos se transformen en cuerpos mutilados, y los efectos especiales, sobre todo la recreación de los vampiros como murcielagos humanoides de feas narices y apetito sombrío, amén de una sangre verde para  engañar censores.
Si  Leslie Nilsen en Drácula muerto pero feliz buscaba parodiar el lenguaje altisonantemente aristocrático de los vampiros clásicos, aquí la ironía está más del lado del exceso, por ejemplo en la cruz que forma Harvey Keitel con una escopeta y un palo y en las pistolas plásticas que disparan agua bendita...
Un producto acorde a la visión de cine que tiene sus dos reponsables y muy entretenido.

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Fantasmagoría

Leo aquí que este corto de Émile Cohl es considerado por muchos el primer film animado en la historia del cine.

Sin embargo, leo en la revista Acción N° 171, pág 2 de su coleccionable la Historia del Cine, capítulo XX, que la primera animación estuvo a cargo de  James Stuart Blackton (1875-1941), con el cortometraje Fases humorísticas de caras divertidas de 1906.

"A Blackton se le recuera por otra parte como el creador, junto a Albert Smith, de la primera major o estudio de producción estadounidense, Vitagraph. Junto a Smith puso en pantalla El hotel encantado (1907) , que sería la inspiración para que otro célebre pionero del cine de animación, el caricaturista Émile Cohl (1857-1938), pusiera en marcha su película de animación Fantasmagoría (1908), conocida también como Un drama chez les fantoches..."

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La Metamorfosis en video

Y desde el enlace anterior, hasta este, una animacion sobre La Metamorfosis kafkiana.

Y otro más sobre lo mismo, muy imaginativo, en blanco y negro, sin sonido.

Y una animación más.

Y otra.

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Piotr Dumala.

Aquí, la animación Kafka del polaco Piotr Dumala, para ver ...

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Mariko Mori

Kitsch alienigena en movimiento, aquí.

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Green Jelly/ Green Jello

Desde Mi abuela es Jazzista, he dado con los videos de esta banda nacida en Kenmore, Nueva York en 1983, muy cómicos y rockeros.

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Cine de ciencia ficciòn.

 

Cine de ciencia ficciòn.

…Trata manifiestamente sobre la ciencia y las posibilidades científicas; sobre la probabilidad científica incluso. De hecho, por lo general se propone esa especie de juego de “¿qué pasaría si…?” en el que se enfrascan los científicos cuando diseñan experimentos y llevan a cabo su investigación: extrapolar a partir de lo conocido para explicar lo desconocido

(…)

…En especial en su forma cinematográfica, la ciencia-ficción parece deber su atractivo al hecho de que se presta a las capacidades más imaginativas del medio cinematográfico; su habilidad mediante la que se conoce generalmente con la expresión “efectos especiales”, a darle forma y existencia a la imaginación.

(…)

 

Ciencia-Ficción y Horror

Las películas de miedo, dice (Bruce Kawin), “están dirigidas (…) al inconsciente”, mientras que las de ciencia-ficción tratan con el “consciente”; si no exactamente con el  científico que hay en nosotros, ciertamente sí con la parte del cerebro que disfruta especulando sobre la  técnica, los artilugios y el futuro perfectible. Además, sugiere que las “actitudes” respectivas de los géneros son distintos, sobre todo respecto a la “curiosidad y a lo abierto de los sistemas”; es decir, mientras que las películas de miedo buscan cerrar la puerta a lo desconocido y sugiere lo peligroso que puede ser una curiosidad desenfrenada, la ciencia-ficción abre esa misma puerta y considera que esa “apertura” es una oportunidad para crecer intelectualmente.

(…)

 

 

Lo fantástico

“Lo fantástico (…) existe en una especie de escala móvil junto a dos formas más que Todorov llama lo misterioso y lo maravilloso. Mientras que la narrativa misteriosa se centra en el inconsciente o, más generalmente, en la mente como una fuerza que produce acontecimientos aparentemente inexplicables y lo maravilloso es el reino de lo sobrenatural o espiritual que penetra y desafía nuestro mundo cotidiano, lo fantástico se encuentra en ese punto de “duda” entre ambos: el reino de lo que podría ser o podría no ser, en donde la propia realidad parece un rompecabezas que está esperando que lo resolvamos.

 

Fascinaciones del género

“Primero, el impacto de fuerzas más allá de la esfera humana, de encuentros con seres extraterrestres y con otros mundos (u otros tiempos); segundo, la posibilidad de cambios en la sociedad y la cultura producidos por nuestra ciencia y tecnología, y, tercero, las alteraciones técnicas y las versiones sustitutivas del yo.

 

 Todorov

“Como dice, la narrativa de ciencia ficciòn intenta explicar de un modo racional lo que, en determinados contextos, puede ser considerado como sobrenatural; es decir intenta encuadrar de nuevo ciertos fenómenos que suponen un desafìo en tèrminos de “nuevas” leyes de la naturaleza.

Películas de ciencia ficciòn.

“Perfilan lo que no se dice y lo que no se ve de la cultura”. Rosemary Jackson. 34

“Esas películas parecen, cada vez màs, marcar àreas especificas para ciertas cuestiones que son particularmente importantes para la tecnocultura contemporánea : por medio de imágenes de robots, cuestiones sobre la naturaleza del yo; por medio de escenarios apocalípticos, cuestiones sobre la fragilidad de la existencia humana; por medio de los sistemas de realidad virtual, cuestiones sobre la construcción de la cultura, y por medio de las exploraciones genéticas, cuestiones sobre la naturaleza del género.” 46.

“En el mejor de los casos han sido, tradicionalmente, humanistas. Es decir, en la medida en que por lo general han asumido la primacía del hombre y de sus valores, y en la medida en que han expresado su confianza y su convicción respecto a la habilidad y necesidad del hombre de sobrevivir a cualquier confrontación con las fuerzas de un universo inescrutable y hostil, o los temores creados por los avances tecnológicos y científicos.” Harry Geduld, “Return to Melies: Reflections on the Science fiction film”, 50-51.

 

Efectos especiales

La ciencia ficción en el cine a menudo aparece y se convierte en la ficticia ciencia del propio cine, las futuras hazañas que puede conseguir examinadas junto a las hazañas técnicas que las concibe ahora y delante de nuestros ojos (Garrett Stewart, The  “Videology” of Science Fiction)

En otras palabras, esas películas, màs que cualquiera otras, reflejan la tecnología que las hace posibles. 36

Experiencia esencial de toda fantasía

“La desaparición de los limites entre lo material y la mente” Todorov.

Peligros de los FX

Tal y como lo ve (Albert J) La Valley, según vayan incrementándose ese ímpetu y esa capacidad tecnológica, las películas de ciencia ficción pueden terminar dependiendo tanto de la tecnología que la “narración y los personajes se conviertan en recesivos debido a la obsesión por la brujería tecnológica” Con esa obsesión, las películas norteamericanas se ciencia ficción se alejan aún màs de “los asuntos del mundo actual” (…) “cada individuo se ve a sí mismo ascendido al puesto de mando de una máquina hipotética, aislada en una posición de perfecto dominio, a una distancia infinita de su universo original {…} en la misma posición que el astronauta en su burbuja” Baudrillard. 41

 

Viaje en el tiempo

“El deseo que sugiere el viaje en el tiempo sería, fundamentalmente, “ver la propia concepción y ser el padre y la madre de uno mismo”. Constance Penley, Time Travel, Primal Scene and the critical dystopia. Pág. 60.

 

Ciencia ficción y cultura

La cultura contemporánea se ha convertido en gran parte en ciencia ficción y de que la ciencia ficción, a su vez, se ha convertido en una expresión primaria de ese momento cultural. 64

 

 

Scott Bukatman

“Su trabajo màs ambicioso, el libro Terminal Identity (…), sugiere que el género “narra la disolución de las mismas estructuras ontològicas que por lo general consideramos garantizadas” y siguiendo la estela de esa “disolución” ofrece sorprendentes pruebas “tanto del fin del sujeto como de una nueva subjetividad construida en un ordenador o en la pantalla de televisión”. 72

“Sencillamente no se puede sobreestimar la importancia de la ciencia ficción para el presente momento cultural, un momento que se ve a sí mismo como ciencia-ficción.” Scott Bukatman, Terminal Identity: The virtual subject in posmodern Science Fiction. Citado en la página 236.

 

 

Utopía-Dìstopìa

Exploran “la relación del hombre con su deseo”, el deseo de un mundo distinto o, sencillamente, de un modo de vida distinto. 25, 26.

En Ideology and utopia as cultural imagination, Paul Ricoer sugiere “que consideramos tanto el pensamiento utópico como la ideología “como  una actitud desviada hacia la realidad social” y el utopismo, sobre todo, como una especie de “escapismo” que oculta “tras sus rasgos de futurismos la nostalgia por algún paraíso perdido”. Al hacerlo, expresa una critica habitual para la mayor parte del pensamiento utópico, cuyo eco también se escucha en el trabajo de Fredrick Jameson: la noción de que nuestra visión de las utopías –o de las distopìas, ya que estamos en ello- corre el riesgo de producir una relación problemática con nuestro mundo debido a su “eclipse de la praxis”, es decir, al modo en que las construcciones fantásticas, al igual que cualquier ideología dominante de una cultura, a menudo nos distrae de lo que hay que hacer en ese momento (Nota al pie: Meter Ruppert “…menciona que “dado que toda utopía  contiene en ella, explícita o implícitamente, una antiutopía que intenta transformar, toda antiutopía implica una alternativa utópica cuya construcción se deja al lector). Sin embargo, no por ello rechaza los esquemas utópicos, sino que sugiere que esta “nostalgia” es útil cuando se realiza la adecuada aproximación, y que el deseo de escapar o de estructuras alternativas es una “patología” beneficiosa siempre que nos pueda ayudar a indagar sobre las condiciones predominantes dentro de nuestra cultura” Esto genera una problemática “por el extendido sentimiento contemporáneo de que la realidad parece haber desaparecido dentro de una serie de construcciones culturales” 147-148

(…)

“El utopismo –o el distopismo- contiene “una critica implícita de la civilización que le sirvió de telón de fondo”, al mismo tiempo que intentan “descubrir las potencialidades que las instituciones existentes ignoran u ocultan, tras la certeza de la costumbre y los hábitos”” Lewis Munford: Historia de las Utopías. 150.

 

“…La narración utópica/distòpica, al igual que las diferentes ideologías que sutilmente dan forma a nuestro pensamiento, tratan en el fondo de los modos imaginarios en que experimentamos nuestro mundo. Al mismo tiempo, sugiere nuestra propia habilidad para contestar el poder de esa experiencia, para especular, en el preciso sentido de lo fantástico, sobre qué podría ser o no, ahora o en el futuro.” 168

 

 

Doble estrategia del texto fantástico

Rosemary Jackson, Fantasy: The literature of subversion.

“Por un lado el texto fantástico crea “una integración del lector {o espectador} en el mundo de los personajes”; es decir, que ofrece signos que nos llevan a aceptar ese mundo como colindante al nuestro. (…) Por otro lado, nos sitúa dentro de una relación turbulenta entre ese mundo y el nuestro propio, pues fuerza una “duda” al obligarnos a “un tipo de lectura” dentro de la cual, dado nuestro sentido normal de las cosas, intentamos dotar de sentido a lo que parece ser una realidad inquietante y fantástica. La aparente inestabilidad de la narración y nuestra propia y resultante incertidumbre se combinan para alterar nuestras asunciones habituales respecto a lo real y eso nos puede llevar fácilmente a preguntarnos sobre la estructura misma de nuestro mundo” 148.

“Tal como enfatiza Rosemary Jackson, el texto fantástico parece tener como objetivo subyacente, un deseo de “someter lo real a un cuidadoso examen” 169.

 

Realidad real y realidad virtual

Paul Virilio “Desrealizaciòn cinematográfica: “es decir, el reemplazo de la realidad real por una realidad virtual

(…)

“Lo real como un tipo de ilusión o, màs concretamente, como una construcción cultural” 154.

(…)

“Tal y como explica Virilio, “el desarrollo de las nuevas tecnologías de imaginerìa digital y de síntesis de visión” (…) han tenido como resultado “el aumento del “efecto realidad” sobre un principio de realidad” (The Vision Machine), es decir, una tendencia en el àmbito cultural a aceptar la ideología de una realidad mediatizada, a abrazar lo virtual en vez de lo real” 159-160.

(…)

 “Una vez dentro del nuevo “efecto de realidad”, la especie de realidad virtual del mundo cinematizado, un mudo de fantasìa real, Virilio sostiene que “hemos perdido nuestros puntos de referencia para orientarnos”; y, como resultado de ello, “el hombre carente de realidad es un hombre desorientado” 161 .

(…)

Una diferencia clave entre el pensamiento de Baudrillard y el de Virilio; puesto que mientras el primero habla sistemáticamente de simulación, el segundo enfatiza la clara diferencia que representa la sustitución. Como dice Virilio, “estamos entrando en un mundo en el que no habrà màs que dos realidades {…} la actual y la virtual. De modo  que no hay simulación, sino sustitución. La realidad se ha vuelto simètrica. La escisión de la realidad en dos partes es un suceso importante que mucho màs all`de la simulación” Louis Wilson,”Cyberwar, God and televisión: Interview with Paul Virilio”, www.ctheory.com. 165-166.

 

 

Encuentros cercanos

Dado que el encuentro extraterrestre y su consiguiente contravención de las leyes “conocidas” y de las tradiciones culturales proporcionan un mecanismo para plantear cuestiones sobre un tipo de  alteridad definitiva, las resonancias de lo sobrenatural no parecen por completo fuera de lugar; de hecho, esas referencias a menudo aparecen como metáforas en esos trabajos. 173-174

“…Claramente se reconoce como el apetito contemporáneo de versiones nuevas de esa experiencia aliviada del peso de la religión tradicional”: 175.

“Si miramos a las representaciones del extraterrestre, una concepción del otro muy austera, como una construcciòn a la que moldeamos culturalmente y un reflejo de esa mente moldeadora, podremos empezar a comprender mejor el modo en que la narración maravillosa funciona para nosotros, el modo en que sitùa al sujeto productor (o vuelve a situar ese “yo” perdido) en un lugar seguro. (…) En cada caso {alien bueno o malo}, debemos enfatizar lo que el otro representa, no `solo como una correspondencia con algo del mundo real, sino como un modod de construir genèricamente todo lo que està fuera del yo, lo que termina por reflejar mucho del yo que lo produce”. 176.

Lo Sobrenatural

“Lo sobrenatural -como dice  Todorov- siempre aparece como una experiencia de lìmites en estado “superlativo” ” en todas las ocasiones en las que vamos màs allà de los lìmites conocidos. 188

 

Películas sobre robots, androides, replicantes o cyborgs

Nos hablan de una creciente  preocupación cultural por lo que podemos describir como una industria de síntesis humana que implica crear y transplantar òrganos humanos, el desarrollo de prótesis humanas, la manipulación de la genètica humana, la difundida disponibilidad de cirugía cosmética, la introducción de los robots industriales en los lugares de trabajo y, sobre todo, el desarrollo de la inteligencia artificial. Todos ellos forman una crònica del comienzo –al cual responden de una forma compleja- de nada menos que una revoluciòn cultural en la que empieza el proceso de  rehacer, reformar y puede incluso que perfeccionar el yo al  mismo tiempo que germina la tecnología que puede terminar en esas mismas creaciones tècnicas que terminen reemplazando al yo. 190, 191.

 

Doppelganger

Como explica Rosemary Jackson, la imaginación fantàstica del doble sugiere por lo general “la dispersión y fragmentaciòn” del carácter y de la propia mente y, por lo tanto, una amenaza fundamental a nuestra nociòn comùn de que “somos yo unificados y racionales”, a nuestro sentido del individuo como un todo y un sujeto ùnico. 200

 

Películas de ciencia ficciòn y de miedo

“Al igual que las películas de miedo, el gènero de ciencia ficciòn tiene el potencial de una progresiva resistencia a la ideología dominante” Barry K. Grant, “Invaders from Mars and the Science Fiction in the Age of Reagan”, Cine Action N 8, 1987. 209

 

Cronemberg y el cineasta completo

“Un cineasta completo deberìa ser capaz de apelar a todas las facetas de la existencia humana, a la sensual tanto como a la cerebral. Si realizar la mezcla adecuadamente tienes un ejemplo perfecto de còmo sanar el cisma cartesiano. Tienes algo que apela al intelecto y a las vìsceras. Si lo mezclas todo tienes una película completa”; del libro Cronemberg on Cronemberg de Chris Radley, citado en la pàgina 228.

 

El cine de ciencia ficción. J.P.Telotte.

Cambridge University Press. Madrid, 2002.

 

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Historia del anime

La historia del anime japonés, aquí.

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Desde mi cielo

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Acabo de ver la película de Peter Jackson Desde mi cielo, basada en la novela homónima de Alice Sebold, a la que le eché una hojeada alguna vez pero que no leí, lástima, error a subsanar.

Es sabido la capacidad de Jackson para los efectos especiales, lo excelente de su fotografía, aquí con unos pisajes surreales impresionantes, pero aunar todo esto a una historia hermosa y trágica, casi estoy tentado de decir real, es diferente a lo que ya había visto de él en el género fantástico.

Una historia atípica sobre un serial killer, esta vez narrada desde la perspectiva de la víctima, una párabola sobre la pérdida y las diferentes maneras en que los seres humanos pueden superar el luto y el dolor, con actuaciones más que sobradas, la de la joven Saoirse Ronan, super emotiva para una actriz tan joven y la de Stanley Tucci, frío, reservado, a la altura de los mejores malos de cine; es que hay actores que en los papeles de malo se lucen aún cuando casi siempre los vemos de bonachones, como le pasó a Kevin Spacey en Sospechosos habituales.

Lograda la elipsis narrativa mediante la cual nunca vemos el asesinato, pero dada la cantidad de sangre en el baño , uno se imagina lo brutal del hecho, lo que conlleva a identificarse más con la protagonista, una joven actriz que ya pasa a ser objeto de culto.

 

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Tadeo Jones

Parodia de Indiana y de los parques temáticos  gringos.

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Animación

Un corto animado de la Pixar, pa reirse un ratico.

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Las aventuras de Tom Sawyer

El clásico de la literatura en una versión clásica de 1938, a cargo de Norman Taurog, lástima que en inglés, aquí...

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The Wall

La peliculaza de Alan Parker, basada en el album homonimo de Pink Floyd, subtitulada, aquí.

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El Hobbit

La entrañable historia de Tolkien en dibujos animados, aquí.

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Avatar

Leyendo acerca del cine de ciencia ficciòn contemporàneo, encuentro : “Desrealizaciòn cinematogràfica: “es decir, el reemplazo de la realidad real por una realidad virtual", Paul Virilio citado en El cine de ciencia ficción.
J.P.Telotte. Cambridge University Press. Madrid, 2002, pàg. 154.
Inmediatamente me viene a la mente Avatar de James Cameron, y de còmo el cine se ha olvidado de contar historias, no digamos originales pero por lo menos sì de maneras novedosas, en aras de glorificar la tecnologìa de efectos especiales, que permiten crear mundos, es cierto, pero mundos a los que no se necesita demasiada imaginaciòn para entrar; me viene a la mente la versiòn cinematogràfica de La historia sin fin que vì de niño, cuando Bastiàn grita, asomàndose a una ventana "¡Creo, yo sì creo en Fantasìa!". En la pelìcula de Cameron sòlo hay que sentarse en la butaca y convencerse uno mismo de que se merece ese bello espectàculo por el simple mèrito de haber pagado la entrada en el multiplex de turno y haber comprado en la cafeterìa.
Ya lo decìa Borges, que en zoologìa fantàstica es muy comùn que los animales reales se confundan para crear uno nuevo, pero la fauna de Avatar fuera de colores vistosos, capaces de competir con los diseños de Pokemòn, no ofrecen mayor cosa: dragones voladores, àgiles felinos, incluso los habitantes semi humanos de Pandora entran en el muy manido concepto de "hombrecitos grises" de la ciencia ficciòn màs tradicional:
Ahora , en cuanto a la historia narrada, nada nuevo bajo el sol, lo cual no tendrìa nada de malo si no intentara venderse como original: el concepto de un agreste planeta que contiene un elemento valioso para el hombre y unos inmensos indìgenas que no desean que lo obtengamos, està contenido en un relato de Lovecraft cuyo tìtulo no recuerdo completo pero que empezaba Las murallas de algo. El guerrero foràneo que se convierte en el lider de un pueblo eminentemente ecològico, es Dune cambiando las arenas de Arrakis por la fauna multicolor e iluminada de Pandora; incluso el discurso sobre convivencia y ecologìa ya venìa dado en anteriores producciones de Cameron como Terminator y El secreto del abismo.
Tal parece que Cameron se ha dispuesto a pasar a la historia como el prestidigitador por excelencia de productos de gènero, si en Titanic narrò "La historia de amor" por excelencia, en Avatar busca establecer la saga èpica màs impresionante, cara y premiada de la historia del cine.
Leo en el mismo libro de Telotte, que Judith Hess Wrigth en Genre films and the status quo "tipifica su acercamiento al argumentar que, en general, las pelìculas de gènero solo pretenden "producir satisfacciòn", màs que acciones", pàgina 57.
Y la pelìcula de Cameron produce mucha satisfacciòn, sobre todo a èl.
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Society de Brian Yuzna

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Con un ritmo irregular y demasiado larga para lo que cuenta, Society de Brian Yuzna tiene, no obstante, la particularidad de  ofender nuestras convenciones morales màs arraigadas: el canibalismo y el incesto.
Por supuesto nada hay en el ser humano, desde un punto de vista biològico, que impida que nos devoremos unos a otros y, mucho menos, que podamos aproximarnos sexualmente a nuestros parientes màs cercanos.
En Society ademàs, lo anterior viene aderezado con una crìtica a la sociedad de los años ochenta, la llamada dècada perdida de los baby boomer, que tambièn fuera fuertemente retratada en American Psycho, años despuès.
Pero independientemente de esto, a mì personalmente lo que màs me tocò es el regocijo con que Brian Yuzna pone en escena los retorcidos y supurantes horrores biològicos creados por Screaming Mad George, en un festìn de  horror biológico, que retrata que no hay nada peor en nuestras màs profundas pesadillas que nuestro cuerpo se convierta en nuestro peor enemigo, en algo que se destruye o màs intolerable aùn, que nos destruye a nosotros mismos, desde dentro, desde lo visceral, sin que podamos hacer nada al respecto: no todos tenemos la voluntad de coleccionar nuestos pedazos eviscerados como hacìa Brundle en La Mosca de Cronemberg.
Y para mì ha sido esta repulsion genuina lo que salva a Society y la convierte en un film memorable, ya que las actuaciones son bastante huecas, empezando por la de Billy Warlock (el recordado Eddie de la serie Guardianes de la Bahìa) y la de Devin Devasquez que sòlo aporta morbo (conejita Playboy haciendo topless -¡Ahh, tetas y sangre en el cine de los ochenta, que mejor desvirgue visual y emocional!), con personajes que se pierden en la maraña como Mrs Carlyn, la mamà de Clarisa, quien al parecer forma parte de la Sociedad pero igual es marginada por su estado mental.
El final feliz resultò ser un poco desconcertante, con los muchachos escapando en el jeep del protagonista y dejàndo a la sociedad en su Beverly Hills dorado, como si fuera algo contra lo que no se pudiera luchar.
Definitivamente, lo màs inquietante, los efectos especiales: la boca/herida del psiquiatra -¿remembranza al Guasòn de Batman?-, la apariciòn de la cabeza de Jenny entre las piernas de su madre y la "cara de culo" del padre, en una nota de humor negro resaltable.

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The Beatles y Nam June Paik

Paik y los Fab Four, aquí.

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Mario Bros ha muerto!

El video de su sangriento deceso, aquí.

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Reon Kadena

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Desde que Nabokov le dio nombre en su novela, la Lolita ha pasado a ser parte del imaginario más oscuro de occidente. Supongo que antaño, el hecho de que la mujer fuera casadera desde el momento en que era sexualmente madura, constituía una cuestión económica, sobre todo en las culturas en que la mujer era intercambiable por bienes, para qué tener otra boca que alimentar en el clan familiar, pudiendo intercambiarla y así aumentar el patrimonio; imagino que luego ese beneficio se convirtió en algo de índole política, los matrimonios permitían alianzas más duraderas, etc.

Pero con la llegada de la modernidad, las jovencitas dejaron de tener este valor de cambio para padres y hermanos, y supongo que fue en ese momento en que entraron al imaginario colectivo masculino como objetos de deseo.

Por supuesto, en Occidente el tema es tabú. En los últimos años, he “descubierto” películas en las que chicas ya mayores, pero con aspecto aniñado, se hacen pasar por auténticas lolitas, además del material  explícito del hentai lolicon.

No sé por qué, pero las orientales tienen su morbo, explotado de forma magistral por la japonesa Reon Kadena (19 de febrero de 1986), cuyos videos, aunque ciertamente ingenuos, no dejan por ello de tener su atractivo.

Por cierto, al parecer esta chica hizo algunos desnudos en cine que no le reportaron la popularidad que tiene ahora, cosas de la vida…

 

Incluso, según Wikipedia, existe en Japón toda una tendencia en moda alrededor del tema de las lolitas, que surgió a finales de los setenta y que cuenta como centro con el barrio de Harajuku, en Tokio.

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Asesinos por naturaleza.

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Acabo de conseguir el dvd de Asesinos por naturaleza en una rebaja en un centro comercial, y he procedido de inmediato al visionado de esta película de culto de la década de los noventa.

Reseñar que el guión  es de Tarantino es noticia vieja ya. Que creó polémica por allá en los noventa por su planteamiento, también. Como siempre implicó los tópicos de Tarantino como escritor, una historia de amor, mucha sangre, música vieja, guiños a viejas películas –quizás sólo faltaron los chistes para entendidos-, pero que para ese momento todavía resultaban refrescantes dentro del cine producido en Estados Unidos, y que hoy tienen la gracia de confirmar  cómo la tan cacareada postmodernidad –o esas formas fragmentadas de aprehender la realidad, flashbacks, técnicas de videoclips, zapping, etc,-, había entrado a la cultura popular para ofrecer una esperanzadora  novedad que, al final, no logro saber con certeza si se consolidó de alguna manera o no. Claro, todo pasado por el tamiz de Stone y su  psicodélica manera  de filmar que, a ratos, me hace pensar en The Doors, esa otra joya de su filmografía, en la que retrata otro aspecto –o quizás el mismo, pero desde otro ángulo- de los fantasmas estadounidenses.

No volví a ver nada de Stone desde entonces, aunque supe que había firmado una película sobre Fidel Castro. Sin embargo, para el recuerdo quedará este enrevesado  videoclip sobre la violencia, los medios de comunicación y  el poder sanador del amor.

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Monstruos japoneses

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Aunque nunca me gustaron los Power Ranger, alcancé a ver dasaguisados como Ultraman...

Monstruos japos aquí.

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Animaciones de Franziskus Wendels

Animaciones en blanco y negro, para ver un rato, aquí.

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Cine mierdoso

Cine de culto, serie z y demás orgías, comentadas por Carlos Serrano.

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Burrada de El Espectador

En esta nota sobre Los Simpsosn, publicada en la web del diario El Espectador, el autor asegura que la familia amarilla es una cración de James L Brooks.

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Freaks

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Durante años, a través de diferentes textos acerca de cine de terror que fueron cayendo en mis manos, tuve la precepción de Freaks de Tod Browning como una película encaminada al cine de género.

Cual no sería mi sorpresa al poder por fin ver esta película y encontrarme con una historia totalmente alucinante, trazada casi como si fuera un cuadro de costumbre de unos personajes bastante peculiares que poco a poco va transformandose en una pesadilla, en la que unos seres reptantes y encarnizados en el odio -casi iba a escribir "racial", pero en este caso las diferencias van más allá del color de piel o del estrato social, se trata de la aceptacion de la sociedad y del hombre mismo de su propia identidad y de lo que es considerado "normal"-, arremeten contra aquellos que les han hecho daño, dejándose llevar por una inquina de lo más friki.

Personalísima visión de los engendros de circo, que me produjo más de un escalofrío, sobre todo ese blanco y negro tan vaporoso, que no sé si es intencional o producto de los años, que le da a la película un aura de sueño mórbido, con esos extraños personajillos arrastrandose sobre sus pies y manos deformes, como si de bichos infernales y antropomorfos se tratara.

Si Nosferatu de Murnau trascendía el expresionismo. Freaks va más allá de los límites del género de terror, instalándose en ese ámbito de películas inclasificables y , por eso mismo, aterradoras...

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Enciclopedia del horror

Reseñas de películas de horror, aquí...

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Video

¿Qué es el video?

Cada época tiene su tecnología de liberación, la nuestra tiene el video. La expresión en video rompe con las imposiciones y los parámetros de la industria de la televisión y el cine. El video promueve que haya una construcción personal a través de todas las posibilidades de producción y creación que ofrece como tecnología y estética. Hijo rebelde del cine que se resiste a ser televisión y busca su identidad más allá de las formas audiovisuales heredadas, eso es el video. “El video no es arte, pero es un medio que puede ser utilizado para crear un producto artístico (la estética de la imagen electrónica). No es televisión, pero no puede ignorarla y debe buscarla para hacerla su medio o uno de ellos. El video es un soporte de memoria popular.” (Habich y Carrillo, 1994: 84)

Cine y video: El cine, a pesar de ser el modo audiovisual más antiguo y estructurado en cuanto a su contenido (…) …, ha pasado de ser el modo de expresión más respetado y reconcido en el ámbito artístico a tener que ceder su lugar al video como dispositivo de expresión más cercano al sujeto actual; un dispositivo que obliga a unas esteticas más cercanas, irreverentes, callejeras, cotidianas y comunicativas.

Forma del video: La forma del video se caracteriza por ser fragmentada, expresarse en condiciones de velocidad, por emitir diversidades audiovisuales y por responder a la necesidad que tiene el ser humano de hacerse visible en las sociedades en riesgo cultural.

(…)

El video como forma narrativa es un dispositivo para explorar las posibilidades expresiones de las tecnologías en relación con las necesidades expresivas del sujeto.

El video constituye el discurso por antonomasia del bricolaje de los tiempos y el discurso que mejor expresa el flujo del presente y la transformación del tiempo extensivo de la historia en el intensivo de lo instantáneo.

Omar Rincón.

Narrativas mediáticas. O como se cuenta la sociedad del entretenimiento.

Editorial Gedisa, S.A., Barcelona, 2006.

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Pornografía y representación.

Existe, sin embargo, una estética de la pornografía en absoluto alejada de la estética de lo narrativo y de lo cinematográfico. El mismo acto sexual pornográfico está basado, como atinadamente indica Guy Hennebelle en el especial de su revista CinémaAction (“Les dessous de cinéma porno” N° 59, 1991) en una contradicción esencial; efectivamente no existe la representación aunque exista el fingimiento. “Una actriz porno puede fingir que se excita, pero está siendo efectivamente penetrada” Puede decirse que el estado eidético de la representación y el estado de la verdad coinciden. No hay representación (pues resulta obvio que la pornografía lo es) que pueda comparársele en este sentido a la pornografía, de ahí que su praxis haya variado tanto y continúe  haciendolo, pese a que las variantes estén tan firmemente constreñidas a las posibilidades de lo estrictamente sexual.

Andrés Barba.

Pornografía y representación.

Revista Letra Internacional, # 88, otoño 2005, pág 24.

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Cine porno

Conocido es que el cine porno es compañero de viaje del cine comercial. De hecho, el film cochon  -clandestino, esto es, previo a la legalización de la pornografía dura- nace prácticamente con los Lumiére y Edinson. Se desconoce cuál fue la primera película pornográfica, pero es factible considerar que se rodó en los albores del cinematógrafo. Otro aspecto es su conservación. Además, por mor de su ilegalidad se impone el trabucamiento de fechas, lo cual se traduce en una disparidad de fechas harto notoria entre la anualidad otorgada en el film y nuestra periodización. Así el erudito Joseph-Marie Lo Duca lo atribuye a 1907 con Le Voyeur, aunque otros estudiosos optan por A l´ecu d´or ou la bonne auberge, datada en 1908.

Ramón Freixas.

Revista Dirigido por, 327, Octubre 2003, página 22.

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Un millòn de años antes de Cristo

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Mis referencias cinematogràficas sobre el hombre prehistorico  se reducìan, hasta hace un par de dìas, a la antropològica La guerra del fuego de Annaud, poetica y esclarecedoramente imaginativa; a la inquietante primera parte de 2001 odisea en el espacio de Kubrik, violenta, visceral y filmada con esa obsesividad por el detalle propia de este director; y al tour de force narrativo y visual de Mel Gibson en Apocalipto, tan estruendosa pero hollywoodensemente  impecable como todos los productos manufacturados por este señor. ¡Ah! Se me olvidaba -por irrelevante- 10000 años antes de Cristo, que si no estoy mal es de Emmerich.

A esta lista puedo añadir ahora Un millón de años antes de Cristo, dirigida por Don Chaffey.

Que si la pelìcula es mala?, bueno a mì me entretuvo un buen rato, con sus efectos especiales de una iguana agrandada  y dinosaurios en stop motion a cargo del maestro Harryhausen, una mirada un poco chauvinista con unos cavernicolas rubios màs civilizados que sus vecinos morenos, y una historia un poco enrevesada, la falta de dialogos es de rigor en una pelicula de este tipo, pero falta no hace, al contrario se agradece esa escacez de verborrea de muchos productos de comprar y tirar, que intentan dar profundidad a los personajes o explicar el guiòn en lugar de mostrarlo.

Pero ver a Rachel Weltz de troglodita sexy, la Vilma Picapiedra de los años pop, es otra cosa.

Rachel de axilas depiladas, hermosas piernas bronceadas, cejas delineadas y sombra de ojos, vestida con un bikini de piel cruda...¡Ahhhh....!

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Hèroe y Superhéroe

El superhéroe será el personaje de los cómics -la idealización del hombre, en suma- llevado hasta sus últimos planteamientos. El superhéroe supone el culto al mito, la consecución lógica y definitiva del esquematismo y la elipse propias del cómic como medio.

Rafael  Marín.

Los cómics marvel. La factoría de ideas, Madrid, 2001.

 

Heroe:
¿Qué es el heroe,entonces? La encarnación del hombre "en su fragilidad", luchando contra factores insuperables.

Henry Miller

Los libros en mi vida

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Cine de terror contemporaneo

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El  cine de terror, desde los sesenta, presenta "cinco motivos recurrentes" (Robin Wood, The american nightmare: Essays on the horror film): el monstruo psicópata, es decir, el monstruo humano; la venganza de la naturaleza
-que puede tomar mcuhas y muy variadas formas-; Satán y sus manifestaciones en el Más Acá; los niños como fuente del mal; y el canibalismo.
(...)
En los setentas, el mal forma parte consustancial del género humano, y no es extraño que en ello apareciera uno d elos mitos del fantastico que representa el mal absoluto, el abismo negro hacia el abismo negro hacia el que, con sólo un empujoncito, se puede precipitar con tada facilidad la mente humana: Leatherface, la muda sombra que domina La matanza de texas.
(...)
A partir d elos ohentas -aunque ya se venía arrastrando esta tendencia desde el éxito de El exorciata-, se opta por contarlo todo, que nada quede en el tintero. Esta tendencia abarca, desde prioridades meramente estéticas (¿qué es el gore, sino enseñar la carne d elos actores hasta extremos insalubres?
a cuestionamientos de fondo.
El fantástico de los ochenta deja de ser el cine de lo oculto para ser el cine de lo expuesto, de lo explícito.


Pedro Berruezo.


Cine de terror contemporaneo.La factoría de ideas, Madrid, 2001.

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Cine fantástico

Es fantástico todo aquello que perturba y a menudo inquieta, todo lo que se refiere al sueño más que a la realidad, todo lo que deafía a la experiencia, la racionalidad y la lógica

René Predal. Le cinema fantastique, París, 1970.

Citado por

Pedro Berruezo.

Cine de terror contemporaneo, La factoría de ideas, Madrid, 2001.

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Del por qué ya no voy a cine

¿Qué decir del cine sino que, al filo de su evolución y su progreso técnico, desde el filme mudo al hablado, del color a la alta tecnología de los efectos especiales, la ilusión, en su sentido fuerte, se ha puesto en retirada? Es por medio de esta tecnología, de esta eficiencia cinematográfica, como la ilusión se retira. El cine actual desconoce la ilusión y la alusión: se encadena bajo un modelo hipertécnico, hipereficaz, hipervisible. Nada de blanco, nada de vacío, nada de elipse, nada de silencio, nada más que la televisión, con la que se confunde cada vez más, perdiendo la especificidad de sus imágenes; nos dirigimos hacia la alta definición, es decir a la perfección inútil de la imagen, que de golpe ya no es una imagen a fuerza de producirse en tiempo real. Cuanto más nos acercamos a la perfección de la imagen, más se pierde su poder de ilusión.

Jean Baudrillard.

No me canso de citar este parrafo de Baudrillard; el cine, por lo menos el que se exhibe en Cartagena, cada día es más entretenimiento, pero sobre todo un entretenimiento elitista, con unos precios supercaros y una escasa oferta: todas las salas proyectan las mismas películas, la única diferencia es el precio.

Ante tanto blockbuster,me queda una sola salida: el video pirata, donde todavía, cada vez menos, se pueden encontrar otras propuestas, a veces con mejor intencion que con buena imagen...

Si bien es cierto que el cine actual no se puede definir sin los efectos especiales, es triste cuando una película se centra más en estos que en la historia, como las continuaciones de Matrix, por ejemplo; ahí tienen al Señor de los Anillos -que ,aunque se la critique por melosa y happy end, no deja de ser una gran película- y más  recientemente, The Watchmen,  que contiene una psoible segunda lectura política que da para mucho debate...

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Highlander

Creo que la condiciòn del hèroe postmoderno es la angustia. Si antiguamente el hèroe era asumido como el cruce entre los dioses y los hombres, el hèroe actual es un hombre sumido en la inquietud que supone ser diferente.

El dilema està en que el hèroe quiere ser humano y muchos de nosotros queremos ser un hèroe...

Por estos dias he visto la ultima pelicula de Highlander, subtitulada La  fuente, y protagonizada una vez màs  por  Adrian Paul. Antes de esta, pude ver otra que si mal no recuerdo se subtitulaba El Encuentro.

Esta vez el mundo parece haberse ido por la cañeria y un extraño monstruo, que hace recordar al Kurtan de la primera entrega, anda matando inmortales.

McLeod -Duncan, no Connor, quien ha muerto en la anterior entrega-  junto con varios amigos deciden enfrentarlo y llegar hasta la fuente, de donde emana su extraño poder de inmortalidad; de lograrlo, volveran a ser humanos, pero sobre todo podràn reproducirse como tales...

Una vez màs se repiten los tòpicos de esta serie: una bella mujer, grandes enfrentamientos con espadas, flashbacks que permiten recorrer la historia de los personajes, un secreto por descubrir y la ambivalente relaciòn de los inmortales con los simples humanos.

No es gran cosa, pero es Highlander...

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V la batalla final

En estos dias estoy viendo nuevamente la serie V la batalla final.

Aquí, un blog con material de esta serie mítica.

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Video

Cada època tiene su tecnologìa de liberaciòn, la nuestra tiene el video. La expresiòn en el video rompe con las imposiciones y los paràmetros de la industria de la television y el cine. El video promueve que haya una construcciòn personal a travès de todas las posibilidades de producciòn y creaciòn que ofrece como tecnologìa y estètica.

Omar Rincòn.

Narrativas mediaticas. O còmo se cuenta la sociedad del entretenimiento.

Editorial Gedisa S.A, Barcelona, 2006.

Historia del video arte, aquì.

Definiciòn del video, aquì; su historia , aquì.

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Las galletas verdes son de humano.

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En estos días he vuelto a ver una serie que me gustó mucho en los noventa, Millenium, en la que un ex- agente del FBI se une a un grupo de investigadores, el Grupo Milenium -que al parecer ha existido durante siglos-, para tratar de contrarestar  la maldad humana que,  hacia el final del milenio, parece más exarcerbada...

Aunque no tuvo el mismo exito de Archivos x, la serie dio el tono de incertidumbre y desespero que se podría esperar con un cambio dramático en la historia humana, siempre ávida de su propio final...

Ahora que el milenio pasó y no nos trajo más que lo mismo del anterior, esperemos aprender la lección  con la llegada del 2012 que, según Nostradamus, los mayas y otro monton de profecias antiguas, el mundo, tal como lo conocemos, llegará a su fin....

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Animateca

Galeria con fotos entretenidas...

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Museo Vintage

El museo de lo vintage en Colombia, aquì...

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Peliculas musicales

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Pelìculas sobre mùsicos o en las que la mùsica es la temàtica central.

Estas son las que recuerdo ahora:

The Wall.

El imprescindible album de Pink Floyd llevado a imàgenes; como pelicula excelente, la cinematografia, los efectos, la cara de ido de Bob, todo; como recreaciòn del album, excelente, aunque el track list no es igual, segun creo recordar...

 

The doors.

La vida, muerte y obra de ese gran icono que fue Jim Morrison. Inmejorables la actuaciòn de  Val Kilmer, la banda sonora y la cinematografía de los delirios con ácido.

 

Fantasia.

Inolvidable la secuencia de Micky Mouse como aprendiz de mago, una obra maestra del cine a cargo de los estudios Disney.

Mi cena con Jimmi.

Desde el punto de vista cinematográfico, nada fuera de lo común, pero por el retrato psicodélico del Londres de la época, la recreación de Jimmi Hendrix en su momento más alto, considero que es una película que todo amante del rock de los 60 debe ver.

 

The delinquents.

Una jovencita Kylie Minogue en una historia bastante floja; pero fue una película que ví en plena adolescencia, así que guardo un grato recuerdo.

PD:

Por acá se la puede ver subtitulada.

 


Grease.

 

Ray.

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Michael Ironside

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Terminator 4, La Salvaciòn ha recuperado a un actor al que tenìa rato de no ver: el malo, el antagonista por antonomasia, Michael Ironside, a quien recuerdo de mi niñez por V La batalla final y por  Karate Kid; ya en la adolescencia lo vì en la segunda parte de Highlander, en  la extrañisima Scanner de Cronemberg, en Desafìo Total como un malo marciano, apareciò en Smallville como el papà de Luisa Lane y ahora lo vuelvo a ver en Terminator 4, que dicho sea de paso, junto a las dos primeras entregas, son lo mejor de la serie, porque la tres dejò mucho que desear...Hilarante la inclusiòn del gobernador de California, vìa imagen computarizada, en sus mejores tiempos, y los demàs guiños a las otras pelìculas como el "I`ll be back!" dicho por Connor, interpretado por el siempre impecable Christian Bale, y la grabadora con el You could be mine de los Guns...

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David Carradine

Ha muerto David Carradine.

Independientemente de las circunstancias de su muerte, creo que ha desaparecido todo un ícono de la cultura pop, realcionado con la televisión y las artes marciales.

Carradine saltó a la fama con la serie televisiva Kung Fú, una idea original de Bruce Lee. Pero dado el racismo de la sociedad gringa de ese entonces el papel recayó en Carradine, quien venía del teatro y la publicidad.

La verdad yo de esta serie recuerdo poco, más bien el cliché del "pequeño saltamontes"; pero  Kung Fú, La historia continúa  la ví muchas veces, con Carradine como el viejo monje shaolin que, con la ayuda de su hijo policía, busca a los responsables de la destrucción de su templo y de la separación de su hijo, nientras va resolviendo crímenes por la gran ciudad. Aunque supongo que no tuvo el exito de su predecesora, porque después la quitaron y ya no volví a ver a Carradine sino en un western que ni me acuerdo cómo se llamaba, hasta que Tarantino lo recuperó en la saga de Kill Bill.

Originalmente este papel iba para Warren Beaty, pero este le dijo a Tarantino que mejor llamara a Carradine para darle más realismo a las escenas de lucha, moldeando el papel a su antojo, tanto que, dicen, algunos de los dialogos de Bill fueron inspirados por el propio Carradine.

Volví a ver a Carradine en una serie del History, creo que se llamaba Tecnología del Lejano Oeste y no volví a saber de él hasta ahora que escucho de su muerte....

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Video arte

Hace unos años, asistí a una muestra de video arte en el Museo de Arte Moderno de Cartagena, presentada po Gilles Charalambos.

De esta manera descubrí las posibilidades del video como expresión personal, frente al video-clip.

En esta página muchos videos.

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Cinefago

El  rincon del cinefago, rarezas y freakadas....

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Anime

aquì...

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Dos de vampiros

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Hace unas semanas, cometí la estúpidez de ver la película Crepúsculo, de la cual lo único que se me ocurre decir es que es muy mala.

Para historias de amor con vampiros a bordo me quedo con el Drácula de John Badham de 1979, en la que, como bien dice Juan Carlos Paredes: "su condición de loco enamorado lo hace un personaje arrebatador y, por qué no decirlo, simpático; tanto, que toda la amenza y desasosiego que no sólo el vampiro intrínsecamente debe ocasionar sino que además le exigimos que, como rondador del mal y adversario acerrimo de la cruz, así sea, desaparece de golpe y porrazo." (1)

No es que sea excelente, se toma demasiadas libertades respecto al original de Stoker, pero en  comparación con Crepúsculo es mejor película, como que entretiene más, a pesar de que quizás es más tópica...

 

1.Vampiros modernos. Juan Carlos Paredes. Revista Acción # 154, pág. 63.

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Familias de la tele

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Mis familias preferidas de la tele:

La familia Vargas de Dejemonos de vainas: quizá ahora grande ese programa me parecería estúpido, pero en mi niñez era una buena excusa para sentarse con toda la familia a ver las aventuras de los Vargas.

Los Simpsons: por supuesto, la familia de Springfield ocupa un lugar preponderante entre mis afectos... Sin palabras...

Los Bundy de Married with children: la familia que me mostró, ya en la adultez, que eso de "...y vivieron felices para simpre" es pura mierda...

La disfuncional pero divertidisima familia Harper de Two and a half men: los Harper tiene una vaina jodida, aunque me gustaria llevar la vida que lleva Charlie, siempre termino identificandome más con Alan...

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Los Simpsons

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Hace ya más de veinte años, un día diecinueve de abril, se transmitió por primera vez un capítulo de esta historia por televisión.

Recuerdo que cuando empezaron a dar Los Simpsons por el canal Caracol, el programa lo trasmitian los´sábados en la noche; yo trabajaba vendiendo perros calientes los fines de semana y no podía verlo; cuando  cambiaron el horario me hice adicto a este programa y a su tosco humor y ácida crítica social.

No soy de los que ponitifican sobre algo, sólo quiero desear un feliz cumplaeños a una de mis familias televisivas favoritas:

Felicidades Homero, Marge, Lisa, Bart y Maguie...

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Gory-Blog

Películas, series, musica, es lo que ofrece este man...

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2001 Odisea en el espacio

"Si odisea quiere decir aventura -progreso, sufrimiento, conocimiento y facinaciòn-, un moderno Ulises astronauta recorre universos inexplorados en busca de su propia identidad humana o del misterio que envuelve la inteligencia del Universo."

¡Vivimos en el futuro!

Mauricio Laurens

Lecturas dominicales, 23 de enero de 2000, pàgina 11.

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Evangeline Lilly

Una galerìa con imagenes de Evangeline Lilly...

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Nosferatu

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Lo que más me llamó la atención del visionado de esta mítica película de Murnau, es el hecho de que el vampiro sea mostrado, sin ningún tipo de concesiones, como un monstruo, un ser para nada humano, muy diferente a los vampiros a los que nos tiene acostumbrados el cine moderno; nada que ver con esos velados y vaporosos vampiros de El Ansia, ni los condes enamoradizos de los respectivos filmes de Coppola y Badham, ni los hiperhumanizados chupasangre de Anne Rice, ni los superheroizados cazadores de la trilogía de Underworld y, mucho menos, los estereotipos adolescentes de la inmamable saga de Crépusculo .

Nada de eso. En Nosferatu, Murnau nos muestra a un ser repulsivo, inquietante, málefico, que entra en la vida cotidiana de los hombres arrasandola, llevandose con él no sólo la sangre de sus víctimas sino también su salud y su cordura.

Si bien el aspecto sexual siempre ha estado ligado a los vampiros, en esta película se hace tan sutil que se torna más inquietante: el vampiro de Murnau no tiene nada de sexualmente atractivo, pero es el único  hombre que vemos  en la habitación de la protagonista ( que en algunas reseñas leo que se llamaba Hellen, pero que en la version que yo me ví se llamaba Nina), y es ella con su pureza la que lo seduce al punto de hacerle olvidar que llega el amanecer, ocasionando así su destrucción; es como si el apetito sexual de este ser de aspecto rateril fuera tan desmesurado que no le importara morir con tal de satisfacerlo.

Imágenes inolvidables las del vampiro emergiendo de la oscuridad del castillo llamando a su joven invitado (denominado Johnaton en la versión que me ví), y la del vampiro levantandose de su ataúd de un sólo golpe...

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Televisión e informática

La imbricación entre televisión e informática produce una alianza entre velocidades audiovisuales e informacionales, entre innovaciones tecnológicas y hábitos de consumo: "Un aire de familia vincula la variedad de las pantallas que reunen nuestras  experiencias laborales, hogareñas y lúdicas." (C Ferrer, "Taenia Saginata o el veneno en la red" en Nueva Sociedad N. 140, p 155, Caracas, 1995) atravesando y reconfigurando las experiencias de la calle y hasta las relaciones con nuestro cuerpo, un cuerpo sostenido cada vez menos en su anatomía y más en sus extensiones o protesis tecnicomediáticas: la ciudad informatizada no necesita cuerpos reunidos sino interconectados.

J Martin Barbero.

 

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100 monstruos

Los cien monstruos màs terrorificos de todos los tiempos segun estos manes...

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Sarah Shahi

Em pecè a verme la serie Life por casualidad y como me psas siempre me enamore de la protagonista  femenina, Sarah Shahi; buscando por ahì encontre estas imagenes de ella.

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Fenomenario

Alguien que, al parecer, ve màs tele que yo...

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Teledemiurgo

La televisión es hoy día la representación más aproximada del demiurgo plátonico; y la fascinación que ejerce sobre los seres humanos no tiene que ver únicamanete con la información o con el entretenimiento: la oferta televisiva principal es el mundo, el teleadicto es un cosmopolita.

J Echeverría, Cosmopolitas domésticos.

Citado por Jesús Martín Barbero en La ciudad Virtual.

Revista Universidad del Valle, agosto de 1996 N. 14

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El viento que acaricia el prado

Acabo de ver El viento que acaricia el prado, una pelìcula de Ken Loach sobre un par de hermanos irlandeses que se levantan en armas contra los ingleses, tras la muerte violenta de uno de sus amigos; huelga decir que a pesar de ser hermanos, sus posturas ideologicas frente a la situaciòn polìtica del paìs son totalmente diferentes, lo que  se convierte en el  climax narrativo de una cinta relatada con el esmero de un artesano, de un contador de historias con imàgenes en movimiento; aunque la pelìcula para mì tiene un ritmo lento, el inetrès no decae, puntuado por detalles como el niño que lleva un mensaje importante escrito en un papel y lo pierde, o el contraste entre las disputas en un juego de pelota, casi càndidas confrontada con  la violencia de la muerte de uno de los jugadores...

Resulta muy fàcil "novelizar" la lucha de un pueblo por su libertad, uno hasta esperarìa que ganaran los buenos, los oprimidos, pero Loach no nos da ese gusto, asì como en Colombia no nos ocurre, en un paìs donde guerrilla, paramilitares, fuerza pùblica y delincuencia comùn  disparan y matan por igual,  la lucha armada no es una salida  y la polìtica es mejor dejarla a un lado por un poco de indiferencia y mucho de supervivencia...

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La tele en los noventas

Esta fue la tele que vì en la decada pasada:

Las tortugas ninja: iniciados como un còmic independiente de la mano del director de la Revista Heavy Metal, Kevin Eastman, las Tortugas Ninja se conviertieron en íconos  pop, con series televisivas y películas. Aquí me refiero a la primera serie animada en ser transmitida...

Sailor moon: Aunque se trataba de chicas que luchaban por el amor y la justicia, Sailor Moon tuvo mucha aceptación entre los varones, supongo que porque Serena y sus amigas eran verdaderos objetos de deseo, en una epoca en la que todavía era dificil encontrar hentais...

Clase de Beverly Hill:Los adolescentes que siempre quisimos ser, claro que nosotros no teníamos ni la pinta ni la plata ni las nenas de estos mancitos...

Musica Liquida: Con la llegada de los canales privados y la caída de los canales públicos, los programas de video fueron desapareciendo, excepto en Señal Colombia que tenía programas como este, Musica para Camaleones y Rockombia. Musica líquida presentaba gran variedad de estilos y artistas de todas partes...

Canales privados: Los canales privados sólo trajeron màs blockbusters y melodramas, excepto Cine Arte en el canal Caracol, a un horario casi que  imposible...

Señal Colombia: Desaparecido el Canal 3 de Inravisión, la Comisión Nacional De Televisión creó Señal Colombia, un canal con una programación cultural muy fresca para esa epoca pero que ha ido decayendo, supongo que por falta de inversión estatal...

Dragòn Ball: Junto a Sailor moon, las esferas del dragón, como se llamo este programa la primera vez que lo transmitieron, era el único animé que podía verse en la tele; creo que después vinieron Caballeros del zodíaco y Supercampeones... A partir de aquí, vendría la fiebre desatada por Dragón Ball Z y GT.

Las pesadillas de Freddy: Finalizada la larguisima saga de Freddy, y para capitalizar su exito, crearon esta serie que era malisima pero que igual la veìamos los aficionados al terror...

Mi secreta identidad: Superheroe adolescente, torpe pero eficaz, me gustaba este programa aunque ahora, años despuès, tengo la impresiòn de que era un poco ingenuo...

Caballeros del zodìaco: Anime sentimentaloide pero energico, que nos mantuvo pegados a la pantalla durante larguisimas batallas para preservar la paz y la justicia en el mundo, con sus consabidas peliculas y secuelas...

Star trek: the New  Generation: Un actor especialista en Shakespeare, terminò encarnando al capitàn Jean Luc Picard en las nuevas aventuras del USS Enterprise...

Persiana Americana: Angie Cepeda nos mostraba, ademàs de sus buenos melones, los ùltimos videos de rock y pop...

X Men: Animaciòn de la mitologìa marveliana en torno a Los Hombres X, muy buena; despuès hicieron una en la que los personajes eran adolescentes con mucho acnè y pocas aventuras... Ahora, Jetix trasmite una nueva serie en la que se mezclan la primera serie animada y las pelìculas, se deja ver...

Los Simpsons: El programa màs visto de la dècada y uno de los mejores de la historia, hasta los detractores tienen que reconocer que Los Simpsons son màs famosos que Los beatles...

Spiderman: Grandes villanos y un superheroe muy accesible, muy buena serie, luego hicieron una en 3D que era como mala, y actualmente se trasmite otra que es muy infantil...

El Renegado: Unico exito conocido de Lorenzo Lamas, porque sus relaciones con conejitas playboy han sido un fiasco, serie de acciòn a cargo de Stephen J Cannel, responsable de Los Magnificos...

Deslizadores: Nuevamente Jerry O´Conell haciendo de heroe, acompañado de Jhon Rhyes Davies, quien después sería Gimli en ESDLA, y las hermosas Sabrina Lloyd -a quien años después volví a ver en Numb3rs- y Kari Whurer .

Millenium: A Frank Black le tocó duro: no sólo era un agente federal con una extraña sensibilidad hacia los casos más violentos, sino que estaba involucrado con un grupo secreto que intentaba impedir el fin del mundo, un psicopata lo acosaba a él y a su familia y encima tenía que luchar contra el mismísimo diablo. Aunque acá nada más dieron una temporada, la disfrutamos al máximo...

The X files: Serie de culto donde las haya, ¿qué más se puede decir de Archivos X?

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El blog de Ellow

En el blog de Ellow encontré unas escenas ineditas de la serie Lost, subtituladas, en video... Para echar un ojeada...

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El Ilusionista y El Prestigio

En las últimas semanas ví dos películas sobre magos -que no sobre magia, para eso ya tenemos las insulsas sagas de Harry potter y Las crónicas de Narnis-: El Ilusionista, dirigida por Neil Burger, y El Prestigio dirigida por Christopher Nolan; las dos ambientadas en la Europa del siglo XIX, donde la magia era un espectaculo popular que creaba fuertes adhesiones entre el publico.

Ambas peliculas hacen gala de interpretes jovenes con trayectorias reconocidas, acompañados de veteranos con mucha escuela, caso de Michael Cane en El Prestigio y Paul Giamatti en El Ilusionista, mucho más sólido en su papel, a mi parecer, que Cane en el suyo.

En la pelicula de Nolan, "Una estructura tripartita, símil de un truco en el escenario, marca el desarrollo argumental de una cinta que escapa del encorsetamiento habitual de los géneros cinematográficos" (1). Mientra que para El Ilusionista :"Fotogramas coloreados y escenificacion casi teatral son los ejes creativos en los que el realizador sustenta su experimento sobre la fantasía de los trucos que envuelven cualquier aconteciiento relacionado con la magia" (2)

Las dos cintas tienen en común que el final no es tan prodigioso como los directores pretenden hacernos creer (en magia, como en el cine, lo hemos visto casi todo) pero se diferencian en sus planteamientos narrativos; El Prestigio busca el suspense en giros argumentales laberínticos, como sucede a cierto detective borgeano que descree de la solución más simple y en la que los personajes, al igual que el detective, son arrastrados hacia su propia destrucción; al contrario del Ilusionista, donde aquello que está en juego es el arte d ela ilusión sin que el público note el truco y el mago, por tanto, pueda salirse con la suya.

1. El Prestigio. Jesus Martín. Revista Acción, número 176.

2. El Ilusionista. Jesús Martín. Revista Acción, número 175.

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El blog de Los Simpsons

En estos dìas se ha vuelto a disparar mi obsesiòn por la familia amarilla de Springfield, y encontrè este blog dedicado a ellos...

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Video-clip

Acabo de encontrar este artìculo sobre el video-clip, aparecido en una revista española.

Para leer con màs detenimiento.

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Actores famosos en videos de rock

En estos días volví a ver al actorazo Christopher Walken en un video de Madonna, ignoro si el video es nuevo o viejo porque no soy muy seguidor de la Reina del Pop.

Esto me hizo pensar en otros videos con actores reconocidos y encontré esta lista...

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Paprika

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Sueños compartidos como los que anhelaba Borges -aunque yo me pregunto si existirá un universal para los sueños de manera que  los símbolos signifiquen lo mismo para todas las personas-; películas, internet,  esas ilusiones consensuales que compartimos día a día, separadas por la tenue línea que divide fantasía y realidad, se ven  involucradas en esta fábula onírica sobre la privacidad de los sueños como último bastión de humanidad posible en nuestro mundo super tecnificado, la posibilidad de sanar nuestras siques enfermas por medio de la ciencia y el deseo incontrolable de poder que subyace en cada uno de nosotros, con multinacionales de por medio, personajes que rayan en lo freak y una descarga de surrealismo asombroso, aunque un poco repetitivo.

Esto y un poco más fue lo que encontré en  Paprika la película de Satoshi Kon (quien dirigió Los padrinos de Tokio, una especie de comedia negra animada con dos vagabundos que conocieron mejores días, y que se ven envueltos en una trama policial),  en la que un grupode científicos y un policia deben contrarrestar la acción desquiciada del presidente deuna multinacional y su envidioso ayudante, y evitar que el mundo de los sueños  se mezcle con la realidad en un desfile carnavalesco que sólo conduce hacia la muerte... Detalle inquietante este  según el cual sueño y muerte están más cercanos de lo que creemos, junto a una propuesta de que cuando alguien se mete en nustros sueños corremos el riesgo de convertirnos en cáscaras vacías...

La escena que más me gustó es cuando el ayudante del presidente sujeta al alter ego onírico de la protagonista, la doctora Chiba quien en los sueños adquiere la personalidad de Paprika, con alfileres gigantes a una mesa e introduce su mano en la zona del sexo de la chica y recorre todo su cuerpo por dentro hasta romper esa máscara o fantasma y hallar a la doctora desnuda y dormida...

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Pelìculas de los 90's

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Una tentativa de ista de las pelìculas que màs me gustaron en  la pasada decàda, no necesariamente en este orden:

Pulp Fiction: Su trepidante montaje y desparpajo al contar las historias nos permitió conocer a un director que se tornó de culto en los 90, debido tal vez a su figura maldita y talante underground: contaba la leyenda que escribía a mano en cuadernos escolares, que no había ido a ninguna escuela de cine sino que veía muchas peliculas en la videotienda donde trabajaba, que estaba detras de los guiones de True romance y Asesinos por naturaleza, etc; Pulp Fiction mostró todos los aciertos y defectos de su director, antes de embarcarse en esa tremenda saga que encumbró a Tarantino como reciclador genial de genéros y referencias cinematográficas como fue Kill Bill.

Blair Witch Project: El cine de terror de los noventa estaba marcado por el regreso del slasher adolescente. Colegios pupys de secudaria o campus universitarios arrasados por un asesino con un muy buen disfraz, nada de aquella cutrerìa ochentera. Así que este seudo documental pretendía, y para mí lo logró, mostrar el terror al desnudo, además de utilizar otras plataformas para reconstruir la historia, en Estados Unidos usaron Internet, pero en Cartagena fue la prensa y los carteles de las salas de cine los que reprodujeron la enrevesada historia... Lástima de una segunda parte muy mala...

Danza con lobos: Junto a The Unforgiven de Clint Eastwood, fue del poco western que se viò por esas fechas pero muy revitalizante, mejor que estupideces como las aventuras de Jim West... Ambas películas comparten el tono crepuscular de cómo el Oeste estaba dejando de ser Salvaje para convertirse en otra cosa, claro que tras la dura mirada de Eastwood la perspectiva más dócil de Costner deja mucho que desear, pero de todas formas Danza con lobos fue una superproducción que no permitía adivinar la catastrofe que se avecinaba para la carrera del actor-director: Waterworld, un barco que hizo mucha agua y naufragó...

Fresa y Chocolate: La situaciòn cultural cubana, escindida entre la tradiciòn revolucionaria y la modernidad, mostrada a travès de una historia de amor entre dos jovenes de distintas tendencias sexuales, filmada con esmero por el desaparecido Tomàs Gutierrez Alea.

La estrategia del caracol: Una divertida muestra del cine colombiano, que nos hizo pensar a algunos ingenuos que ahora sí  iba a existir una industria de cine en el país, que no la hay, creo, todavía. Después de eso, comedias y blockbusters con los mismos temas de siempre...

La reposición de la trilogía de La guerra de las galaxias: no sé si era que Lucas andaba mal de plata y quiso exprimir nuevamente a la gallina de los huevos de oro, o como él mismo dijo, con ayuda de las nuevas tecnologías darle un barnizado general a su obra magna, pero lo cierto es que nos permitió a los fanáticos  ver en pantalla gigante películas que, para mi generación, eran caldo de cultivo de videotiendas... Y una manera asegurarse que  fueramos a ver en cine ese adefesio llamado La amenaza fantasma...

Batman y Batman Forever: el caballero de la noche visto con los gòticos ojos de Tim Burton no pudo contar con un elenco de malos màs freaks que el señor Jack Nicholson como el Guasòn, y la hermosa Michelle Pffaifer como Gatubela. Ya luego entrò en decadencia con las subsiguientes secuelas...

Asesinos por naturaleza: en alguna parte Jesús Martín Barbero escribió que los medios están hechos para hacernos sentir miedo; Oliver Stone se propuso demostrar cómo los medios pueden hacer de un asesino una estrella con quince minutos de fama y más de quince cadaveres en su haber...

Adiós a Las Vegas: por primera y creo que única vez, a Nicolas Cage sus limitados tips actorales le dieron resultado en una de las películas más desgarradoras que ví por esos días...

 Mejor imposible: Yo para comedias soy malo, pero esta peli me hizo reir bastante sobre todo con la actuacción de Nicholson como el insoportable Melvin...

Otras películas:

Strange days.

Requiem por un sueño.

The shawshank redemption.

Thelma y Louis.

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El inconciente colectivo del Sargento Pimienta

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En  inconcientecolectivo un vistazo al repaso que cada  cierto tiempo se le hace a la mìtica caràtula del album de los Beatles...

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Los noventa

Desde aquì un vistazo a la decada de los noventa...

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Video-clip e identidad

Aquì un pequeño artìculo que esboza la manera como actualmente construimos nuestra identidad, comparandola con la estètica del video-clip....

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La electricidad feliz

Videos y otras cosas desde aquì...


Películas de fin de semana

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Este fin de semana me entregué al oscuro arte del zapping, experiencia intrascendente donde las haya, pero sin mayor riesgo esta vez que encontrarme con una de las actrices que me ha acompañado, silenciosamente, sin hacerse notar, toda la vida: Elizabeth Sue.

Resulta que siendo un niño me encantaba la serie de películas de Karate kid, con Ralph Macchio como Daniel san y  el desaparecido Pat Morita como el señor Miyagui. Este fin de semana pude ver la segunda, pero recordé que en la primera aparecía una angelical Elizabeth interpretando a la amiga de Daniel. También yo deseé tener una amiguita como esa.

Acto seguido, Elizabeth coprotagonizó otra saga muy ochentera, Volver  al futuro, de la que pude ver  la tercera y última entrega este fin de semana, algo ya más crecidita y en plan de la compañera sentimental del irascible Marty Mcfly, interpretado por el inefable Michael J Fox.

Años más tarde, siendo ya un adolescente, volví a encontrarla en una película de Tom Cruise, Cocktail, esta vez haciendo el papel de la inocente amada de un ambicioso aprendíz de barman en la gran ciudad. Inolvidable para mis ojos asombrados la escena de amor en el estanque, todo muy paradísiaco...

Pero creo que el gran papel de Elizabeth fue en esa gran película de los noventa Leaving Las Vegas, junto a un inmejorable Nicholas Cage, que nunca se volvió a entregar como lo hizo entonces, interpretando a una hermosa, pero en horas bajas, prostituta de Las Vegas que se hace cargo de un guionista alcoholizado y violento. Nominada a un Oscar por su interpretación,  luego la ví como novia del invisible Kevin Bacon en El hombre sin sombra y como una ingenua física  en esa mala adaptación de El Santo, al lado de Val Kilmer.

Nada memorable en los últimos años, pero muy buenos recuerdos de mi infancia y adolescencia junto a esa hermosa actriz hoy un tanto olvidada...

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Malos de t.v

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Siempre estoy haciendo listas, aquí empiezo  mi lista de malos de la tele:

El fumador. Archivos X.

Murdock. El peor enemigo de McGyver, nunca se moría, ni aunque lo arrojaran de una montaña...

Pennywise, el payaso: It, la miniserie: un malo bien malo, estaba dejando a todo el pueblo sin niños y a los niños con temor a los payasos.

Benjamin Linus. Lost:  un malo bien extraño, nunca sabemos qué es lo que quiere en realidad, si salvar la isla o qué....

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Corto animado Defective Robot

aquí un corto animado robótico y divertido, realizado por Rani Naamani.

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Cine de los noventa

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Perdiendo el tiempo arreglando los millones de recortes de periòdicos que poseo sobre todo un poco, literatura, mùsica, cine, caricaturas, se me ocurriò hacer una lista de las pelìculas que màs me gustaron en la pasada decada de los noventa: demasiado trabajo para mi continua apatìa, asì que mientras refresco la memoria y recogo datos dispersos esta lista queda bien, debo decir que no todas las he visto, pero hay algunas pelìculas que ni por ahì me acordaba...

Y este artìculo puede servir como marco teòrico bastante acertado...

Y aquì otra lista y un texto que toca, a mi parecer, un punto neuràlgico de la cuestiòn: ¿por què casi todo el cine que vimos en la pasada dècada fue cine gringo comercial?

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La manzana de Adàn

Recorriendo los kafkianos pasadizos de Google me encontrè con esta loca historia francesa de còmo serìa el mundo si fueran las mujeres quienes nos acosaran sexualmente y no nosotros los hombres a ellas, como debe ser, gracias a Dios...

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Thora Birch

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Thora Birch se me metió entre ceja y ceja, dspués de haberla visto en esa películota llamada American Beauty, en la que interpretaba a la conflictiva Jane, la silenciosa hija del personaje principal.

Y aunque ya la había visto antes en Now and then, como una niña muy mona, en una actuación tan picaresca que hacía sonreír, no fue sino hasta mucho después que caí en cuanta que aquella niñita rubia era esa misma chica despampanante que  nos mostraba un par de exuberantes senos a su vecino y a los espectadores en la ya citada American Beauty.

Perdido el rastro completamante, la volví a encontrar en Ghost World, interpretando a una chica solitaria metida en un mundo que no quiere entender, acompañada de ese otro actor de culto que es Steve Buscemi y de una seminal Scarlett Johansson, en una película desolada y sin esperanzas.Y si en la película anterior impactó por su desnudo, acá lo hizo con esa m´scara fetichista de gatubela que lució en unas escenas...

Sólo esas tres cintas han hecho que Thora se convierta en una estrella  de mi particular  panteón de actrices de culto.

PD: Una galería con fotos de ella...

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The beatles animados

Los Fab Four animados aquì...

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2001

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Anoche emponzoñado en el tedio me entreguè al oscuro vicio del zapping televisivo que rara vez arroja resultados tan memorables como èste: 2001, una odisea en el espacio, dirigida por Stanley Kubrick...

Aunque la pelìcula ya iba bien avanzada pude disfrutar de las escenas sin mùsica de fondo en la que Dave trata de recuperar el cuerpo de su compañero. Un astronauta muerto flotàndo en el espacio siempre serà una imagen poderosa para alguien de la era espacial, sobre todo si el vacìo es realzado por un insondable silencio en contraste con los ruidos de màquinas y respiraciòn que se escuchan en las tomas de Dave manipulando su ovarica càpsula, en un esfuerzo infructuoso porque deberà dejar escapar los restos de su compañero para poder salvar la propia vida y enfrentarse al temeroso Hal, ahora ya nada dueño de sì mismo, quièn con su frìa y fija mirada roja lo acaba de dejar como ùnico tripulante de un espermàtico transporte interestelar...

Dave arriba al gigantesco Jùpiter donde el monolito le abrirà sus puertas para aposentarlo , primero en una habitaciòn cuyo baño no tiene nada que envidiar al del Overlook -uno casi espera ver salir a una mujer muerta de la tina- o al del pequeño apartamento pop que ocupan Alex y sus padres; despuès dentro del monolito mismo, en un viaje de luces y efectos fotogràficos  que aùn hoy suscitan inquietud, con una especie de ovulo desplazandose, creciendo, hasta convertir a Dave en un inmenso feto que flota entre la Tierra y la luna, sin que pueda tener certeza de que toda esta imagineria natal sea una asociaciòn mental mìa o algo propuesto visualmente en la pelìcula...

Hasta ahora nunca habìa podido ver la cinta, pero por lo poco que vì comprendo el poder de la pelìcula y la popuesta de su director...

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Robots y efectos especiales

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Y de tanto hablar de robots, los mejores cincuenta de todos los tiempos en la pantalla, aquí.

Y las cincuenta películas más influyentes en lo que a efectos especiales se refiere, desde aquí.

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Prison Break Tercera Temporada

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Anoche dio inicio por el canal Fx, la tercera temporada de Prison Break, una serie que se ha convertido en una de mis favoritas...

Y sin embargo, la tercera entrega me ha dejado con un mal sabor de boca...como que es màs de lo mismo, pero esta vez con la barbarie tercermundista para asustar turistas gringos...

En la cuerta temporada, Michael Scoufield escapando con los secuestrados gringos en poder de las Farc en plena selva colombiana ( y no me estoy burlando de los secuestrados, sino de la falta de imaginaciòn de los guionistas)...

Por cierto, en una escena sonò una canciòn en español que hablaba de un payaso y un ladròn, ¿alguien sabe de quièn es èsta canción y cómo se llama?

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Lost (de la risa)

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Perdidos andan estos manes con esta tira...

¿Y què tal tanta demagogia?

Màs de esto, aquì.

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Monica Sweetheart

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Hacìa muchos años que una porno star no me movìa el piso como ha logrado hacerlo la  europea Monica Sweetheart (es checa , creo), sobre todo con las penetraciones anales tan escurridizas de esta chica...

La web oficial www.hotmonicasweetheart.com

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Si pudieras asomarte a mi interior

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Solamente rìo por fuera...Mi sonrisa es superficial...Si pudieras asomarte a mi interior...verìas que lloro!!!

Jack Nicholson como El Guasòn.

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Blade runner

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El domingo pasado le echè otra mirada a esa delirante pelìcula que es Blade Runner.

Independiente de toda la tinta -y caracteres electrònicos- que se han gastado alabando o denigrando este film, hay algo que me llama poderosamente la atenciòn: el fetichismo enrarecido en torno a los ojos que se muestra a lo largo de todo el metraje: primeros planos de ojos mientras los blade runners hacen sus pruebas, la fàbrica de ojos donde Roy va en busca de pistas, las protesis oculares que, con su cruel humor, se coloca sobre sus ojos a manera de màscara cuando solicita la ayuda de  Sebastian, y la sicopatica forma en que destroza los ojos y la cara del viejo Tyrell; y esa dualidad entre juguetes y replicantes que existe en casa de Sebastian: los juguetes estàn tan vivos como los replicantes Nexuss 6, ¿què los diferencia? ¿sus supuestos  sentimientos?; y la escena donde Deckard va a la caza de Pris, quien se hace pasar por uno de los tantos juguetes de Sebastian, y el blade runner debe correr el riesgo de acercarse demasiado para poder saber si es una replicante o no.

En alguna parte oì que Freud escribiò que cuando niños anhelamos que los muñecos con que jugamos cobren vida, pero que cuando crecemos, nos aterra por completo esta posibilidad...

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El regreso de los muertos vivientes

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Empecè el mes de Octubre, revisionando dos pelìculas que me gustaron mucho en mi niñez, como fueron las dos primeras entregas de la trilogìa ochentera de Los muertos vivientes.

Con actuaciones bastante cutres y efectos de maquillaje hoy en dìa hilarantes, la primera de las dos pelìculas pretende parodiar la trilogìa anterior a cargo de George A.  Romero, que por estos lados nunca se ha podido ver, pero el tono panfletario anti militarista no le cuadra muy bien a una pelicula que aborda un genero tan endeble como- y oigase bien, que el tèrmino lo acabo de fusilar de alguna parte-: ¡la comedia de horror para adolescentes!.

Lo màs interesante, para mì, de la primera pelìcula, es el soberbio desnudo de una de las protagonistas (Linnea Quigley), despuès de decidir que la peor manera de morir serìa devorada por hombres viejos y enfermos, en pleno cementerio, para màs adelante ser atacada por los muertos vivientes y convertirse en uno de ellos, lo que le da un toque de eròtica fantàstica y gore a una pelìcula bastante regular.

La segunda parte, una secuela bastante mala, se basa en la acumulaciòn de chistes malos, como el muerto que trata de salir de la tumba y es pisoteado por sus compañeros difuntos, y las mismas malas actuaciones de la anterior.

Tal parece que la idea de darle un sentido panfletario a los muertos vivientes continuò con La tierra de los muertos, en la que los muertos, como los leprosos de la Edad Media, eran segregados de la sociedad ("Ahora mueres para el mundo, pero renaces para Dios", era la fòrmula por medio de la cual el sacerdote desterraba al leproso de la comunidad), aunque no por eso esta ùltima pelìcula fue mejor que las otras dos aquì comentadas...

De todas maneras, en la enciclopedia pop el macabro grito de "¡Cerebro!", ocupa un lugar preponderante...

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Malos de pelìcula

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Una lista incompleta  a vuelo de pàjaro de los màs malos de pelìcula de los que me acuerdo en este momento:

David Prowse (con la voz de James Earl Jones)- Darth Vader

Freddy Krueger- Robert Englund

El guasòn y Jack Torrance- Jack Nicholson

Gatubela- Michelle Pfeiffer

Tony Montana (Scarface)- Al Pacino

O Rhen Ishi- Lucy Liu

 

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Los Simpsons, la pelìcula

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Al ver la pelìcula de Los Simpsons, me resulta muy irònico que un hombre como Homero tenga una epifanìa...

Lisa es altamente idealista y comprometida, pero no es religiosa, para mucha gente el consumo del arte- que no es igual al arte mismo o a su disfrute- e incluso la ecologìa y los modos de vida alternativos, han venido a reemplazar a la religiòn.

Marge tiene una vena artìstica, que siempre es sepultada por su entrega al mantenimiento de la cohesiòn familiar.

Bart, mucho se ha dicho, es un ser humano libremente instintivo y vital, pero dista mucho de alcanzar las cotas tràgicas del superhombre de Dostoievsky, o la pesadez històrica del ultrahombre nietzscheano, despachurrado por el peso del devenir. o la ingenua filosofìa de Calvin.

Homero por su parte, aun cuando se encuentra muy cerca al mundo de la ciencia (¡es inspector de seguridad en una planta nuclear!), carece del conocimiento tècnico capaz de convertirlo en un yuppie tecnocrata exitoso, y detesta la religiòn por la cantidad de concesiones a las que se ve oblifgado a ceder.

En alguna de sus novelas, Morris West decìa que la religiòn parece tener todas las respuestas menos las que uno necesita. Y en laguna parte, Camus escribiò que la ciencia moderna es capaz de explicar el mundo pero incapaz de entregarnoslo.

La realidad ha perdido su carga mìtica y mìstica, de trascendencia y cohesiòn, la religiòn ya  no es el ritual para el mantenimiento del mundo ( en lugar de sacrificios humanos para que el sol continùe su curso, disponemos cafeteras elèctricas y computadores personales de acuerdo al feng shui para atraer buenas energìas); y la ciencia, en lugar de descubrir los secretos de la naturaleza, nos ha aislado y cosificado de tal manera que el hombre ya no parece pertenecer a esa misma  naturaleza.

Entonces, ¿ què de raro hay en  que Homero tenga una epifanìa o en que Moe sea nombrado emperador de Sptingfield?...

Bufòn.

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It

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Otra de las series inolvidables fue It (1990), basada en la novela homonima de Stephen King, con un desangrante payaso Pennywise interpretado por Tim Curry.

Me pareciò muy buena, aunque para cuando la pasaron yo era un niño.

Años despuès leì el libro y me gustò mucho...

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La Isla del Tesoro en el Espacio Exterior.

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En casa, durante mi infancia, los libros eran màs bien escasos, a excepciòn de los libros de texto y los tomos de la enciclopedia, donde devorè la vieja mitologìa gracorromana casi hasta aprenderla de memoria; los libros empezaron a llegar en mi adolescencia ,cuando empecè a gastar la plata de mi merienda en libros de segunda que compraba en el centro, en la Puerta del Reloj o en el Parque Centenario, donde todavìa hoy consigo el noventa por ciento de los libros que compro.

Asì que la tele era una vìa de escape alternativa, tan buena en mi caso que despertò el deseo de leer los libros en los cuales se basaban las pelìculas o series que veìa.

Entre las series las que màs recuerdo por su gran impacto, basadas en libros, fueron It y El resplandor de Stephen King, y una versiòn muy particular de La Isla del Tesoro en versiòn futurista, titulada La Isla Del Tesoro En El Espacio Exterior, protagonizada por los fallecidos Ernest Bornigne y Anthony Quinn, en una producciòn italiana, fechada en 1987 y dirigida por Antonio Margheriti.

Hasta donde recuerdo, era muy fiel al libro de Stevenson y la ambientaciòn estuvo muy cuidada.  Me gustò muchìsimo y me llevò a devorar el libro años despuès...


Los Simpsons La pelìcula

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Al principio de la pelìcula, Homero nos hace ver lo tonto que es pagar una entrada a cine (00 por persona, en un paìs donde un dìa de trabajo oscila entre los 000 los 000), para ver algo que bien podrìamos ver hasta la saciedad en televisiòn.

Pero es que cuando uno es fanàtico, no se cansa jamàs.

La pelìcula, por supuesto, se basa en el mismo esquema de la serie televisiva: Lisa tratando de concientizar a los habitantes de Springfield sobre el riesgo de su modo de vida, Bart haciendo travesuras para lograr la aceptaciòn de su apàtico padre, Homero esforzàndose por hacer el menor esfuerzo posible, y Marge intentando mantener unida a su familia...y Maggie...bueno, Maguie està ahì para compartir con ellos...

Parodias a pelìculas (la escena de Green Day hundièndose en el lago no la entendì hasta que me informaron que  se trataba de una parodia de Titanic, pelìcula que gracias a Dios nunca he visto; prefiero las parodias a Alguien volò sobre el nido de cuco, esparcidas a lo largo de la serie), humor polìticamente incorrecto sin salirse de los parametros  del  sistema y una vuelta completa por la ùnica ciudad de Estaods Unidos que me gustarìa visitar, son los demàs ingredientes para cerca de una hora de entretenimiento amarillo...

Nada del otro mundo, pero ¡què carajo!, se trata de Los Simpsons...

Bufòn.

 

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Maternidades alienígenas: Inseminoid y Baby Blood

2 peliculas de serie B sobre aliens que utilizan mujeres humanas para reproducrise.

Si bien la idea no es nueva, ya que en Alien (1979) una criatura alienigena utilizaba seres vivos para incubra sus huevos y reproducirse, una situación biologicamente factible, comprobada en la naturaleza, en estas dos peliculas se trata simplemente de explotar el morbo que acarrea que una criatura alienigena fecunde a una mujer y sus posibles consecuencias.

En Inseminoid (Norman J. Warren, 1981), un ginecologo marciano fecunda a una arqueologa interplanetaria, que luego de parir su camada y guiada por un instinto materno psicotico empieza a matar a toda la tripulación de l nave en que vino: efectos especiales muy malos, decorados vergonzosos y actuaciones que no son actuaciones, es todo lo que vamos a encontrar.

En Baby Blood ( Alain Robak, 1990), una criatura antidiluviana se apropia del sistema reproductor de una chica francesa para incubarse, el problema es que el ser se alimenta de sangre de hombres cachondos y está destinado a llegar al mar, por lo que obliga a su madre a cruzar media Francia y a matar a cuánto idiota se le cruce en el camino. Aunque no es una joya, me gustó más que la anterior, se muestra muy poco del monstruo y sí mucho de la angustia de la joven madre, dividida entre el instinto de supervivencia y el instinto materno.

 

Imagino que este tipo de historias responde a complejos subconcientes como la vagina dentata, al temor colectivo que el virus del Sida planteó durante los 80, a la fobia que muchas mujeres embarazadas le toman a sus parejas o al temor castrativo de dichas parejas al verse desplazadas en el afecto de la mujer por ese "competidor" invisible que es el no nacido... en fin, para que buscarle más patas al gato, si sólo se trata de películas y no de las mejores, en todo caso.

 

 

PD : Encontré ambas peliculas en Youtube en versines dobladas al "gallego":

Inseminoid

Baby Blood

 

   

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Vuelven los ochentas

Una bitacora dedicada a la añoranza de los años ochenta, para lagunos una dècada perdida, pero al parecer para otros un tiempo de juventud y alegrìa...

www.blogs.ya.com/80forever

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Highlander

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La saga de Highlander es una de mis preferidas en el cine, iniciada con la pelìcula de 1986, dirigida por Russel Mulcahy, con mùsica de Queen, que diò para tres secuelas (en Cartagena, los dos primeros episodios de la serie se distribuyeron en video como Highlander III, pero yo prefiero no considerarlo una secuela de la pelìcula original), y una serie animada de la màs pura ciencia-ficciòn.

A mì personalmente la que màs me gustò fue la primera, con su bien lograda combinaciòn de pasado y presente a travès de flashbacks, la fotografìa  y por supuesto la mùsica,las actuaciones de Sean Connery como el mentor sabelotodo y el malìsimo Clancy Brown, el videoclip con un energico Freddy Mercury enfrentandose a Christopher Lambert,todo se aunò para hacer de èsta una pelìcula de culto, al igual que la serie protagonizada por Adrian Paul, a quien ya habìamos visto en el video de 18 and life de Skid Row, y luego la serie animada, en la que el ùltimo descendiente de los Mcleod, trata de preservar lo poco que queda tras el reinado de terror de Cortan, quien ha ganado el premio.

Làstima las secuelas protagonizadas por Lambert. A la segunda (Russel Mulcahy, 1991) no la salva ni la intervenciòn de otro malìsimo como Michael Ironside, ni la siempre elegante Virginia Madsen, ni mucho menos la espòradica apariciòn de Connery.

Una tercera entrega (Highlander III, el hechicero, Andrew Morahan, 1994) intenta reparar el daño,obviando el origen extraterrestre de los guerreros, pero cayendo en lo mismo de la primera, con Mario Van Pebbles imitando a Brown y una jovencita pero siempre hermosa y felina Deborah Unger, y una ùltima protagonizada por Adrian Paul (Highlander, endgame, Douglas Aarniokosky, 2000), tambièn dejò mucho que desear...

Actualización:

PD: Tiempo después pude ver una última entrega de Highlander, denominada The Source (Brett Leonard, 2007), con Adrian Paul en busca de la fuente de la cual provienen los Inmortales, la cual me parece que no aporta nada a la mitología de Highlander, pero es otra oportunidad de ver a los inmortales en acción.

PD: Mucho después me enteré que esta película fue realizada para televisión por el Sci Fi Channel.

 

PD de 2009:

Gracias a la Inteligencia Colectiva pude hacerme con los cómics.

 

Última (¿?) actualización (06-10-2010) :

Me acabo de ver un film animado basado en la franquicia de Highlander, titulado Highlander: The Search for Vengeance, un anime dirigido por Yoshiaki Kawajiri, el mismo de Ninja Scroll (de hecho, para mí los personajes centrales de ambas películas guardan cierto paralelismo), que nos muestra las penurias de otro McLeod por vengar la muerte de su amada a manos de un inmortal de esos realmente malos. En general me gustó más que The Source y que Highlander 2.

 

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Lovecraft de pelìcula

En www.unfilmable.com se puede encontrar bastante informaciòn sobre pelìculas basadas en la obra de Howard Phillips Lovecraft.

De las mencionadas yo sòlo he podido empezar a ver la soporìfera Beyond The Wall Of Sleep, dirigida por Brad palmer, pero no tuve el suficiente hastìo para llegar hasta el final...Inquietante las escenas en que el loco cientìfico protagonista manipula el cerebro destapado de una paciente de un hospital siquiatrico...

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video arte

videos de Iar Peterson Hernandez en www.acontemporanea.blogspot.com
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Pensamientos de gato

divagaciones eròticas de un gato acerca de su dueña...

Kanojo to kanojo no neko.

 

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The Unforgiven de Clint Eastwood

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Las pelìculas de Eastwod son como los personajes que èl mismo interpreta: secas y concisas. La narrativa de Eastwood es parca y precisa, moldeada en ángulos rectos por una vida que ha sido dura pero quizàs no injusta, porque, como lo asevera William Munny en Los Imperdonables, todos nos lo merecemos.
Los imperdonables se nos presenta como toda gran obra èpica, como "un viaje de ida y regreso", sòlo que en ella, al parecer, no hay redenciòn para el hèroe que, de paso, no la anda buscando, no se pone en marcha porque su vida dependa de ello, ni la vida de los seres que ama, se marcha porque es igual una sordidez que otra, porque la soledad del camino es igual a la soledad de un corazòn roto.
Los personajes, màs que por sus acciones o palabras, parecen estar definidos por su mirada, la miopìa de Kid lo habìa mantenido inocente hasta ahora, sin saber lo que era derramar la sangre de otro hombre; la mirada màs amplia de Munny, capaz de leer en el horizonte una tormenta, o de percatarse que a la prostituta que le trae el dinero no la sigue nadie,es la mirada del hombre acostumbrado a abarcar el mundo en toda su extensiòn y saber que en cuanto caes muerto pierdes todo lo que tienes, pero tambièn todo lo que podìas tener.
Y lo que màs cuesta afrontar en las pelìculas de Eastwood es ese sabor amargo de derrota a medias, de que hagamos lo que hagamos el resultado siempre va a ser el mismo: dolor, muerte, mugre y desconcierto.

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Un perro andaluz

 

Una nube corta el ojo abierto de la luna, como si el mirar -el zapping del hastío- desmitificara las imágenes, convirtiendome en espectador televisivo, fantasma de trozos arrugados que recibe y recibe sin dar nada a cambio, con sondas de plástico flexible enchufadas a cada  orificio de su cuerpo imperfecto, cuerpo que debe ser moldeado, confeccionado o destruido por no amoldarse a los canones catódicos. 


Los tres entierros de Melquìades Estrada

Estar indocumentado,desplazado,refugiado y demàs circunstancias que hagan de uno un extraño,un extranjero- habìa escrito "Ser indocumentado...,etc",pero pensè que estas palabras describen una situaciòn y no una condiciòn humana-, quizàs otorga una invisibilidad màs allà de lo corpòreo, que resta interès y dignidad sobre nosotros.

Esta invisibilidad rodea a Melquiades Estrada desde el principio de la pelìcula:nunca lo vemos de verdad sino a travès del recuerdo de los demàs personajes , y cuando lo hacemos lo encontramos investido con la fragilidad del càdaver que se borra, se pudre y se consume.

Pero Pete no està dispuesto a que su mejor amigo, por muy indocumentado que estè, pierda la dignidad. Inicia una bùsqueda de justicia que restituya su visibilidad como ser humano.

Y sin embargo,la precariedad aletea sobre Melquiades, impidiendo que su pasado sea real, de manera que tras una accidentada travesìa, su amigo y su victimario se vean obligados a construir ese pasado,inventar tal  lugar para que Melquiades tenga a donde volver y deje de ser un paria y un desclasado...

En esta primera cabalgadura de Tommy Lee Jones tras las càmaras, encuentro un universo tan sòrdido que,por momentos , me recordò las pelìculas dirigidas por Clint Eastwood, pero en Los tres entierros de Melquiades Estrada aparece un humor,negro por cierto, que no existe en las pelìculas de èste ùltimo, como cuando Mike se acerca a su esposa en la cocina y ,mientras la penetra,ella observa languidamente una telenovela que pareciera representar las palabras que ninguno de los dos puede decir, y màs tarde,ya en Mexico,Mike vuelve a ver esta telenovela y rompe a llorar sin que nadie màs sepa por què.

O cuando Pete obliga a Mike a desenterrar el cuerpo del hombre al que matò,y el cadaver de Melquiades pesa tanto que Mike cae sepultado al fondo de la fosa comùn . Nunca antes vì en el cine un remordimiento que pesara y aplastara de esa manera.

Los tres entierros de Melquiades Estrada, dirigida por Tommy Lee Jones.


Flores rotas

Creo que la parte màs interesante del mito de Don Juan no se refiere a sus innumerables conquistas, sino a ese hàlito de caìda y redenciòn en el que se ve envuelto, como si tuviera que pagar por obtener todo ese placer y conocimiento.

En el caso de Don Johnston en Flores rotas, interpretado por un Bill Murray insuperable en esta ocasiòn, totalmente  enajenado,la expiaciòn de un Don Juan en franca decadencia no consiste en pagar por lo obtenido sino por lo no dado.

Ya desde un primer momento, cuando su actual pareja lo abandona, Don parece incapaz de exteriorizar sus sentimientos, permanece al margen, sentado en el sofà de su casa, la mirada perdida en el vacìo.

Màs tarde  recibe  una extraña carta en papel y sobre de color rosa, en la que se le informa de la posible existencia de un hijo suyo, producto de una de sus relaciones del pasado. Don muestra la carta a  su vecino y amigo, aficionado a las peripecias de misterio e investigaciòn, que lo convence de iniciar una bùsqueda, para lo cual lo provee de todo, mùsica incluida, excepto de entusiasmo.

Una galerìa de personajes sumidos en un mundo color de rosa, pero no muy feliz  segùn se alcanza a ver, se sucede a partir de aquì, en una espiral cada vez màs surreal, hasta que Don decide regresar a casa y olvidarlo todo.

Sin embargo,en una cafeterìa conoce a un chico, a quien confunde con su posible hijo, y por primera vez en la pelìcula, y tal vez por primera vez en mucho tiempo, Don se abre  ante otra persona, obteniendo a cambio, no la redenciòn, sino el regreso de su  novia a su vida.

Estructurada en bloques que cierran con un fundido en negro, lo que màs me gustò de esta pelìcula de Jim Jarmusch fue la banda sonora y la actuaciòn de Murray...

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Immortel (Ad Vitaem)

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Extraña película que mezcla actores reales con animación, nos muesta un mundo futuro regido por una multinacional farmaceutica, en el que coinciden una especie de puerta interdimensional llamada "La Intrusión" y una nave espacial en forma de piramide que transporta a los mismísimos dioses del antiguo Egipto.

De esta manera coinciden Nikopol, un antiguo rebelde condenado a treinta años de prisión en criogenia, una chica de cabello azul llamada Jill y el dios Horus quien ha sido condenado a muerte por sus hermanos, y antes de cumplir la sentencia pide se le otorgue un último viaje al mundo que él creó,  el lapso de un latido d ela divinidad que corresponde a siete días humanos; Horus necesita un cuerpo humano en el cual reencarnarse, pero los humanos farmaceuticamante mejorados no soportan la presencia del dios, explotando de adentro hacia afuera, hasta que un accidente conlleva la liberación de Nikopol, quien se torna en receptaculo propicio para Horus, iniciando así la búsqueda y conquista de Jill, una chica proveniente de la Intrusión que no recuerda nada de sí misma, pero cuyo dstino es convertirse en humana. Lo que ni Jill ni Nikopol saben, es que ella es una de las únicas en el universo capaz de procrear con un dios, y es esta la razón por la cual Horus  la elige para ser depositaria de su hijo, antes de entregarse a la triste suerte que le tienen reservada sus hermanos.

Aunque el guión es algo oscuro, Immortel es un soplo de aire fresco en la ciencia ficción cinematografica que se puede apreciar por estos lados, dedicada exclusivamente a los productos de entretenimiento del cine norteameicano con extraterrestres a bordo.

Linda Hardy ya pasó a ser parte de mi altar personal de actrices de culto...

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V de venganza

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Las ùltimas utopìas cinematogràficas que he visto, Equilibrium (Kurt Wimmer,2002) y V de Venganza (James McTeigue,2005), tienden, como cabrìa esperar, hacia el final feliz, como si no se quisiera defraudar al espectador que ha pagado el precio de su entrada y ha comprado gaseosa y crispetas, un domingo por la tarde.

Yo que he visto ambas pelìculas en casa y en versiones piratas, me pregunto:¿ Es realizable todavìa una revoluciòn en nuestra sociedad? ¿Y no es contradictorio que que este profundo anhelo nos sea mostrado a travès de productos que , claramente, sòlo buscan entretener?

"La exigencia revolucionaria està viva, pero al no actualizarse en la pràctica, se consume en la idea de la Revoluciòn. Como idea, la Revoluciònes, en efecto, eterna, y serà eternamente consumible por la misma razòn que cualquier otra idea pues todas, hasta las màs contradictorias, pueden coexistir como signos de la lògica idealista del consumo", nos dice Baudrillard. Y continua:"La etimologìa es edificante:"todo se consume"="todo se consuma" y sin duda, tambièn, "todo se destruye". La Revoluciòn se "consume" en la idea de Revoluciòn significa que la revoluciòn se consuma (formalmente) y se aniquila: lo que es dado como realizado es, desde ahora, in-mediatamente consumible" (1).

Màs allà de su planteamiento, V de Venganza es una pelìcula de ritmo irregular, a veces trepidante, otras exasperante a fuerza de no pasar nada, Con Natalie Portman convincente en la parte màs fràgil de su personaje, al principio de la pelìcula, y no tanto en la faceta màs "dura" hacia el final.

Me parece que la pelìcula acierta al recuperar el estereotipo del hèroe de capa y espada, el anònimo y rocambolesco justiciero enfundado tras una màscara. Tambìèn el hecho de que la acciòn transcurra en  un contexto màs "real", aunque el intento de hacer de la poblaciòn en general un personaje màs se queda precisamente en eso, con el clichè de la niñita tierna que descubre que todo està mal y sale a la calle para cambiarlo, cayendo abatida por las fuerzas del oreden imperante...

Pero de que entretiene, entretiene.

1. Jean Baudrillard. El sistema de los objetos, Siglo Veintiuno editores, S.A. , Mèxico, 1999.

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Brokeback Mountain

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De acuerdo al crìtico de cine español Quim Casas, una de las constantes en el cine de Ang Lee serìa "la idea de un còdigo social muy estricto,"que propende a la obediencia y a la contenciòn", segùn palabras del cineasta, y que es horadado por un concepto  romàntico del amor" (1).

Esta caracterìstica "aparece tanto en su cuarto largometraje, Sentido y Sensibilidad (Sense and Sensibility,1995) (...), como en el sèptimo, Tigre y Dragòn (Wo Hu Zang Long/Crouching tiger, Hidden dragon,2000)..." (2).

Y por supuesto se hace presente en Brokeback  Mountain.

Creo personalmente que  la tan cacareada relaciòn amorosa entre dos hombres es, en este film, irrelevante, frenta a los mecanismos de represiòn tanto interiores como exteriores que les impiden llevar a cabo su uniòn.

Los personajes se ven obligados a hacer todo tipo de concesiones y negativas para no verse abocados a la destrucciòn, en un medio que les niega la posibilidad de ser individuos, y como tales, diferentes. Es como si el amor y la comuniòn entre dos seres ya no estuviera dominada por conceptos platònicos como los mitos andròginales, o romànticos con el sentimiento como exaltaciòn del yo y la naturaleza, sino por esa faceta de lo politìcamente correcto, donde cualquier otro punto de vista puede -y debe- ser considerado peligroso y hasta "terrorista".

Y no obstante, se abre un resquicio de libertad personal, en la agreste montaña Brokeback, para romper el aislamiento que , al inicio de la pelìcula, parece ejercer sobre los personajes, con esos inmensos planos en los que apenas se ven, contrapuestos con las tomas màs cerradas cuando los dos protagonistas  se estrechan entre  sì en apasionados abrazos, y que rematan con la imagen de una postal y una ventana con la montaña al fondo, planos reducidos al tamaño del recuerdo y de la identidad reencontrada...

1. El fin de la inocencia. Ang Lee. Quim Casas. Revista Dirigido por... Nùmero 325, Julio-agosto de 2003, pàgina 38.

2. Ìb.

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El cine segùn Baudrillard

Tomemos el cine como ejemplo para ilustrar este asunto de la ilusión: en el curso de su evolución, en el curso del progreso técnico del cine, al pasar del cine mudo al parlante, al color, a la alta tecnicidad de los efectos especiales, la ilusión (en el sentido fuerte del término) se retiró, se desvaneció. En la medida en que la técnica y la eficiencia cinematográficas dominan, la ilusión se va. El cine actual ya no conoce (digamos en general) ni la ilusión ni la alusión; se entrega a un modo hipertécnico, hipersofisticado, hipereficaz, hipervisible; ya no hay vacío, no hay elipse, no hay silencio (como tampoco en la televisión, hoy, con la que el cine se confunde más y más).

Nos acercamos cada vez más a eso que llaman la «alta definición» de la imagen, es decir, a la perfección inútil de la imagen. A fuerza de ser real, a fuerza de producirse en tiempo real, mientras más lograda la definición absoluta, la perfección realista de la imagen, más se pierde el poder de la ilusión.

(...)Siempre al añadir a lo real, al añadir real a lo real, con el propósito de una ilusión perfecta -la del estereotipo realista, perfecto-, se termina matando la ilusión de fondo.

La pornografía, por ejemplo, al añadir una dimensión a la imagen del sexo, le quita una dimensión al deseo y descalifica toda seducción. Y el apogeo de esta desimaginación de la imagen, de la pérdida de imaginación de la imagen, para hacer que una imagen no sea ya una imagen, es hoy la imagen de síntesis, o sea, todo lo que tiene que ver con la imagen numérica, la realidad virtual, etcétera.

Ahora bien, una imagen es justamente una abstracción del mundo, en dos dimensiones; es lo que le quita una dimensión al mundo real y, por eso mismo, inaugura el poder de la ilusión. La virtualidad, por el contrario, al hacernos «entrar» en la imagen, al recrear una imagen realista de tres dimensiones, o al añadir una cuarta dimensión que vuelve a lo real hiperreal, destruye esta ilusión. La virtualidad tiende a la ilusión perfecta, pero ya no se trata en absoluto de la misma ilusión creadora y artística de la imagen; se trata de una ilusión realista, mimética, hologramática que acaba con el juego de la ilusión mediante el juego de la reproducción, de la reedición de lo real; no apunta más que a la exterminación de lo real por su doble.

A la inversa, el trompe-l'oeil, por ejemplo, que le quita una dimensión a los objetos reales, vuelve mágica la presencia de éstos y encuentra el sueño la irrealidad misma en la exactitud minuciosa de la imagen. El trompe-l'oeil es el éxtasis del objeto real en su forma inmanente, y añade al encanto formal de la pintura el encanto espiritual del señuelo, de la ilusión, del engaño de las formas.

Pero, con la modernidad también perdimos la idea de que la fuerza está en la ausencia, que de la ausencia nace el poder. Ahora, por el contrario, queremos acumular, acrecentar, agregar cada vez más, y ya somos incapaces de enfrentar el dominio simbólico de la ausencia. Por eso mismo estamos hoy sumergidos en una especie de ilusión inversa, una ilusión desencantada: la ilusión material de la producción, de la profusión, la ilusión moderna de la proliferación de las imágenes y de las pantallas.

(...)El arte nunca es un reflejo mecánico de las condiciones positivas o negativas del mundo, sino más bien la ilusión exacerbada, el espejo hiperbólico de éstas. En un mundo condenado a la indiferencia, lo único que puede hacer el arte es «añadir» a esa indiferencia, girar en torno al vacío de la imagen, del objeto que ya no es un objeto.

(...)El arte se ha vuelto iconoclasta, pero esta postura iconoclasta moderna ya no consiste en destruir las imágenes, como la de la historia; más bien consiste en fabricar imágenes, hasta en fabricar una profusión de imágenes en las que no hay nada que ver. Son literalmente imágenes que no dejan rastros, no tienen consecuencias estéticas, propiamente hablando, pero detrás de cada una de ellas algo ha desaparecido. Este es el secreto, si es que hay uno, de su simulación. Entonces son simulación: no sólo ha desaparecido el mundo real, tampoco puede plantearse siquiera la pregunta por su existencia.

 Tomado de La ilusiòn y la desilusiòn estèticas en  www.analìtica.com/va/arte/portafolio/4417813.asp

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El Rey en ojos de video tape

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Màs tv que cine.

Es un secreto a voces: Stephen King no siente gran aprecio por la adaptaciòn de El Resplandor que en 1980 realizò Stanley  Kubrick, secundado por Jack Nicholson y Shelley Duval. Sus libros han seducido a directores de la talla de Brian De Plama (Carrie, 1976), Jhon Carpenter (Christine,1983), David Cronemberg (La zona muerta, 1983), Rob Reiner (Cuenta conmigo y Misery, 1986 y 1990), George A. Romero (La mitad oscura,1993), Bryan Singer (Verano de corrupciòn,1998) o Lawrence Kasdan (El cazador de sueños,2002). Pero la poca fidelidad demostrada por casi todos ellos hacia los textos originales fue motivo de frustraciòn para un escritor que quiso comprobar que èl podìa hacerlo mucho peor tra la càmara (La rebeliòn de las màquinas, 1986). Asì las cosas, mientras la saga de "Los chicos del maìz" ha alcanzado ya un sèptimo episodio tan inùtil como los seis anteriores, King ha hallado refugio en las 625 lìneas de la pantalla de televisiòn, medio que le permite un mayor control sobre el producto final. El trabajo de Tommy Lee Wallace en It (1990) representò una primera alegrìa y èl mismo se encargò de producir las adaptaciones de La danza de la muerte (1994) y El resplandor (1997), ambas a cargo de Mick Garris, amèn de su propio guiòn original sobre La tormenta del siglo (Craig R. Baxley, 1999). Recientemente, mientras Carrie y El misterio de Salem·s Lot eran objeto de nuevas versiones catòdicas, la serie basada en La zona muerta(...) se convertìa en la obra dràmatica con el màs elevado ìndice de audiencia en la historia de la tv por cable.

Milo J. Krmpotic. 

Tomado de Revista Què Leer, nùmero 82, noviembre 2003, pàgina 40 .

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Ciberpunk

Hernán dice: A propóstio de Matrix Reloaded: Breve introducción a la novela ciberpunk

El ciberpunk logró lo que parecía imposible: que la ciencia ficción se vuelva cool. Mientras que la portación de libros como Tropas del espacio (Robert Heinlein, 1959) era, para ciertos observadores, un signo inequívoco de falta de sexo o de temprana detención del desarrollo intelectual, un ejemplar de, por ejemplo, Neuromante (William Gibson,1984) no proyecta los mismos estigmas. Hasta un prohombre de la elegancia como Bryan Ferry no tiene reparos en involucrarse, en su último disco, con un género que trata de, ug, hackers y computadoras y canta versos de clara inspiración gibsoniana como “Me despierto en Chiang Mai / creo que debo conectarme / escucho llorar a las nenas salvajes / oh viento de neón...”
Si el ciberpunk es tolerable para los censores antinerd es porque el género es una muy calculada celebración de la actitud y el estilo ante todo: aquello que lo representa mejor no es un microchip, una laptop o algún fetiche tecnológico, sino el cuero negro y los anteojos espejados. Tal fue el título (Mirrorshades, 1986) de la primera antología, compilada por Bruce Sterling, en la que participaban el mismo Gibson, Rudy Rucker, John Shirley, Tom Maddox y otros. En el prólogo, Sterling resalta, más que el aspecto ciber, la veta punk de los textos publicados: “Los ciberpunks escriben con una prosa elaborada y grácil pero siempre anteponen su actitud de grupo de garage”. Estilo, actitud: si hubiera que imaginar la escena primaria del ciberpunk, habría que invocar a James Dean, a tope de anfetaminas, conectando su espina dorsal a una consola de última generación, listo para hackear la base de datos de un zaibatsu. Con la antología Mirrorshades, compuesta por relatos previos a la publicación de Neuromante (Gibson, 1984), la primera novela “oficial” del rubro, Sterling identificó a un conjunto de escritores muy diferentes pero que tenían un enemigo común.
Igual que sus pares punk del ’77 frente al rock sinfónico, los primeros ciberpunks, y Sterling en particular a través de su incendiaria revista fotoduplicada Cheap Truth, organizaron una revuelta contra el establishment de la CF. Así como la Nueva Ola de los años 60 y ’70 (Ballard, Moorcock, Delany, LeGuin) reaccionó contra la ciencia ficción “hard” de los ‘40 y ’50 (Campbell, van Vogt, Del Rey, Heinlein) y redirigió su mirada del espacio exterior al interior, el ciberpunk da la espalda a los tópicos de la New Wave (la expansión de la conciencia, los paisajes alucinatorios, las religiones orientales, la liberación femenina o la ecología) para volver a los tres acordes: la relación entre el cuerpo y la tecnología futura. Pero no es exactamente hard. Agotados el espacio exterior y el espacio interior, este género se vuelca hacia una mezcla de ambos: el ciberespacio.
Nacido en pleno auge de la teoría de la posmodernidad, el ciberpunk es un género mixto: combina elementos, “intenta una alianza profana entre el mundo tecnológico y el mundo de la disidencia organizadas, entre la cultura pop y la anarquía de las calles” (Sterling). La teoría posmoderna prestó sus conceptos: la idea del simulacro según Jean Baudrillard, la simulación de una realidad que no existe, es la definición misma del espacio virtual o ciberespacio, el concepto central aportado por Gibson que ya pasó a nuestra habla cotidiana y es explicado en Neuromante como “la representación gráfica de los datos extraídos de los bancos de memoria de cada computadora del sistema humano”. El telón de fondo del ciberpunk está provisto por el paisaje del capitalismo tardío, un mundo dominado por megacorporaciones más poderosas que los estados nacionales, o totalmente atomizado, luego de que la crisis de la sociedad pos-industrial llevara a algún tipo de cataclismo global. Para finalizar con los pos, sus protagonistas son pos-humanos: buscan trascender los límites de la carne, no por una vía espiritual, sino en su alianza entre el cuerpo y las computadoras. No es raro, en consecuencia, que el ciberespacio aparezca irónicamente plagado de referencias a la religión.
El precursor más evidente del rubro viene desde afuera de la literatura: Blade Runner (1982), la película de Ridley Scott basada en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick cedió a Gibson muchas de sus ideas: el narrador hard boiled, su imaginario urbano, la diversidad de las subculturas callejeras. Toda la percepción ciberpunk parece estar modelada sobre lo audiovisual: “El cielo tenía el color de una pantalla de televisión sintonizada en un canal muerto” es la línea que inicia Neuromante e inaugura el género como tal. A partir de este origen, no sorprende que, ya desgastado en la literatura, el ciberpunk perdure en el cine. Aunque sufrió mutaciones para intentar sobrevivir (el steampunk, ucronías producidas por la aparición de computadoras en el siglo XIX; o el necropunk, una versión extrema que involucra el wetware –software orgánico- y el imaginario de la pornografía) tras SnowCrash (Neal Stephenson, 1993), que ensayaba una temprana parodia del género -una señal clara de su agotamiento-, ninguna novela ciberpunk produjo impacto alguno. Los ’90, sin embargo, lo vieron florecer en la pantalla. Desde animés como Ghost in the shell, películas mediocres como El hombre del jardín, Freejack o Asesino virtual o más logradas como Hardware, Días extraños o eXistenZ, el ciberpunk parece estar dominar el cine de ciencia ficción reciente. The Matrix es, desde luego, la película ciberpunk definitiva.

Tomado de www.malelemento.blogspot.com

Aunque no comparto del todo este entusiasmo por Matrix ( tanto asì, que nunca me tomè la molestia de ver las dos secuelas ), pienso que se toca un nervio al señalar pelìculas como Dìas Extraños  y  El Jardinero.

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Beat

Supongo que la fascinaciòn que ejerce la Generaciòn Beat estribe en su desapego hacia las tradiciones burguesas de una sociedad tan  conservadora como la estadounidense, desasimiento que tiene un halo innegable de tragedia.

La pelìcula Beat busca recrear uno de los episodios màs desafortunados en la hagiografìa beatnik: el asesinato de Joan Burroghts a manos de su esposo William, para entonces un escritor en ciernes y heroinòmano adicto.

Desde la escena inicial hasta el epìgrafe que cierra la pelìcula, nos encontramos a joan, interpretada por una, para mì, convincente Courtney Love, intentando convencerse de ir màs allà, de atreverse a conjurar una sobrenaturaleza imprecisa, al mismo tiempo que se ata a un desapacible matrimonio con el homosexual Bill.

Este primer ciclo transcurrido en Nueva York, y que es como una presentaciòn de los personajes, se cierra cuando el joven Lucien Carr asesina a uno de sus compañeros que estaba enamorado de èl . No obtante asesinarlo, se queda con el paquete de cigarrillos del occiso, que luego entrega, manchados de sangre al imperturbable Burroghts, quien se fuma el ùltimo mientras rompe la cajetilla y arroja los pedazos al inodoro...

La segunda parte de la cinta se desarrolla en Mèxico,, donde los Burroghts se han establecido para evitar que Bill vaya a la carcel por posesiòn de drogas.

Se hace patente la adicciòn de Bill a las armas, la distancia abierta entre los esposos (èl digita en la màquina de escribir, ella escribe a mano de espaldas a èl; èl clava en la pared la hoja que acaba de mecanografiar y  le dispara , ella permanece en silencio), la incapacidad de establecer relaciones profundas ( èl no obtiene de su amante màs que migajas duramente arrancadas; ella se entrega al liberado Lucien como parte de su condena, como una situaciòn màs en su descenso) . Y sin embargo, ambos vuelven a juntarse, a tratar de seguir, acuerdan continuar a pesar de la incomprensiòn, tal vez porque la soledad es peor que la incomunicaciòn y uno se aferra con vehemencia aunque sepa y sienta que està siendo arrastrado.

Y ella recibe un tiro en la cabeza.

No por celos ni malignidad ni por tentar una posible revelaciòn. Simplemente un disparo mortal.

Beat, dirigida por Gary Walkow.

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Talk

Hace un par de noches vì el video de la canciòn Talk de Coldplay.

Un robot solitario durmiendo en un planeta desolado en alguna parte del espacio sideral.

Cuatro viajeros interplanetarios lo despiertan para charlar con èl, sòlo para acabar engullidos como galletas...

Pero...¿sueñan los robots con agrupaciones de rock?

"El robot, como su nombre lo indica, trabaja" (1). El robot "està dominado por el principio tècnico , es un logro de la màquina, y con la màquina es la equivalencia lo que se instala" (2).

Mientras el autòmata no busca reemplazar al hombre, sino por el contrarioo, interactuar con èl, ser su interlocutor, incluso entra en la angustia de la apariencia y el ser, el robot sòlo participa en la producciòn -y reproducciòn-, del ensamblaje en la cinta sin fin. El robot no se hace preguntas. No conoce la angustia porque no està hecho a imagen y semejanza del hombre. El robot es "una realidad sin imagen, sin eco, sin espejo, sin apariencia" (3)

"No màs semejanza o desemejanza, de Dios o del hombre, sino una lògica inmanente del principio operacional" (4).

El robot no charla, unicamente busca mantenerse activo para continuar con el trabajo.

Y una galleta con sabor a peregrinos galàcticos elimina todo mal sabor de boca, cualquier cuestionamiento sobre lo arcano...

El video està dirigido poor Anton Corbijn , responsable tambièn de video-clips como One de U2 y The hero of teh day de Metallica.

 

1. Jean Baudrillard, El intercambio simbòlico y la muerte.

Monte Avila Editores Latinoamericana. Caracas, 1992. Pàg. 63.

2. Ibid. Pàg 62-63.

3. Ibid. Pàg 64 .

4. Ibid. Pàg 64. 

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La habitaciòn del pànico

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David Fincher parece estar dispuesto a demostrarnos, pelìcula tras pelìcula, que las concepciones de seguridad y bienestar con las que la sociedad nos rodea, e incluso nos engatuza, son tan fràgiles como todo en la condiciòn humana.

En La habitaciòn del pànico, la seguridad y protecciòn que nos brinda nuestra propia casa -nuestro propio yo-, se ven repentinamente amenazadas, puestas en duda, y la ùnica manera de preservar un poco la integridad es aislandonos, violentando la convivencia, sacrificando la comodidad en aras de la supervivencia.

En una sociedad acostumbrada a "verse", a "mirarse" como espèctaculo muchas veces intrascendente, como mero entretenimiento -Jaded Leto hace una alusiòn a la serie televisiva McGyver, cuando Forrest Whitaker intenta amedrentar a sus encerradas vìctimas con un cilindro de gas, y luego el mismo Whitaker ironiza sobre el actor Joe Pesci en sus papeles de gangster-, pasamos a la pantalla vigilante, a esa especie de Gran Hermano angustiado que observa como su pretendida seguridad se viene abajo -un poco Sliver de Phillip Noyce pero al revès-, hasta el momento en que Jodie Foster rompe todas las càmaras de la casa en su afàn por salir vivos, ella y su familia, de una situaciòn extrema.

Sin  embargo, La habitaciòn del pànico no alcanza las mismas cotas de dramatismo e ironìa o extrañamiento de pelìculas anteriores.

Sus personajes no sufren transformaciones tan radicales -el personaje interpretado por Foster al principio demuestra cieta tendencia a la claustrofobia que despuès no vuelve a aparecer- , ni encontramos esa irrefrenable fatalidad que niega los finales felices. El de esta pelìcula casi lo es, con la inquietud que deja pensar que la ùnica manera de mantenerse indemne al interior de esta sociedad, resulta ser casi invisible...

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Heidi

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"Abuelito, dime tù

por què me voy, por què me voy..."

Con esta sencilla canciòn se iniciaba el exilio de Heidy, lejos de las montañas, de su abuelo, de su amiguito y su oveja preferida.

Heidi, junto a Corazòn, fueron dos series que,  basadas en clàsicos de la literatura occidental,  tocaron nuestro lado màs  sensible, sustentadas por una excelente  animaciòn, historias complejas y personajes bien trazados.

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Malos de pelìcula

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Malos de película
¿Quién no ha tenido pesadillas con Freddy Krueger haciéndose la manicure con los cuchillos de la cocina? y ¿quién no se ha imaginado alguna vez a Norman Bates, de Psicosis, alzando un cuchillo al otro lado de la cortina de la ducha?

Por Gemma Gil

El panteón de villanos de película cuenta con una nutrida representación de ilustres. El primero es el único e inigualable Darth Vader, de la Guerra de las Galaxias. Su capa negra y su espada láser son al uniforme del antihéroe como el traje sastre a una colección de Chanel. Seducido por el lado oscuro de la fuerza, su respiración agónica lleva poniendo los pelos de punta a varias generaciones de espectadores desde 1977. El despiadado Vader, capaz de intentar aniquilar a su propia progenie, opacaba con su presencia al joven Luke Skywalker, héroe del western galáctico ideado por George Lucas.

Pero si hay un perverso que se gane por goleada la predilección del público ese es Hannibal Lecter, más conocido entre los círculos policiales de Nueva York como Hannibal el caníbal. Interpretado por Anthony Hopkins, el malvado de El silencio de los Inocentes tenía tal habilidad para exasperar a la gente, que sus vecinos de celda eran capaces de suicidarse tragándose su propia lengua antes que seguir escuchándole, que ya es decir. La perversidad refinada de Hannibal encontró eco en dos nuevas películas. Ninguna de ellas consiguió el éxito en taquilla del primer largometraje, no obstante, las secuelas dejaron otra escena para el imaginario colectivo: ¿quién no se ha preguntado si realmente es posible que alguien se coma tu cerebro mientras todavía estás consciente?

Y si hablamos de mentes retorcidas nadie como Norman Bates, que se dedicaba a apuñalar mujeres vestido como su madre. Solo con ver los exteriores de la casa de Psicosis, el espectador ya sabía que ahí no podía ocurrir nada bueno. Anthony Perkins encarnó, con su apariencia de yerno adorable, a uno de los antihéroes más famosos de la obra de Alfred Hitchcock. Lo más inquietante es que el personaje estaba inspirado en Ed Gein, uno de los asesinos más famosos de Estados Unidos. Gein que, además de homicida era caníbal, mató y se comió a cuatro mujeres entre 1954 y 1957.

Alfred Hitchcock, maestro a la hora de retratar malos memorables, decía que el peso de las películas debía recaer sobre los villanos. Una filosofía que fue seguida al pie de la letra por Stanley Kubrick en The Shining. La mirada de Jack Nicholson en la piel de escritor poseído era suficiente para alterar los nervios del espectador más templado. Y eso, por no referirnos a ese par de gemelas de ultratumba que se empeñaban en aparecer por los pasillos del hotel para preguntar al patojo aquello de “¿quieres jugar conmigo?”. Menos mal que el niño tenía poderes paranormales.

Aunque para superpoderes los de Saruman en la trilogía de El Señor de los Anillos. El mago, interpretado por Christopher Lee, estaba envenenado por el poder maléfico del Señor de Mordor y, al contrario que todos los hombres solteros, no escatimaba en recursos para ponerse en el dedo el Anillo Único.

Y es que en el género de ciencia ficción el peso específico de los malvados no tiene parangón: Alien, Depredador, Godzilla. Casi todos con un aspecto repugnante como denominador común.

No obstante, en cuestiones de villanía no todo tiene por qué ser gris o inmundo, si no, baste con recordar al vividor de Lex Luthor, ese malísimo dispuesto a borrar California del mapa si Superman no lo remedia a tiempo.

Hasta ahora sólo hemos hablado de perfiles malignos en género masculino, pero de féminas perversas el mundo del cine está lleno. Mención especial merece el papel de Glenn Close como Cruella de Vil en 101 dálmatas. El personaje lo tiene todo, cara de bruja, voz estridente y un propósito tan malévolo como estúpido: despellejar a 101 cachorros para hacerse un abrigo.

¿Y qué decir de la Bruja del Oeste del Mago de Oz?, ¿O de Annie Wilkes, esa julieta de Misery dispuesta a descuartizar a su amado antes que poner fin a sus fantasías?
De carne y hueso o de ficción, histriónicos o apacibles, humanos o zoomorfos, cuando se trata de dar rostro a la maldad, el cine no escatima recursos. Son la salsa de las películas, los personajes que siempre recordamos. Y además, si no fuera por la perversidad de losmalvados qué aburridos serían los héroes.

Tomado de Revista D en www.prensalibre..com.

Nùmero 34, 27 de febrero de 2005

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Historia del video-clip

Formato Clip. Primera parte
Diego Saucedo Tejado
24/07/2004

CONCEPTO DE VIDEOCLIP

Cuesta, claro que cuesta. La heterogeneidad de sus formas, la compleja maquinaria que lo sostiene, la multitud de profesionales que en él participan, su breve pero intensa historia, provocan que el acercamiento hacia el concepto videoclip sea harto complicado. Sin embargo, después de mucho leer y desentumecer el cerebro reflexionando sobre el tema, puedo afirmar que el análisis del término discurre entre dos vertientes, antagónicas pero conectadas entre sí:
Por un lado, queda patente la innegable función comercial del producto. El videoclip tiene como primer objetivo la venta de un disco, de una canción interpretada por un grupo. A través de la promoción publicitaria, que puede incluir spots televisivos, posters callejeros, videoclips en la MTV, se llega a la creación de una imagen corporativa, como la de las grandes empresas. Esta imagen es acorde a las preferencias materiales y/o ideológicas de su público objetivo y en gran parte, de ella dependerá el éxito o fracaso comercial del disco en cuestión. Claro que también contará la calidad de la música, aunque en mucha menor medida de la que podamos imaginar. Así de triste es el mundo que hemos creado.
La otra vertiente en la que se fundamenta el videoclip parece la más interesante y es en la que intentaré centrarme. Me refiero a la perspectiva artística del asunto, las formas de descripción y narración, los parámetros espacio-temporales en los que se fundamenta los efectos y técnicas utilizadas, la escuela marcada por los más importantes directores, etc. A través de una serie de códigos connotativos del producto audiovisual podemos llegar a una definición plausible, formal y muy generalizada de lo que es el término:

Un videoclip es un formato audiovisual complejo sometido al ritmo y tempo de un tema musical que marcará su duración, pero no así su saldo o tema, pudiendo ser éste lineal, complementario o totalmente conceptual o metafórico. Caracterizado por la radicalidad y experimentación en materia de efectos visuales y por la agilidad de sus cortes, el clip se basa en texturas, filtros y contornos que le otorgan una identidad propia a cada uno, pudiendo afirmar que, con seguridad, no existen dos videoclips iguales. Sus formas y estilos han ido evolucionando desde su creación, y nada mejor para ahondar en el concepto que hacer un recorrido a lo largo del siglo XX, para ver de dónde viene, quién lo introdujo y algunas cuantas curiosidades más.

ANTECEDENTES Y UN POCO DE HISTORIA

La asociación entre la música y la imagen en movimiento no surge como tal, hasta que el cine decide irrumpir en pantalla. Resulta conveniente citar las experiencias sinestésicas que mantenían compositores como Schönberg con pintores como Picabia o Kandinsky, en las que se hacía una perfecta combinación de música, imagen, color y sonido. El cine, las vanguardias, la televisión y la tecnología aplicada a la imagen, asistirán a la creación de un nuevo formato audiovisual, el videoclip, que cuenta con numerosos antecedentes:

Oskar Fischinger, cineasta de las vanguardias europeas, comenzó a crear las primeras obras de música visual. Durante los años 20, realiza pequeñas películas animadas en las que las imágenes intentaban adaptarse a la música, normalmente jazz. Fue el primero en aplicar el color y el sonido, utilizando la geometría, el movimiento y el espacio como recursos de relación con el tema musical.
En los años 30, surge el cine sonoro con el estreno de El cantante de Jazz y en los 40 se inaugura en Hollywood un nuevo género: la comedia musical. Modificando las estructuras del relato clásico, los directores insertaban piezas bailadas, donde los cambios de plano eran marcados por la música. Pero no sólo eso. El movimiento de cámara, los gestos de los actores y actrices, la coreografía, danza y escenografía se supeditaban a los temas musicales elegidos para la película. En la décadas de los 50 y 60, este género seguirá diversificándose hacia la creación de los mitos musicales como Elvis Presley o Los

Beatles. A partir de estos iconos se comenzarán a hacer películas creadas para el lucimiento personal del artista, complementando la historia con las grandiosas actuaciones musicales del protagonista. Se comienza a descubrir a la juventud como gran público consumidor al que se le empieza a educar audiovisualmente.
Pero la película musical por excelencia, que fue precedente de los videoclips la dirigió Richard Lester en 1964 y la tituló "A Hard Day´s Nigth" (Qué noche la de aquel día). Con influencias del cine underground, la Nouvelle Vague, el Free Cinema Inglés y el Cinema Verité, en la cinta se producen una gran cantidad de innovaciones, como la ruptura de las convenciones espacio-temporales, los continuos saltos de eje, espontaneidad documental, instintiva interpretación de los actores, que hicieron que el film estableciera muchos de las reglas que todavía en la actualidad, dominan en la realización de videoclips.

Alejándonos un poco del cine, se podría decir que el Scopitone es el primer antecedente directo del videoclip. Después de la caída del Panoram, un aparato que reproducía ochos cortos musicales de 3 minutos que se ponían en una sola cinta, surge alrededor de 1960, un nuevo aparato que reproducía filmes a color y daba al consumidor la libertad de hacer selecciones específicas de sus canciones. Es el ya mencionado, Scopitone. Los videos musicales de aquella época tenían una máxima clara: ilustrar la canción y hacerlo de manera sexy.
Si surgió el Scopitone fue como reclamo para que el público acudiera más a los bares, ya que éste se encontraba demasiado enganchado a la recién inventada televisión y no salía demasiado de casa en su tiempo libre.
Los primeros programas de TV que comienzan a combinar música y actuaciones son los talk-show. Al principio, la simplificación de escenario y aspectos técnicos, limitaba al solista a interpretar su tema a cámara. La fórmula del playback permitió a aquellos solistas despreocuparse por su calidad vocal y a centrarse en la coreografía, expresiones faciales, posturas corporales... supone una clara apelación al espectador, materializado en la cámara en un intento de implicación y también de seducción.
Se empezaron a distribuir (de forma reducida) videos de actuaciones filmadas, en concierto o en estudio, y se vio que aquello funcionaba y que necesitaba expandirse. Surge el que se considera el primer videoclip de la historia: Bohemian Rhapsody, del grupo Queen, dirigido por Bruce Gowers y que data de 1975. Su repetida emisión por TV provocó no sólo que el single estuviera durante 9 semanas como número uno, sino que aquella canción se convirtió en el himno insustituible de una época y marcó un antes y un después dentro de la música rock. El clip es considerado hoy "La mamá" de este tipo de formato audiovisual.
Después de este éxito apabullante no tardarían en llegar muchos más, que trajo como consecuencia más directa la creación en EEUU de un canal por cable dedicado exclusivamente a la emisión de videoclips las 24 horas del día. Me refiero a la MTV, que nace el 1 de agosto de 1981 con unos cuatro millones de suscriptores iniciales. Número que crecería espectacularmente en los años posteriores. El primer video que emitió fue "Video Killed de Radio Star" interpretado por The Buggles.
La aparición de la cadena impulsó un profundo cambio en las formas de difusión y promoción de la música. Aquella nueva plataforma conseguía competir con las estaciones FM de radio, que se dedicaban únicamente a programar a los grupos más exitosos del momento. MTV se convirtió en la única manera de promoción para los grupos noveles, que emitía en stereo y además difundía imagen. Cosa que la radio no hacía. Asimismo, se produjo otro cambio más doméstico: se compaginaba sintonización de esta cadena con las tareas del hogar ya que ésta, no exigía una atención total sino parcial. La MTV introdujo los videoclips en los colegios y bares, asegurándose la captación de la audiencia juvenil que va desde los 12 a los 34 años.
Desde su creación, otros muchos canales se han dedicado en exclusiva a la emisión de videos musicales (más de quinientos sólo en EEUU). Pero es MTV la que se lleva el gato al agua, con su expansión a Europa en 1981, el nacimiento de MTV Brasil en 1990, MTV Asia cinco años después y MTV Latino en 1993. Sus cifras en la actualidad son inmejorables: más de 300 millones de suscriptores en todo el mundo.

Los videoclips producidos en los 80 estaban llenos de colorido, siendo deudores de la estética pop tan valorada en décadas pasadas. Por norma general, contaban con el solista cantando en una

escenografía bastante simple, profusa en colores pastel, contoneándose mientras se iban haciendo cortes que conseguían diversas tomas del protagonista, generalmente con planos contrapicados de gran duración si los comparamos con los que se hacen en la actualidad.
Duran Duran consiguió a base de jugar con sus videoclips, una imagen que conquistaría la década de los 80, convirtiéndolos en la mejor banda pop de la década. De entre sus vídeos destacan "The reflex" o "Wild Boys" ambos dirigidos por Russell Mulcahy.
Michael Jackson fue otro de los visionarios y enseguida contrató a John Landis para que dirigiera alguno de sus clips. El más famoso fue, sin lugar a dudas, "Thriller", que contaba una historia de terror complementada con un muy creíble maquillaje y coreografías que marcaron a toda una generación. Fue de los primeros que decidió cambiar el formato típico de vídeo que se iba a haciendo para contar una pequeña historia, como una mini película de tres minutos de duración. Una reorientación hacia el séptimo arte que se resumía con una regla no escrita, pero bien presente en el espíritu de los directores "cuando más parecido fuese el clip a una película de cine, mejor".
Sin embargo, a pesar de la gran expansión que el videoclip tiene el mundo, sufre una crisis a principios de los años 90. ¿La causa? Una combinación entre desinterés por parte del público ante la novedad que deja de ser novedad y una gran falta de propuestas creativas y expresivas. Muchos se temían que el videoclip hubiera tocado fondo. Pero allí estaban la informática, la infografía y una nueva oleada de directores que renovarían el panorama del singular lenguaje del videoclip.


EL PANORAMA ACTUAL DEL CLIP

La década de los 90 se ha dado en llamar "dorada" por la multitud de cambios que se dieron. El primero y más importante, un devenir en el formato que negará cualquier tipo de historieta para volverse descriptivo, antinarrativo y esteticista. Fueron dos los fotógrafos los que tuvieron más que ver en este cambio: Anton Corbijn, que llevó a Depeche Mode a la cima gracias a imágenes manipuladas desde un laboratorio: mezcla de soportes y texturas, desenfoques, virados... Y Jean-Baptiste Mondino que dirigió entre otras a Madonna en su polémico "Justify for love". Otra figura importante es Tim Pope, que ha conseguido durante quince años perpetuar la imagen siniestra de The Cure, a través de videoclips impactantes, innovadores y de gran calidad técnica, que rayan desde lo infantil hasta lo experimental. Su visión oscura y minimalista lo llevaron a dirigir "El cuervo 2: ciudad de ángeles".
Loquillo define al videoclip como "una escuela de cine" y su parte de razón tiene, ya que los más exitosos videoclippers probaron suerte en el mundo del cine, como Pope, aunque con desigual suerte. Sin embargo, desde el surgimiento del videoclip varios directores han vuelto sus ojos hacia él como una de las formas de expresión más libres y sobre todo, única.
Kevin Godley y Lol Creme, aparte de ser músicos profesionales, han realizado numerosos videoclips, con experimentos fotográficos con disolvencias en "Cry", considerado por MTV como uno de los mejores 100 videos de la historia. También han dirigido a Police, Duran Duran, Blur, Sting o U2 entre otros.
Alex Proyas dirigió a Crowded House en "Don´t dream it´s over", aunque es más conocido por ser el director de "El cuervo", film en el que falleció Brandon Lee durante el rodaje, lo que visto desde una perspectiva maquiavélica, ayudó a engrosar la taquilla. Samuel Bayer, declarado "porrero anarquista" supo encontrar la esencia de Nirvana al hacer uno de los mejores videoclips hasta la fecha "Smells like teen spirit". Significó la llegada del grunge como corriente opuesta al rock ochentero, lleno de hairspray, donde el aspecto y la imagen lo eran todo.

Pero la tendencia que se considera más vanguardista viene de Europa, y en especial de Francia, país que ejerce en la actualidad poderosa influencia sobre el medio.Y es que en la corta historia del videoclip, dos de las más grandes influencias han sido el ya citado J.B. Mondino y Michel Gondry.
"Gondry probablemente ha puesto el vídeo pop al nivel del arte real. Hay más invención, inteligencia, poesía, emoción y generosidad en cada uno de sus vídeos que en el 95% de los actuales largometrajes. "Bachelorette" de Björk, "Around the world" de Daft Punk, son gemas, llenas del tema de la infancia, constantemente invirtiendo hechos y ficción, inyectando una rara fe creciente en el gesto artístico". Por lo que parece, los críticos no lo tratan del todo mal, según sugiere la cita que he escogido de uno de ellos.

Este prolífico director, ha realizado videoclips desde 1992 para Sinead O´Connor, Chemical Brothers, Radiohead, Kylie Minogue, Sheryl Crow, Rolling Stones o Foo Fighters.

Spike Jonze

La lista de artistas con los que ha trabajado es larga y extensa: entre otros, se han puesto delante de su cámara Björk, Beastie Boys, Fatboy Slim, Breeders, Daft Punk y REM. Jonze explica su pasión por el videoclip: "Este formato te permite hacer lo que sea, cualquier cosa, por eso me gusta. Y encima en tres o cuatro minutos. Supongo que debe resultar difícil condensar una historia que se puede ser compleja en tan poco tiempo pero, cuando lo puedes hacer de cualquier manera, literal, metafóricamente, emulando cualquier género o arte, no tiene por qué serlo. No pasa como con el cine: aquí es inspiración absoluta, una historia con un personaje, sin él... Lo puede ser absolutamente todo".
Jonze ha explotado todas las posibilidades narrativas que el videoclip permite. Su estilo tiene una identidad propia, expedida por él mismo: un personaje original, estrambótico y algo enclenque. Sus vídeos parten de un personaje base y de las relaciones que ejerce con el medio. Los cantantes parecen convertirse en actores, lo que le ha llevado irremediablemente al cine.
Su primera película, Cómo ser John Malkovich, sentó las bases de un universo personal que se ha caracterizado siempre por la creatividad y la ocurrencia. Obra original donde las halla, su segunda película, "Adaptation: El ladrón de orquídeas" no se quedó atrás, narrando los problemas creativos y de adaptación social de Charlie Kauffman, el guionista de la película, que para la ocasión se inventa un hermano gemelo y lo incluye en los títulos de crédito.


Chris Cunningham

Apodado como el nuevo padre del videoclip, este artista visionario inglés de tan sólo 29 años, ha protagonizado varias de las ediciones de Art Futura recibiendo sonoros homenajes por su influencia en la industria. Sus creaciones le han valido el reconocimiento de crítica y público, que lo han definido como la figura más innovadora y revolucionaria de la historia de los videos musicales. El videoclip que más éxitos le ha reportado ha sido el que hizo para la islandesa Björk titulado "All is full of Love", donde se observan dos perfectos robots que protagonizan una extraña y sensual historia de amor lésbico.
Cunningham afirma "Mucha gente piensa que mis trabajos son terroríficos. Personalmente, yo los encuentro hilarantes. Terroríficos para mí son, por ejemplo, los vídeos de las Spice Girls". Lo suyo es la mezcla de texturas distorsionadas y extrañas imágenes subliminales. Utiliza todo tipo de efectos especiales mecánicos y digitales con el fin de asustar al espectador.
En la actualidad se ocupa de traducir en imágenes la obra "Neuromante" de William Gibson, la cual dio origen al ciber-punk y que definió por vez primera el concepto del ciberespacio. La adaptación al cine de este clásico de la ciencia-ficción se encuentra en fase de pre-producción y no la podremos contemplar hasta dentro de unos años.

 

CÓDIGOS CARACTERÍSTICOS DEL VIDEOCLIP
El componente especial de este tipo de videoclips son los códigos connotativos, con diferentes usos y funciones.
- El código de la imagen. Según Jesús García Jiménez, la imagen del clip es de tipo abisal autorreferencial, y queda definida por el proceso al que es sometido para desplegar su identidad, a través e múltiples efectos.
La tecnología utilizada para filmar suele ser cinematográfica, de excelente calidad, por lo que los presupuestos de algunos videoclips a veces superan al de los largometrajes. La imagen fotográfica se combina con la imagen en movimiento, así como con otras variaciones que inciden en el atractivo del producto: infografía y sobre todo, dibujos animados.

 

 

El cartoon añade un carácter informal, a veces humorístico, introduciendo personajes, situaciones, espacios y efectos que seria difícil conseguir de otra manera. Las imágenes diseñadas por ordenador se utilizan frecuentemente con la misma meta: hacer posibles lugares imposibles, como otros planetas, ciudades imaginarias y connota valores relativos al futuro, como son diseño, tecnología, progreso...

 

El realizador de videoclips suele modificar los aspectos cromáticos para conseguir tonalidades irreales, contrastes y una saturación recurrente y llamativa en los colores. Es de destacar la gran cantidad de clips que se filman en blanco y negro, muy por encima de otros formatos, aunque en la actualidad suele combinarse la monocromía y policromía dentro del mismo vídeo.
Esta utilización de los colores suele marcar dos niveles diegéticos distintos y sirven para separar el presente del pasado, o dos partes dentro de la misma narración. Otro recurso es el insertar objetos de color dentro de espacios en blanco y negro. El objetivo no es otro que el de llamar la atención, proponiendo un mensaje semántico asociado a un objeto concreto.

- El código del espacio. ¿Cómo se construye el escenario un clip? La riqueza del medio electrónico se torna decisiva en muchos casos. Es frecuente la creación de un espacio construido a través de capas o niveles, en los que la imagen será desestructurada o reestructurada. Se crean varios planos espaciales mediante efectos como la incrustación, el crhoma key o a partir de medios infográficos. El videoclip lleva las técnicas a la radicalidad: acelera el cambio de plano, de situación y espacios, provocando una constante transformación de cada los elementos y parámetros que lo forman. Ej. BORN SLIPPY. La imagen se divide, contando con diversos centros. Para lograrlo se crea espacios virtuales (fondos), donde la figura se sucede rápidamente, se divide la pantalla y los flashes de luz se vuelven múltiples, fugaces y muy veloces.
- El código de la transición. Si algo es peculiar en este género es el número de cambios visuales que se producen, marcados por el plano, el cual resulta a veces, difícil de determinar. Las transiciones más utilizadas son dos:
1. El corte o transición no gradual. Es el cambio hecho sin efectos de ninguna clase. Se trata de una sucesión rápida e impactante que no concede respiros al espectador, obligándole a estar más atento y a la rapidez de asimilación de información.
2. El fundido encadenado de imágenes o transición gradual. Un elemento dentro del plano se desvanece y aparece poco a poco otro plano. Al contrario de la lógica cinematográfica, el fundido no significa un salto en el tiempo, simplemente sirve para pasar a otro espacio o secuencia diferente.
Hay que señalar también que el ritmo de transición depende en gran medida del tema musical. Si éste es lento, los cambios visuales no serán tan seguidos como en un tema rápido.
- El código del plano. No suelen ser continuos ni elaborados, ya que retardaría un formato que se define por su celeridad. Se prefiere por tanto la irregularidad de los planos, siendo frecuente la cámara al hombro, movimientos irracionales acusados a veces de atentar contra el buen gusto estético. La oscilación y el cabeceo se combinan con planos cortos y medio cortos, que suelen ser frecuentes. En cuanto a la angulación, muchas veces se opta por un ligero contrapicado que otorga mayor importancia a la figura.
- Código de composición y centros de interés. En la composición se marca el lugar que va a ocupar el centro de la imagen, en el que se intenta focalizar la atención del espectador. Para conseguir la coexistencia de varios centros de interés, hay que valerse de la profundidad de campo. A través de técnicas informáticas se hace posible situar en cada uno un centro independiente de los demás, pero relacionados entre sí. El problema llega con la ya nombrada celeridad de cambios visuales. Al ojo humano no le da tiempo a situar los centros ante tanto cambio de imagen.

La antigüedad clásica sugería la sección áurea o regla de los tercios: las intersecciones de las líneas que dividen en tres partes la horizontal y diagonal de un rectángulo son los tercios: Los cuatros puntos donde se concentra la mirada, siendo el superior derecho el que consigue la mayor atracción.
El uso de estos puntos de atención, cercanos unos a otros, conseguirá que el espectador reconozca rápidamente los nuevos centros de interés ante el fugaz cambio de imágenes. Para que el espectador no se pierda, el centro de interés deberá ser colocado en un punto áureo y en el siguiente cambio, en otro punto que quede cerca del anterior.

- Código de iluminación. Se trata de un elemento expresivo base de todas las técnicas audiovisuales e imprescindible para sugerir la sensación de tridimensionalidad: el encuadre, la perspectiva, la forma y la distribución inteligente sirve para aportar sensación sensible sobre estados de ánimo, preparando al espectador ante lo que va a suceder. Su utilización creativa ayuda a distinguir a un videoclip de otro, potencia unos colores sobre otros y otorga una textura particular a la imagen.
Un recurso muy utilizado es el uso de flash de luz, rápido e irregularmente orientado sobre los elementos del campo. Es otra forma de desestabilización y sirve para cambiar de plano.
En relación con los anteriores códigos, la iluminación debe desempeñar un papel principal a la hora de centrar y dirigir la atención de los espectadores, así como determinar la profundidad del campo y estar en consonancia con la ambientación elegida.
- Código de efectos visuales. Con claros antecedentes en el video artístico y experimental, el videoclip es el principalheredero en la actualidad de este tipo de experimentación. La gran diversidad de efectos visuales posibilitan la coexistencia de imágenes de diferentes orígenes. Cumplen funciones como:
a) Ampliación o disminución de una parte de la imagen, provocando cambios de tamaño en personas u objetos.
b) Alteración de la relación figura y fondo, normalmente con el procedimiento chroma-key: la figura posee el don de la ubicuidad y no está condicionada por los parámetros espaciotemporales.
c) Simultaneidad de escenas y lugares, con la creación de entornos ficticios.
Efectos visuales:
- Incrustación: consiste en incluir una imagen en el interior de otra. Refleja el origen electrónico y se tornan perfectas como elementos retóricos dentro del videoclip.
- Sobreimpresión: fusión de dos puntos de vista diferentes en un mismo plano. Esto provoca una gran tensión visual que surge de la contradicción de lo que se percibe en cada uno.
La principal función de los dos efectos descritos es la de poner en escena recuerdos, sueños, fantasías, deseos.
- Collages electrónicos: incrustaciones de perfiles caprichosos o regulares que se interfieren de manera múltiple.
- La fragmentación, que permite la generación de sección, giro, desplazamiento, del punto de vista.
- Uso de distintos formatos (fotografías, pantalla múltiple) aumentan el nivel de imprevisibilidad, fragmentación y dinamismo.
- Código de relación. El videoclip es creado a partir de la elección de una canción, que marca su duración y el ritmo o tempo. La función sintagmática que cumple asociado a la música lo hacen un todo, una sola obra que consta de un significado concreto o abstracto. Cada imagen debe adaptarse a las características del fragmento con el coincide.
La música parece actuar como base de las imágenes, revelándose distintos modelos de compenetración:
1. Yuxtaposición. Simplemente consta de imágenes con música.
2. Divagación. Imagen en contacto con la música, se libera de objetos y narraciones, integrándose en un ambiente polisensorial.
3. Coincidencia: Se da una concordancia perfecta de la imagen con la música. Los movimientos de cámara, montaje, se acomodan perfectamente a las vicisitudes del tema musical. Lo cual, no implica que a imagen deba ilustrar la música.
4. Complementariedad. La imagen ayuda a entender el sentido, mensaje o intención que la canción quiera transmitir.
Varias funciones o tipos de música:
- Música diegética: brota de forma natural del nivel figurativo y del espacio-tiempo de la imagen.
- Música extradiegética: no parte de la acción representada, sino que sirve como fondo y acompañamiento.
- Música diegética y extradiegética. Combinación de las anteriores.

CLASES DE VIDEOCLIP

Para empezar con este apartado, debo señalar que no me ha resultado fácil el hacer una división exacta entre tanta diversidad. Sin embargo, después de consultar libros especializados y algunas páginas web, he comprobado que existe una clasificación previa, muy general, pero que puede servir. En ella, los videoclips pueden ser de tres clases: del tipo A, del tipo B y mixtos, que surgen de sumar A y B.
Tipo A. Anarrativos o descriptivos.
No existe un programa narrativo como tal. Puede dar la sensación de una cierta cronología o temporalidad en la sucesión de imágenes, que serán los parámetros espacio-temporales que marcarán la representación, pero no hay lugar para la narración. El objetivo es crear cierto sentido de una experiencia. Son los videoclips en los que observamos al cantante y a su grupo (con mayor hincapié en el líder de la banda) sobre un escenario, ya sea dentro de un estudio o en un concierto. Todo esto va acompañado por imágenes asociadas de alguna manera entre sí, que intentan mantener la atención del espectador e introducirlo en la situación, dentro del discurso.
Tipo B. Narrativos.
Son aquellos en los que se presenta una secuencia de hechos donde se cuenta al espectador una historia bajo la estructura dramática clásica. Se desarrolla un programa narrativo, que puede ser protagonizado por el cantante. La relación entre música e imagen puede ser lineal (repite lo que la canción narra), de adaptación (trama paralela a partir de la canción) o de superposición (historia independiente de la canción, pero que funciona).
Estos mini-relatos suelen tener características comunes con los filmes: elipsis, flujo continuo, ritmo, fundidos en negro como elemento de puntuación... pero casi siempre intentará negar la propia convencionalidad de la historia, saltándose muchas convenciones espacio-temporales que en el cine no osarían tocar.
"El programa narrativo se define como la sucesión de estados y cambios que se encadenan en la relación de un sujeto y un objeto (no personajes sino roles, nociones que definen posiciones correlativas), la relación de pasos o cambios de un estado (relación de un sujeto y un objeto) a otro." Libro lenguaje del videoclip. Pagina 65. Mirar!!
La secuencia narrativa queda compuesta por cuatro fases, de las cuales, algunas pueden ser omitidas o cambiadas de orden.
1. Fase de influjo. Se pone en marcha la narración, estableciendo los términos a través de la instauración de papeles o roles: un sujeto acompañado de uno o varios objetos.
2. Fase de capacidad. El sujeto se hace capaz de realizar el cambio necesario para lograr el objeto y conseguirlo.
3. Fase de realización. Es la fase principal. Verdadero cambio en la relación sujeto-objeto. Se produce la consecución de los objetivos del sujeto.
4. Fase de valoración. Evaluación interpretativa del estado final de la realización.
Este modelo de programa narrativo puede ser complementado por un antiprograma, con antisujeto y oponente.

Tipo A + B. Descriptivos - narrativos. Es una mezcla de las dos anteriores. Suelen estar divididos en dos niveles: El nivel diegético, que es el de la historia y el otro nivel en el que vemos al cantante o grupo actuando sobre un escenario o en cualquier otro sitio. Este tipo de videoclip suele emplearse cuando se quiere contar una historia y además, crear una imagen.

VIDEOS QUE MARCARON EPOCA
"Bohemian Rhapsody" de Queen. (1975)
Considerado el primer videoclip de la historia, esta canción se convirtió rápidamente en un hit en su tiempo. Parece que el director, Bruce Gowers, y el líder del grupo, Freddy Mercury, tuvieron mucho que ver en ello. Cuenta la leyenda, que la excesiva duración del tema (6 minutos) llevaron a la productora a cortarlo para lanzarlo como single promocional. A Mercury no le sentaron nada bien los recortes y decidió llevar la canción original a un disc jockey londinense muy famoso, Kenny Everett, que fascinado por la complejidad del tema lo pasó aquel mismo día catorce veces en la emisora que lo tenía contratado. Desde entonces, las radios del país comenzaron a pasar la canción entera. Ese hecho, añadido a la realización del clip por parte de Gowers la llevaron al número uno durante nueve semanas seguidas, lo que incidió en los altos niveles de ventas del álbum que la incluía, "A night at the opera".
En el video sobresale la importancia de la iluminación ya desde el comienzo. Las figuras negras del grupo sobre un fondo blanco, se aclaran cuando empiezan a cantar. Cuatro focos, conectados en cada uno de los rostros, potencian la calidad de la imagen: dos pares de cabezas, situadas de forma estratégica, comienzan a cantar - casi a capella - en una sincronía que se funde con el segundo espacio que protagonizará el clip.
Efectos como la sobreimpresión o la fragmentación embelesan la mirada del espectador, transportándole directamente a los años 70: cuando los trajes iban ajustados, el pelo se llevaba largo y la ausencia de la informática hacía que la práxis visual fuera mucho más simple, aunque no por ello perdiera significado.
A través de primeros planos, planos detalles y medios, el director deambula entre dos atmósferas. La primera, es la ya descrita estampa de los cuatro rostros. La segunda es el escenario, con luces de colores al fondo y los componentes del grupo haciendo de las suyas, ya sea con la guitarra, bateria o con la impagable voz de ese gran genio que fue Freddy Mercury.
"Another break in the wall" de Pink Floyd (1982)
Videoclip que es una parte de un todo inmenso: The Wall, aquella magnífica película que dirigía Alan Parker sobre el guión y la música de Roger Waters. Un guión que se fundamentaba en la propia infancia del escritor, describiendo la confusión y demencia de una estrella del rock que materialmente lo posee todo, pero que ha creado un muro a su alrededor formado por sus propias pesadillas y temores que no le deja exteriorizar emoción ninguna clase de emoción.
Profuso en simbologías y metáforas, el video se adentra en la vida de un profesor, sirviendo éste como pretexto para llegar a lo que realmente se quiere contar: la dominación que, sobre los alumnos, ejercen las paredes de un colegio. Los niños, sometidos a ese control, caminan como autómatas a lo largo de pasillos, mutando sus rostros a máscaras monstruosas, que les roban la identidad y los empujan al anonimato. Más tarde caerán sobre una máquina de engranajes que los convertirá en una especie de chorizos. No les queda otra que levantarse dentro de las aulas y entonar a coro su himno de rebeldía. El final, les llevará a la destrucción de las aulas en las que se hallaban atrapados.
A nivel técnico, se observa claramente el cariz cinematográfico del producto. Los planos utilizados, los decorados y la gran multitud de actores y extras, le otorgan una dimensión que le separan años luz de la estética del videoclip convencional.
"Thriller", de Michael Jackson. (1986)
El videoclip, que comienza como si de una película se tratase, cuenta la mini historia de un chico negro que lleva a su chica (también negra) a pasear y luego al cine. Antes de que comience la canción se produce una conversación conciliadora que acercará a los dos personajes. A medida que vaya discurriendo el clip, la relación se irá distanciando. Michael Jackson le dice que es diferente y se convierte en hombre lobo. La chica, como es normal, se asusta y corre despavorida. Llevamos tres minutos y todavía nadie ha empezado a cantar.
La historia se desdobla y aparecen otra vez los protagonistas, pero desde una sala de cine, visionando la historia antes mencionada.
Salen del cine y Jackson empieza a cantar y hacer sus bailes característicos. La cámara, mientras tanto, sigue desde una perspectiva cinematográfica aunque se va acercando poco a poco a los personajes. Ella está contenta porque su novio canta y baila muy bien. Hasta que llegan al cementerio. Es allí donde se desata el terror, por llamarlo así.
Los muertos se despiertan y caminan al modo zombie. La labor de maquillaje resulta espectacular para una industria del videoclip aún en pañales. La música se detiene por un momento y los muertos vivientes comienzan a acercarse a la pareja. Jackson se transforma en zombie y se pone a bailar con ellos, bajo los cánones de una coreografía muy bien elaborada. La chica no aprecia los pasos de baile de los zombies y se esconde en una casa abandonada. Pero los "malos" penetran y se acercan amenazantes a la chica.
Se produce el tercer desdoblamiento de la historia. La chica despierta el sueño y Michael Jackson otra vez es normal y la recoge. Sin embargo, antes de que aparezcan los créditos, dedica un guiño al espectador sonriendo de manera thriller, sin que la chica se entere.
El director fue John Landis, que firma el guión junto con el propio Jackson. El videoclip ayudó a las ventas del álbum, que se llama igual que el single, vendiendo más de 40 millones de copias por todo el mundo. Resulta palpable la ausencia de unas reglas claras para un género que estaba empezando y que por ello se apoya en la industria con la que a priori tiene más conexiones, el cine.
"Justify my love", de Madonna (1990)
La sensible moral norteamericana se encargó de catapultar este videoclip a la fama, censurándolo íntegramente por las sucesivas perversiones sexuales que en el video se suceden. Sin embargo no hay sexo explícito, tan sólo una serie de matices que sugieren sadomasoquismo, voyeourismo o simple satisfacción carnal. Porque ese es el tema, de lo que trata la historia. De personajes que buscan a otros personajes en los que llevar a cabo sus deseos más ocultos.
La protagonista es Madonna, que a partir de este video, se convirtió en un sex-symbol interplanetario. La acción transcurre en el interior de un hotel y a Madonna se le despierta el lívido en mitad del pasillo. Un amable y apuesto caballero se ofrece a complacerla, lo que no se espera es que tendrá que compartirla.

La historia envuelve al espectador en una atmósfera de erotismo y sensualidad, a través del blanco y negro y las contorsiones de la carne semi-desnuda. El lenguaje del videoclip va tomando forma y evoluciona. A pesar de ello, los planos y cambios visuales se vuelven un tanto largos comparados con la rapidez que rige en la actualidad.

"Who do you think you are?" de Spice Girls
Asentadas ya las bases del videoclip descriptivo, con un lenguaje visual muy característico, las chicas picantes se prestan a un ejercicio de egolatría suprema que las hunde - aún más si cabe - en su propia miseria. Victoria Adams llego a decir que "ya no nos interesa competir para ser las mejores. Eso ya lo conseguimos y ahora sólo queremos hacer cosas que vuelvan a significar algo para nosotras".
La imagen que construyen a su alrededor sugiere fiesta desenfreno, colorido, escenarios de estética kistch y ropa ligera ideal para la estación de verano. A medida que nos cuentan lo felices que son y lo bien que se lo pasan, se van contoneando a ritmo frenético en lo que al cambio visual se refiere.
Tal velocidad se traduce en 244 cambios de plano y sus tres minutos y treinta segundos de duración. El corte de plano es tan evidente que apenas se le da tiempo al espectador para que capte la imagen, la cual tiene una duración media de 0,87 segundos antes de cada cambio.
"Smack my bitch up" de The Prodigy 1997.
La ciudad de Londres es tomada por escenario en un vídeo que ha recibido tantos premios, que muchos lo consideran el mejor clip que se haya hecho jamás. Siendo de marcado carácter narrativo, la cámara se sitúa en primera persona, aparentando ser los ojos del protagonista que, a priori y según la información que nos van suministrando (espuma de afeitar, brazos fuertes que meten mano a las chicas...) lo identificamos con un hombre.
La velocidad de cambios visuales es vertiginosa, siendo más pausada al principio. Pero una vez que se nutre del alcohol y cocaína necesarios para funcionar, los cortes comienzan a ser más acusados, invitando al espectador a una segunda y tercera revisión del material en busca de curiosos detalles. La cámara gira, expandiendo y contrayendo su imagen, aparentando ser las retinas vidriosas de un alcohólico en celo, extremadamente violento, pero humano al fin y al cabo. Los colores se vuelven turbios y los objetos inestables, escurridizos y borrosos. La irracionalidad de sus actos unida a su profundo descontrol lo llevan a deambular por los más variopintos tugurios.
El deseo desmesurado y la necesidad de sexo tienen por fin respuesta ante tanta negativa. La música perfectamente sincronizada con la historia sigue con su incesante ritmo: el protagonista conduce alcoholizado por las aceras londinenses mientras una voluptuosa striper no para de reírse en el asiento del copiloto. Las relaciones sexuales se producen en la casa que da comienzo al videoclip. La censura hizo estragos sobre todo en estas escenas y muchos estadounidenses se quedaron sin ver el final con sorpresa incluida: la striper se larga y el espejo nos revela que todo el tiempo ha sido una chica la protagonista de la historia y no un chico, como nos habían hecho creer. Una vuelta de tuerca que funciona y que ha dejado a más de uno algo así como patidifuso.
"Do the evolution" Pearl Jam 1998
Las técnicas de animación audiovisual, permiten a Todd McFarlanne y Kevin Altieri - sus directores - la elaboración de una historia muy compleja que si no se hubiera rodado con dibujos hubiera sido imposible producirla por su elevado coste.
El video comienza desde El principio: la denominada explosión del Big-Bang que crea el universo y los planetas. Un viaje espacial a velocidad vertiginosa transporta al espectador al planeta Tierra, un planeta que resulta familiar. La vida en la Tierra no es fácil; la dura realidad se rige por la máxima de que el pez grande se come al más chico, y el pez más grande se come al que es simplemente grande. Luego vendrán los dinosaurios hasta que un meteorito enorme los extingue y será cuando surgirá la raza de entre las razas (por valerme del sarcasmo): los humanos.
Gran multitud de analogías entre antigüedad y modernidad, plagada de muerte, destrucción, violencia y muchas explosiones, conducirán nuestras mentes a la reflexión final: ¿Es esto la evolución, baby? ¿No sería más correcto llamarlo "involución"? ¿Son estas las respuestas que nos ofrece el progreso? La visión, sin duda, pesimista llevarán a un final apocalíptico en el que no quedará nada en pie. Ni siquiera la chica que hace cabriolas a expensas de la historia protagonista. Este hilo conductor, que se contorsiona al ritmo de la música, acabara mutando su rostro al de una calavera que sólo puede significar una cosa: Muerte.
"Karma Police" de Radiohead (1997)
Resulta valiente y honroso que ante tanto frenesí visual modernista, el director de este clip se haya atrevido con una estructura tan simple como es utilizar dos únicos planos en todo el metraje. El ritmo y tempo de la canción ayudan a que esto funcione, adaptándose perfectamente el vídeo a las exigencias de una canción que se ha convertido en todo un mito.
Huyendo de los efectos visuales estrambóticos, el clip narra la historia de un coche, que deambula en la oscuridad por una calzada recta e interminable sin saber muy bien porqué razón. Poco a poco se descubre en el horizonte la figura de un supuesto policía que corre exhausto delante del coche. Al espectador le da la impresión de que si ese hombre deja de correr, el vehículo no parará y se lo llevará por delante. Toda esta tensión acoplada al ritmo pausado, tranquilo que Thomas Edward Yorke, cantante y compositor de los Radiohead¸ le va dando sentado apaciblemente en el asiento trasero del coche.
A pesar de su inminente atropello, el policía, al límite de sus fuerzas se para y el coche le imita, para sorpresa del espectador. ¿Es que acaso no le va a atropellar? Todo indicaba que iba a ser así... El automóvil da marcha atrás, para aclarar nuestras mentes: está tomando carrerilla para atropellarlo mejor. El único resquicio de este crimen perfecto, es el reguero de gasolina que el coche ha ido dejando. El policía, astuto como él sólo, lanza una cerilla entre nervios y temblores que hace prender la gasolina de la calzada.
El coche da marcha atrás ante este giro inesperado de la historia. Pero la velocidad de consumo de la gasolina es más rápida que la del vehículo. Al final, éste queda envuelto en llamas y la canción se termina. Todo filmado de la manera más simple del mundo: una cámara que rota desde el asiento del conductor y otra que se desplaza delante del policía tomando primeros planos de su rostro descompuesto. Toda una obra de arte.

 

 

El texto anterior  se basa en dos artìculos que yo unì en uno solo, publicados por Diego Saucedo Tejado  en  www.homines.com


The idea of sex

Ejerciendo las laberinticas artes del zaping dì con esta pelìcula, que yo dividì en dos bloques de acuerdo al interès que despertò en mì: una primera instancia, de acciòn mìnima, que busca situarnos en las vidas de los protagonistas y en la que se plantean los pensamientos y posiciones de los personajes, el matrimonio compuesto por Darin y Natalie, los amigos Kevin, Matt y Max, sobre sexo, amor, dios, moral, padres e hijos, sentido de la vida y todo ese maremagnum de interrogantes que todos alguna vez nos hemos planteado, a travès de dialògos por momentos divertidos, que sin embargo para mì se diluyen en esa falta de acciòn que los refuerce; y una segunda parte en la que las situaciones se suceden con premura, dandome en general la sensaciòn de una pelìcula de aliento entrecortado.

Una vez expuestas todas las opiniones posibles acerca de casi todos los temas posibles, la pelìcula empieza a transcurrir.

Darin tiene una aventura con su amiga Max, su ex-novia ; Matt conoce a Anja, una chica por la que se siente plenamente atraìdo ; Natalie descubre la infidelidad de su esposo del que acaba separandose.

Nada de esto tendrìa chiste, si no fuera porque Darin exhorta a Matt a las relaciones estables; Matt nunca creyò encontrar a la persona adecuada y ahora que lo hizo, ella no desea compromisos ; todos se mueven en esa delgada lìnea de lo moralmente permisible, siempre, segùn parece, encontràndo excusas para ir de un lado a otro y aùn asì proveerse de algo de justificaciòn en su propio remordimiento.

Sin embargo, al desenvolverse el argumento, la pelìcula perdiò para mì algo del interès inicial. Como si todo estuviera dicho, la pelìcula se convierte en algo semejante a  una comedia de situaciones, con los amigos cubriendose unos a otros para tratar de salir avantes en sus relaciones, con algunos juegos de ediciòn por ahì, al estilo de video-clips, que no sè si buscan recordarnos que degustamos un producto totalmente moderno.

Me pregunto si el que la post-modernidad y la desilusiòn hayan socavado los conceptos en los que se basaban nuestras vidas, las mesas donde se apoyaban los libros al decir del film , nos da derecho a engañar a los demàs, de acomodar cada situaciòn a nuestra conveniencia. Si Dios no existe, todo vale.

Pero entonces aparecen la soledad y el sentimiento de derrota.

La escena en que Darin intenta justificarse ante su esposa que se marcha: aunque ambos estàn en la misma habitaciòn, el encuadre los presenta como si estuvieran aislados uno del otro, separados no sòlo por el espacio sino tambièn por todas las inseguridades de Darin .

Al final la pelìcula parece intentar demostrar que debemos aceptar lo que tenemos como lo ùnico que hay.

Los tres amigos deben aceptar que sus vidas no funcionaron de acuerdo a sus racionalizaciones a priori.

No obstante,la escena final , exactamente igual a la inicial , sòlo que en lugar de Natalie aparece Max, para mì presupone un cìrculo vicioso. ¿Serà que al relativizar el tiempo como desarrollo lineal, se relativiza tambièn la idea de madurar, de manera que en lugar de preocuparnos por despojarnos de lastres y pesos de conciencia, tengamos que inquietarnos por problemas de sobrepeso?

The Idea of Sex.

Direcciòn David Elliot, Mark Huppin

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La isla

Con La Isla (Michael Bay, 2005), el cine norteamericano vuelve a tocar el tema de las utopìas, o en este caso de las antiutopìas.
La ùltima pelìcula que recuerdo ahora que abordara esta temàtica fue Gattaca(Andrew Nicoll, 1997).
Pero todo lo que en Gattaca era sobriedad y conflicto interior en La Isla es trepidancia de persecuciones y efectos especiales,lo que no desmerita la primera parte de la pelìcula en la cual se muestra un mundo post-atòmico, en el que una comunidad parece estar condenada a sobrevivir, alimentados por la ilusiòn de su estadìa en La Isla, un sitio paradisìaco en el cual la contaminaciòn no existe.
En esta primera parte, la pelìcula me recordò a Un Mundo Feliz de Aldous Huxley, aunque en ella prime màs la propaganda de productos que una indagaciòn en un posible mundo del futuro, y el control sobre los individuos sea realizado a otra escala, como el de no permitir el contacto entre los protagonistas, quienes empezaràn a descubrir al sentido de la sensualidad una vez fugados, de una manera bastante apagada por cierto: en la comunidad habìa mujeres embarazadas y nadie se preguntaba por què, en el mundo exterior, la protagonista observa un comercial en el que su "Patrocinadora" besa a un hombre y esto despierta en ella el instinto sexual.
Una vez descubierto el engaño, La Isla no existe, los habitantes de esta utopìa en realidad son una especie de cultivos biològicos para ser usados como piezas de repuesto para figuras adineradas, la pelìcula entretiene, que es al fin y al cabo su objetivo principal, a base de escenas de acciòn.
¿Han muerto las utopìas o es que un mundo feliz no es dramaticamente ascequible al pùblico y no es comercial?
Al decir de Vattimo, la utopìa se presentaba unida al racionalismo y va màs allà de "un deseo inmediato e ingenuo de bienestar y felicidad"(1), hacia "una comprensiòn racional y sistemàtica de la esencia humana, de sus posibilidades y su vocaciòn"(2).
Sin embargo "Ha sido observado con acierto que una de las caracterìsticas esenciales de la utopìa en el siglo XX es el de imponerse y difundirse de ese gènero literario al que diversamente se ha calificado de antiutopìa, distopìa, contrautopìa..." Estas antiutopìas "conservan todos los caracteres "optimizantes" de la utopìa, en el sentido de imaginar una realidad en la cual lo que en la situaciòn actual son sòlo posibilidades se realiza llevando al extremo el cumplimiento de todas sus implicaciones" (3).
La Isla, en lugar de hacer contraste entre todas las posibilidades actuales y las futuras, parece querer mostrarnos que, despuès de todo, no estamos tan mal, que podrìa ser peor.
Pero dudo mucho que el director se haya propuesto algùn tipo de planteamiento al realizar la pelìcula, eso sì que serìa utòpico...

1.Gianni Vattimo, Utopìa, contrautopìa, ironìa. Como nunca pensè utilizar este texto, que conservo en fotocopias de mis tiempos de estudiante, no anotè ni el nombre del libro del cual lo saquè, ni la editorial,ni nada.
2. Ibidem.
3. Ibidem.

PD: Actualización 10-01-2012: Gianni Vattimo, Utopía, contraut´pía, ironía.

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Thundercats

20060125211736-thundercats.jpgLos Thundercats, junto a Los Halcones Galàcticos, eran de los "muñequitos" que combinaban la simbologìa de los bestiarios terrestres con el imaginario espacial.
Sobrevivientes de un planeta en destrucciòn, los Thundercats llegan al Tercer Planeta para establecerse, pero junto a ellos llegan sus enemigos, feos y torpes seres con fisionomìa de sapos, monos y ya no recuerdo què màs, adema`s de enfrentarse al demacrado Mum Ra , quien al invocar a los antiguos espìritus del mal se transformaba en un formidable guerrero.
Màs tarde los Thundercats regresan a su planeta par formar una nueva sociedad pero ya para eentonces la serie habìa perdido, para mì, mucho de su encanto.
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Misiòn Arbegas, Mazinger, El jinete sable y los comisarios estrellas

mazinger.gifLas historias de corte futurista, plagadas de robots inmensos conducidos por humanos, las batallas en naves espaciales, la tecnologìa ilimitada, la estètica de spaguetti western intergalàctico y la ubicuidad espacio-temporal, tuvieron sus exponentes en Misiòn Arbegas, un trìo de jòvenes pilotos cuyos robots se fundìan en uno solo; Mazinger, el ìcono robòtico por excelencia de los ochenta, cuyo piloto sentìa en cuerpo propio las vicisitudes de las batallas en las que el mecanismo participaba; y El jinete sable y los comisarios estrella, una historia de cowboys futuristas en la que un grupo de sheriffs trataban de mantener el orden.
Estas historias tienen en comùn que recuerdo los robots pero no los vericuetos de los argumentos, y cque con su optimismo nos hicieron pensar que la conquista del espacio era la ùltima epopeya humana posible.
"Metàfora de una humanidad iluminada, la conquista del espacio puede ser considerada el ùltimo sueño romàntico. ¿Què otra cosa podìa ser la confianza de la Era Espacial en las ventajas del progreso, basada en la firme convicciòn de que el control humano sobre la materia permitirìa crear una sociedad mejor, sino el màximo de ideal romàntico?"(1).
Sin embargo, "El desprecio de la modernidad hacia su pasado ignorò la posibilidad de
que su propia novedad podìa volverse obsoleta de la noche a la mañana"(2)., lo que no implica que toda la iconografìa futurista de estas series haya desaparecido, por el contrario parece haberse amplificado con elpaso de los tiempos, aunque parte de su optimismo se haya perdido.
Despuès de todo, ya crecimos.

1. Megalòpolis. Celeste Olalquiaga. Monte Avila editores, 1 ediciòn, 1993, Caracas, pàg. 53.

2. Ib., pàg. 54.

Candy

candy.jpgCandy era una serie animada que mostraba la vida y las peripecias de una niña huèrfana que crece, junto a otros chicos, en un orfanato, del cual se marcha siendo adolescente para ir a la ciudad a estudiar enfermerìa.
Una vez finalizados sus estudios Candy deberà partir hacia el frente, en plena Primera Guerra Mundial.
Alrededor de candy y de su maor nunca correspondido- siempre habìa algo alejandola de su amado- se ciernen diversas historias de jovencitos que , al igual que ella buscaban su lugar en el mundo.
Muy sentimental, esta serie atrapaba por la manera como eran mostrados sus personajes.

La abeja Maya

maya3.jpgEntre los "muñequitos" de los ochenta, la abeja Maya figura, junto a Josè Miel, entre las series animadas protagonizadas por animales, que mostraban todo el lado humano de historias fantasiosa y divertidas y personajes entrañables que se mantiene en la memoria, aunque las vicisitudes de los argumentos se hayan borrado por completo.
En el caso de Josè Miel, puedo recordar la bùsqueda de su madre y sus frenèticas escapadas de la Mantis Religiosa , a quien accidentalmente deja tuerta y que finalmente se unirà a èl en la batalla en el panal de la madre de Josè Miel. Tal vez por tratarse de Josè Miel de una historia con un continuo dramàtico màs dilatado, uno puede recordar màs detalles de la trama, no asì la abeja Maya, de quien se recuerdan màs los personajes, como el glotòn Willy y la misma Maya, una suerte de Pequeña Lulù en el reino animal, pero no por eso excenta de esa inocencia que tomabamos como nuestra en la niñez y que parece haber desaparecido junto con estos programas de la tele.
La imagen y la evocaciòn de la abeja Maya las debo a Cult cartoon, monos de los ochenta, en www.cultcartoons.com

Centella

gekko_kamen.jpegMoviendome´por la red encontré una reseña de esta serie televisiva que devoré cuando era niño y que todavía recuerdo, ahí va:
Nombre en Español: Centella
Nombre original Japones: Gekko kamen
Nombre en Ingles: Moonligth Mask
Año: 1972
Compañia: Knack
Numero de Episodios: 39
Según la reseña Centella tuvo tres grandes enemigos: Garra de Satán, a quien recuerdo que derrota en una isla que sólo afloraba a la superficie cada cierto tiempo, hundiendole la media luna que lucía en la parte superior de su casco en la frente; el doctor Dogma, que buscaba dominar al Rey kong, quien al final se hunde en el mar hacia el horizonte con su pequeño hijo-esto si no recuerdo mal- y otro enemigo llamado Colmillo de Dragón, este último no se vió en nuestras pantallas y no sabía que existía.
Una serie apabullante, con villanos retorcidos y vivificantes batallas...
La ficha técnica la tomé de www.miarroba.com/foros
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Batman begins

batmanbegins.jpgA diferencia del hèroe tràgico, quien asumìa su sino en virtud de una voluntad divina, superandose a sì mismo gracias a su mortalidad, el superhèroe debe esconder esa condiciòn de mortal para erigirse como tal: el superhèroe es casi inmortal, invulnerable a lo que es fatal para el comùn de las personas, polìticamente correcto frente a los avatares de muchos hèroes que desafiaban a los dioses o a la muerte misma, ajenos al devenir del tiempo ya que su lucha es eterna mientras que la del hèroe podìa tener un fin, su ascensiòn como dios o su remisiòn, finalmente, a la muerte ante la cual se rebelò.
Por lo tanto pareciera que el superhèroe no precisara de latitudes humanas: sus mismos superpoderes, sus medios ilimitados, lo colocan por encima - aislàndolo- de los demàs.
Sin embargo, el intento por dotar a los superhèroes de un sustrato màs humano cobra vigencia.
Batman Begins intenta mostrarnos, con irregular fortuna, ademàs del nacimiento del superhèroe, su gestaciòn; la metamorfosis del hombre, espoleado por sensaciones como el temor a lo desconocido, dolor frente a la ausencia y la muerte, la culpa, a superhèroe que emplea estoas mismas debilidades en contra de los otros -los malos- para reestablecer el equilibrio.
Una de las dimensiones que màs nos define como seres humanos es al tiempo: somos conscientes de èl, nos duele su paso, el transcurso del tiempo nos obliga a cambiar de rituales y de piel, a asumir cada vez nuevos roles, nuevas màscaras. Es asì como dotar al superhèroe de un pasado le otorga humanidad, cohesiòn entre el ser mortal que subsiste tràs la màscara y el invulnerable que porfìa desde afuera para no dejar que el mundo penetre en èl.
Los oscuros comienzos de Bruno Diaz en su ascenso -o descenso, teniendo en cuenta que batman es un superhèroe que busca redenciòn por la culpa, en contraposicipon con Superman, por ejemplo, que no necesita justificaciones ya que es invulnerable por su propia naturaleza-, hasta asumir la identidad del Hombre Murcièlago, en esta ocasiòn se encuntra desprovisto de la iconografìa a la que nos acostumbraron las versiones anteriores, se echa de menos la arquitectura abigarrada de Ciudad Gòtica, la estilizada figura del batimòvil, las femme-fatales, las rubias despampanantes alas que no se podìa permitir el acceso al interior- Kim Basinger penetrando en la baticueva o Nicole Kidman tratando de hacer ,o mismo en la psique de Bruno Dìaz-,en este caso reemplazadas por la chica añorada a la que hay que proteger a toda costa, los villanos de faces retorcidas...
Christian Bale estuvo bien para la impasibilidad necesaria en el personaje de American Psycho, pero en Batman begins la màscara lo supera asumiendo la expresiòn total del personaje- en la segunda pelìcula de la tetralogìa anterior, Bruno se despoja de la màscara para buscar a Selina entre los despojos de la batalla final y deja de ser Batman para ser simplemente èl-.
Creo que en cuanto a interpretes la sorpresa la diò Michael Cane como Alfred, ostentando una estupenda ironìa en su actitud.
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Lo que se vió

thumb_cb_spike0000.jpegCowboys Bebop, the movie.

Un planeta Marte metido en la estética del Lejano Oeste futurista ya visto en otras series, cazadores de recompensa, esos seres que se mueven por los intersticios de la ley, ni dentro ni fuera de ella, ágiles peleas, persecuciones adrenalíticas, personajes con profundidades abismales bien delineadas, esa limpieza de trazo que a mí personalmente me gusta del animé oriental, acompañado de una banda sonora algo ecléctica pero efectiva...

Garage Days, dirigida por Alex Proyas.
Soy poco amigo de comedias, aunque debo reconocer que hubo algunas partes que me hicieron reír, pero queda la incertidumbre de si era la intención del director que sus personajes rozaran el rídiculo, por tratarse de una comedia, o esa es la impresión que a mí me dá.
Si accedemos a los tópicos, cabe preguntarse, ¿la generación x es tan estúpida?, ¿mira el mundo en yuxtaposición de imágenes como en el video clip, o esto sólo es para darle más efecticismo a la película?
De todas maneras se entretiene uno mirando películas como esta...
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Cómo se comenta un texto fílmico

La imposibilidad de volver atrás para comprobar si tal o cual visión, tal o cual elemento sonoro fueron ciertos o sólo una ilusión producida por el fluir temporal en el espacio de unas imágenes y de unos sonidos. La magia y fascinación del fenómeno cinematográfico se basaron, desde un principio, en esta imposibilidad técnica de congelar el tiempo, es decir, de hacer presente y simultáneo lo que sólo existía como sucesividad.
(...)
En el caso de un film, el espectador no sería un punto de llegada, sino una especie de coautor, es decir, un elemto activo en el proceso de construcción de ese nuevo tipo de significado que hemos denominado sentido.
(...)
Posteiormente, dicho sentido puede ser acptado como tal por otros espectadores y pasar a formar parte del horizonte general de convenciones espectatoriales. Esa codificación a posteriori convierte el sentido en significado.
(...)
Un comentario es una crítica no sometida ni al criterio de actualidad ni  a las funciones institucionales de evaluar y/o promover.

Ramón Carmona.
Cómo se comenta un texto fílmico.
Ediciones Cátedra, S.A., Madrid, 1991.

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Lo que se viò

20070226153618-ray.jpg

Un par de pelìculas este fin de semana:
The final cut, dirigida por Omar Naim.

Una pelìcula que a mi parecer se pierde en sus propios planteamientos, ¿la tecnologìa es buena o es mala?, no la compren si no les gusta, dice Robin Williams y a eso parece reducirse todo, ya que el guiòn se esfuma en la redenciòn demasiado floja de los fantasmas de Alan Hackman (R. Williams), sin que este apenas haga algùn sacrificio por excorcisarlos ( conectar su propio implante y hurgar en su cerebro para descubrir que todo es una mala pasada de su subconciente, hubiese sido menos arriesgado ir a un psicoanalista o algo...)
Personas que se implantan chips para recordar, cuando la memoria , si nos hemos de atener a Borges, se compone de omisiones y olvidos que van construyendo recuerdos. Màs informaciòn que asimilar como si no fuera suficiente con toda la que hay flotando en el ambiente, paraìsos audiovisuales, lo que ves es lo ùnico que merece ser recordado de tus seres queridos, porque sòlo la imagen legitimiza.

Ray, dirigida por Taylor Hackford, protgonizada por Jamie Foxx, como el mùsico Ray Charles.
Cuando de biografìas de artistas se trata el cine muchas veces parece complacerse en escàndalos y excentricidades y no en el biografiado mismo, en lo que era como persona, que en ùltima instancia es lo que nos interesa en una biografìa, todo lo demàs es prensa rosa .
Por esta vez, tal vez por tratarse de un mùsico obtuvimos ambos lados de la moneda, la parte artistìca, creativa de Ray Charles y su desarrollo como persona, sus temores, sus adicciones.
Todo acompañado de una banda sonora gratificante, que muestra las diversas etapas del mùsico, desde que asimilaba el estilo de otros artistas hasta que encontrò su propia voz, un estilo que perdurò en el tiempo.

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La venganza de los Sith

starwarsrevengeofthesith.jpgAcabo de ver el tan esperado Episodio 3 de La guerra de las galaxias, titulado La venganza de los Sith, con el cual queda sellada esta nueva trilogía, y develados los inicios del Imperio Galáctico y, ante todo, la transformación del joven Anakim Skywalker en el oscuro Lord Vader.
Ajeno a mí el próposito de buscar exégesis fuera de los límites de lo cinematográfico, ayer antes de entrar a ver la película, ojeaba revistas en una librería y descubrí un artículo en Le Monde Diplomatique en español, que a simple vista- dejo constancia de que NO ALCANCÉ A LEERLO-establecía paralelos entre las peripecias políticas de la cinta y la política internacional de Estados Unidos.
Considero que esta es la mejor de las tres películas de la nueva trilogía, centrada más en los conflictos emocionales y externos de los personajes que en las peripecias, los viajes y la develación de asombrosos paisajes, aderezado con espectaculares combates con espadas de luz.
La caída de Anakim en el lado oscuro de la fuerza está sembrada de la ambivalencia emocional que uno podría esperar en el descensus at inferos de cualquier héroe mitológico, por un lado el insaciable deseo perfectamente humano de no perder a Patme igual que perdió a su madre, temor y culpa cocinandose a fuego lento, y el sobrehumano deseo de poder que anhela alcanzar y que termina por consumirlo, literalmente, hasta transformarse en el pesadillesco ser conocido como Darth Vader, con una fuerte visualización del conflicto en una luna de fuego derretido y lavas ardientes, cual el alma en llamas del protagonista.
De igual manera la resolución del conflicto político que da paso al Imperio se encuentra limpiamente delineado, la pelea entre el maestro Yoda y el Emperador en la sala del Senado y el consiguiente destrozo de la misma, atisban al nacimiento de un nuevo orden que delege todo el poder en un solo individuo, aunque ,si no recuerdo mal la primer trilogía, ese es un conflicto que el emperador nunca podrá balancear del todo a su favor y uno de los motivos de la cración de La estrella de la muerte, el planetoide arma a cargo de Darth Vader.
A diferencia de otros héroes como Indiana Jones, Anakim no se detiene ante los poderes que no puede controlar, no los teme, sino que se entrega a ellos de una manera desmesurada. Me recuerda a esos obsesivos personajes de Balzac que se destruyen a sí mismos y todo alrededor por una obsesión, en aras de una única idea que los aleja de cualquier contacto con los simples humanos que arrastramos un destino que nos sobrepasa o que ni siquiera tratamos de entender.Pienso que ese mismo deseo de superar un destino, de inscribir una finalidad, una continuidad en la vida-alejado de la, en cierto modo, fría inmortalidad borgiana- es la clave del cambio de Anakim, la desesperación y el furor con el que se lanza en contra de todo lo que cree y ama, cual héroe trágico enceguecido arrasando consigo mismo al igual que con el dragón que piensa destruir, sin notar que héroe y monstruo son uno solo.
Creo que aún me encuentro demasiado asombrado por la película para ver sus fallos, y si no los encuentro, mejor todavía.
Tercer eslabón que permite engarzar toda la cadena, casi que condensa toda la imaginería de George Lucas, paisajes que dejan sin aliento, seres maravillosos, pasiones desbordadas y lumínicas batallas, todo HACE MUCHO TIEMPO, EN UNA GALAXIA MUY LEJANA........
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Kafka en el cine

Kafka" (1991)

El joven director Steven Soderbergh ( "Sexo, mentiras y video " y una olvidable película en la que actúan George Clooney y Jennifer López llamada "Out of Sight") rodó esta película en la ciudad de Praga. La oscuridad de la noche introduciéndose en los recovecos de la bella e impactante ciudad, no hacen más que potenciar una trama que parece provenir de un universo kafkiano, absolutamente kafkiano. Ficción y no ficción. Es exactamente eso. Soderbergh quiere a Kafka pero a su manera. Y lo quiere bien. Mezcla nombres y personajes, y los trae delante de sus cámara, allí pone a funcionar los engranajes de una sociedad totalitaria y burocrática y empieza a correr la película. Actuación contundente y apropiada de Jeremy Irons -difícil imaginar el papel en otro rostro-, acompañado levemente por Theresa Russell.
El film está magistralmente fotografiado por Walt Lloyd ( "Sexo, mentiras y video", "Empire Records", "Short Cuts") que sabe utilizar los recursos arquitectónicos que Praga ofrece. La escenografía "natural" no es sólo un elemento más, es parte activa del film. Es tan intensa que por momentos llega a cortar la respiración. Allí es donde Kafka escribió "La Metamorfosis" y uno, gracias a Soderbergh, lo recuerda constantemente.
EE.UU./Francia, 1991, 95'

Dirección
Steven Soderbergh

Protagonistas
Jeremy Irons, Theresa Russell, Ian Holm, Alec Guiness

Tomado de fotograma.com

Extraído de la página de Franz Kafla, www.geocities.com/Athens/9505/kafka.htm

EL PROCESO, 1963.
Por Alejandor G Calvo.

A vueltas con los montajes
La Malos tiempos corrían para Welles (para variar, de hecho, desde Ciudadano Kane (Citizane Kane, 1941) a Welles pareció perseguirle una mala sombra, de esas que tan bien retrataba en sus films, con unas tijeras en la mano dispuesta ha hacer pedazos cualquiera de sus películas) cuando le llegó a sus manos la oportunidad de plasmar la novela de Franz Kafka El proceso. Welles se hallaba en Europa rodando como actor cualquier papel mal avenido con tal de recoger más fondos para cualquiera de sus múltiples proyectos que ya tenía en mente: desde poder proseguir con su amado Don Quijote que había empezado a rodarlo en 1955, hasta la inmediata preparación en España del film Campanadas a medianoche (1962), o la futura preparación del film The Deep (que empezó a rodar en Yugoslavia en 1967, pero que jamás llegaría a finalizar, como tantos otros). Tras la escabechina que le habían realizado con los montajes en sus últimos films: Macbeth (Ídem, 1948), Otelo (Othello, 1952) , Mr. Arkadin (Ídem, 1955) y Sed de mal (Tocuh of Evil, 1958), Welles se había sentido prácticamente expulsado de Norteamérica, y fue justamente en esta época, cuando se hallaba rodando para Abel Gance su Austerlitz (Ídem, 1960. Abel Gance y Roger Richebé), cuando conoció a los productores franceses y hermanos Ilya y Michael Salkind. Estos le ofrecieron la adaptación de diversas novelas, decantándose Welles finalmente por la obra de Kafka, garantizándose esta vez su derecho al montaje final, por lo que si se entiende que El proceso no salió del todo de gusto de Welles, pese a ser una de sus obras cumbre, fue más por la falta de medios económicos y técnicos, que no por el montaje final realizado, por otra parte, tremendamente brillante y de un adelanto a su tiempo que haría caer la cara de vergüenza a muchos de los realizadores que hoy en día se tildan de modernos. De hecho Welles, ya desde Ciudadano Kane y El cuarto mandamiento (The Magnificient Ambersons, 1942) había demostrado tener una máxima capacidad creativa a la hora de posicionar la cámara, fotografiar el film y montarlo con un grado artístico de un carácter casi inconcebible, y si este fuerza visual se había visto disminuida en films como Estambul (Journey Into Fear, 1942), o El extraño (The Stranger, 1946), fue sin duda para que Welles pudiera demostrar a los productores norteamericanos que era capaz de filmar como alguien "normal" un film y obtener beneficios en taquilla sin asustar al espectador con encuadres, que pese a su genialidad, era incapaz de concebir.

Según cuenta a Welles a Juan Cobos y Miguel Rubio: «Yo había diseñado una película completamente diferente. Todo tenía un aire completamente diverso. Todo fue inventado en el último minuto porque mi película físicamente era diferente en su concepción. Estaba determinada por el hecho de que no había decorados (...) lo formaban decorados que gradualmente desaparecían. Iban desapareciendo cada vez más elementos realistas y el público era consciente de ello, hasta que, finalmente, el escenario era el espacio abierto, como si todo se hubiera disuelto. Y nada de esto se pudo hacer. Era otra película» (1).

El proceso ¿Kafka o Welles?
Una de las máximas virtudes que tenía Welles, y ello queda denotado claramente en su obra, es la gran capacidad del realizador para hacerse suyo un texto ajeno. Su fagocitación, tanto de obras clásicas de carácter mítico como pueden ser Macbeth, Othello, Campanadas a medianoche y El Quijote (2); obras de excelente calidad como El cuarto mandamiento (Los magníficos Amberson) de Booth Takington, El proceso o Una historia inmortal (Une histoire inmortelle, 1968) de Isak Dinesen; o, y lo que resulta más sorprendente, de novelas de segunda y tercera fila con las que Welles haría maravillosas obras como son La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, 1948) de la novela If I die before I wake de Sherwood King y Sed de mal de la novela Badge of evil de Whit Masterson.

Así Welles hizo suyo el texto de Kafka, y convirtió la habitual lucha perdida entre el protagonista kafkiano y un ente superior que domina su destino, en la crítica habitual de Welles contra los estamentos de poder y en el gusto del realizador por el anacronismo de un mundo que parece desaparecer para dar paso a otro, conllevando así la extinción de su protagonista. Si bien en Ciudadano Kane y El cuarto mandamiento, el progreso es la base por la que se ven arrastrados sus protagonistas (para mal o para bien), en El proceso, el progreso es ahora, y una vez instalado, en un mundo exuberante de democracia y libertad, llevado por las invisibles cotas de poder, la que da paso a un desierto, más mental que físico, en el que los culpables de la sociedad (en esto profundizaré después) deben ser llevados por su incapacidad frente al acomodamiento de dichos parámetros de estilo de vida.

Joseph K. (un Anthony Perkins perfecto en su composición delicada y agobiante, que venía de realizar recientemente su mítica composición de Norman Bates en el Psicosis [Psycho, 1960] de Hitchcock) es en Kafka un hombre perseguido por un poder intangible, que le ha juzgado antes incluso de que empezara el proceso; en Welles, K. es un hombre abandonado a la suerte de un tiempo y un escenario físico que se desvanece sin que el pueda hacer nada por cambiarlo. Desde luego los dos universos se tocan y conviven, pero es Welles el máximo responsable de la total sensación surrealista que destila su film: Personajes y escenarios aparecen y desaparecen para no regresar en un itinerario confuso y equivocado del joven K., paradigma de falso culpable, perdido en un mundo que creía conocer perfectamente (desde la estabilidad de su despacho) y que resulta plagado de contradicciones tan rotundas como el hecho de que el Tribunal Supremo se halle en una barriada, donde pasillos imposibles repletos de culpables esperando sentencia, se unen por arte de magia (Welles, ese gran mago) con habitáculos de madera tallada en forma de jaula que habitan pintores y salas de lo penal abarrotadas de público que no son más que funcionarios simulando un espectáculo o como en casa del abogado, especie de mausoleo de libros viejos y desvencijados repleto de candelabros polvorientos, donde se esconden desde un alto personaje del tribunal a un acusado encerrado bajo llave que no se marcha a esperas de que el abogado le llame.

Pero sin duda, donde más se respira el aroma de Welles, es en el personaje que él mismo interpreta, el abogado Hastler (Huld en la novela de Kafka), perfecta representación del poder corrompido en un personaje humano (vaya, tan humano como el Quinlan de Sed de mal o el de Gregory Arkadin en Mr. Arkadin), donde ya desde su aparición entre vapores, tumbado en la cama, consigue aglomerar toda los enemigos de K. en uno solo: su propio abogado. Desde este punto de vista, Welles, elimina parcialmente el personaje del párroco que le cuenta la leyenda sobre el hombre a las puertas de la ley, para adjudicársela al propio Hastler: Un símbolo de la defensa de los procesados que se divierte torturando a los presuntos culpables, sus clientes, de la manera más abyecta posible (cf: Su humillación al pobre Block -perfecto, como siempre, Akim Tamiroff-, ejemplar representativo de lo que deberían ser todos los culpables... poco más que un perro).

¿Culpable... pero de qué?
¿Quién fue Charles Foster Kane? ¿Y que trama la enigmática Elsa Bannister? ¿Por qué Iago actúa como actúa? ¿Qué le pasó en la juventud a Gregory Arkadin que es incapaz de recordar? ¿Y Mr. Clay? ¿Y Quinlan?... Toda la obra de Welles es repleta de preguntas, la mayoría sin respuesta, que les sirven a sus protagonistas tanto como leit-motiv de la historia, como de desencadenante o macguffin de la misma. El proceso por supuesto, no se libra. Empieza el film y en una escena magnífica en la que no se corta el plano, Joseph K. se ve arrestado por guardianes (ni siquiera, policías -3-) y se le comunica que está arrestado, pero que no pueden (ni, de hecho, saben) explicarle por que razones ha sido detenido.

A medida que avanza el film, un seguro y decidido K. se va desmoronando sobre sí mismo a medida que va descubriendo tanto la corrupción de las altas esferas de poder, como por su terrible itinerario físico, como si de un laberinto se tratara, sin más salida que el propio final del proceso, el que de hecho, está ya decidido desde el primer fotograma de la película, cuando se narra la historia del hombre imposibilitado para entrar en las puertas de la ley.

Coincido con Miguel Rubio al creer que «en un mundo cuyas estructuras de poder y sometimiento están basadas precisamente en el hecho de la culpabilidad generalizada, ¿por qué alguien va a ser inocente?» (4). ¡Desde luego que K. es culpable! ¿Cómo no va a serlo, si es el único que no se resigna a ser procesado? K. con su altitud frente a sus interrogadores, con su desplante al abogado y con su insistencia en decir que es inocente, es culpable aún antes de que le despierten para decirle que ha sido arrestado. Y que no se esfuerce en llegar a las puertas de la ley, por que cuando llegue, no se le dejará entrar. Aunque esas puertas estén allí para él. Como si se tratara de un sueño o... de una pesadilla.

(1) "Antes de las campanadas". Nickel Odeon Nº16. Entrevista realizada a Welles por Juan Cobos, José Antonio Pruneda y Miguel Rubio, para las hojas del Film ideal el 6 de mayo de 1964, el día que Welles hacía 49 años.
(2) Y muchas más que no pudo realizar por problemas de todo tipo: Guerra y paz, El corazón de las tinieblas, Enrique IV, Cyrano de Bergerac, Moby Dick, La ilíada, La vuela al mundo en 80 días, Julio César, Salomé, El Rey Lear, La Biblia (episodio de Abraham)...
(3) Toda la obra de Welles se halla repleta de humor, incluso en las más sombrías como pueden ser Macbeth o Una historia inmortal. El proceso probablemente sea de las más divertidas, casi por hilarante, apunto tanto la escena en la que K. se ve detenido como la escena en que una amiga de Ms. Brustner arrastra un baúl por un camino de tierra hacia no se sabe donde, con K. detrás suyo insistiendo que la quiere ayudar y la otra, que además es impedida, se niega, recriminándoselo como si la estuviera insultando. Ni Buñuel lo hubiera hecho tan bien.
(4) "El tema el poder en Orson Welles". Miguel Rubio para Nickel Odeon Nº16.

Tomado de www.miradas.net.
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